Melnitz (Charles Lewinsky)

Da bin ich wieder, habe eben noch einen kleinen starken Kaffee getrunken um nicht sofort schlafen gehen zu müssen - ich habe heute nachmittag ein neues Buch gekauft, Literatur Nobelpreis Le Clézio.


dtv, 784 Seiten


Klappentext:

Eine jüdische Familienchronik vor dem Hintergrund der Schweizer Geschichte in den Jahren 1871 bis 1945.

Meine Meinung: *****
Seit ich Dürenmatt im Gymnasium gelesen hatte, und das ist jetzt immerhin schon über vier Jahre her, war mir nichts mehr interessantes aus der Schweiz in die Hände geraten. Dieses Buch wurde in der Westschweizer Zeitung Le Temps vorgestellt samt (schweizer) Autor. Familienroman. Judentum - Her damit! Wo ich es gekauft habe, hatte ich gerade Kafkas Tagebücher und Hesses Steppenwolf gelesen und brauchte dringen eine etwas leichtere Lektüre. Wieder mal so was Buddenbrooksartiges, dick, mit vielen Leuten in denen man sich verlieben kann.
Charles Lewinsky hat hier einen gelungenen Roman geschrieben, der sich immer zwischen heiteren Humor und trauriger Resignation bewegt. Die jüdische Kultur, wird liebevoll durch die Figuren, jiddische Ausdrücke und kleine Bemerkungen zwischendurch geschildert.
Die Erzählung verläuft so zu sagen zyklisch, beginnt und endet mit demselben Satz. Immer wenn er sgestorben, kam er wieder zurück. Sie ist eine Geschichte der Schweizer Juden in der Schweiz, die durch die Chronik der Familie Meijer dargestellt wird und umfasst das kurze Katastrophen Jahrhundert, vom Ende des Franco-Preussischen Krieg, 1871 bis zum Ende des zweiten Weltkrieges 1945. Dabei versuchen die Charaktere leicht und fröhlich durch das Leben zu wandern, doch immer wieder taucht Onkel Melnitz auf, der uralte Jude, den niemand sehen will, träger der Verfolgungsgeschichte, Gedächtnis aller tragischen Schicksale ermordeten Juden, der ein jeden wieder einprägt, dass sie nie in Sicherheit sein werden, und dass es leider nichts hilft, wenn sie ihre inner Stimme überhören.
Es liest sich schnell, man öffnet das Buch und kriegt es nur schwer wieder zu!

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Eine andere Kritik auf dem Literaturblog.

La mort du roi Tsongor (Laurent Gaudé)

J'ai fait un excès de zèle ce matin. Je me suis levée à 5h30 parce que je voulais faire plein de choses et que je voulais avoir le temps de les faire. J'ai manifestement oublié que j'étais encore en vacances. Résultat, à 10h j'avais terminé toutes ces choses ultra-importantes, et maintenant, il faut bien que je m'occupe.
J'avais été prise dans les mailles d'un filet de lecture, il y a quelques mois. Une carte avec deux adresses, la première à qui envoyer un livre, la seconde à copié sur six nouvelles cartes sur lesquelles ont aura ajouté sa propre adresse, que l'on enverra à six amis lecteurs, qui feront de même. Au final, tu as donc perdu un livre et gagné 36 nouveaux. Théoriquement. Pratiquement, (et heureusement aussi) je n'ai reçu qu'un seul livre, dont voici ma critique:


livre de poche, 219 pages


Quatrième de couverture:

Dans une Antiquité imaginaire, le vieux Tsongor, roi de Massaba, souverain d'un empire immense, s'apprête à marier sa fille. Mais au jour des fiançailles, un deuxième prétendant surgit. La guerre éclate : c'est Troie assiégée, c'est Thèbes livrée à la haine. Le monarque s'éteint ; son plus jeune fils s'en va parcourir le continent pour édifier sept tombeaux à l'image de ce que fut le vénéré -et aussi le haïssable -roi Tsongor.
Roman des origines, récit épique et initiatique, le livre de Laurent Gaudé déploie dans une langue enivrante les étendards de la bravoure, la flamboyante beauté des héros, mais aussi l'insidieuse révélation, en eux, de la défaite. Car en chacun doit s'accomplir, de quelque manière, l'apprentissage de la honte.

Mon avis: ***
La Mort du roi Tsongor est un récit initiatique qui rappelle les tragédies classiques. Nous nous trouvons dans une Afrique primitive, belle, fière et sauvage. Dans son royaume fastueux, conquis par le feu et le sang, le roi Tsongor s'apprête à marier sa fille unique, Samilia, à un riche et jeune prince. Mais ce bonheur ne tient qu'à un fil. Il y aura Katabolonga, le fidèle sujet, qui doit tuer le roi pour venger son peuple massacré. Il y aura Sango Kerim, l'ami d'enfance et fiancé secret de Samilia, revenu réclamer son dû. Avec la mort du roi Tsongor, ce sera une guerre impitoyable entre les deux rivaux de force égale. Tous les enfants du roi Tsongor périront, tous, sauf la belle Samilia et le cadet, Souba, envoyé par son père pour lui construire sept tombeaux disséminés sur l'immense royaume.
Le récit est très brutal, bestial même, des chairs déchiquetées, des corps brûlés, des visages en bouillie. L'idée en soit est intéressante - le salut par le don de soi - mais l'importance attachée à la description obsessionnelle du carnage entre les deux prétendants est à mon sens démesurée. Il me semble qu'il aurait été plus intéressant d'analyser davantage les personnages de Samilia, Souba et Katabolonga, car au final, on referme le livre en ayant l'impression d'avoir lu un livre de guerre, et que le récit initiatique s'est déroulé furtivement dans les coulisses.

Der Steppenwolf (Hermann Hesse)

Suhrkamp, 229 Seiten


Klappentext:

Hier war meine Situation gezeichnet, die Situation des Bürgers, der Revolutionär werden möchte und den die Gewichte der alten Norm lähmen.

Peter Weiss

Meine Meinung: *****

Schon wieder einen Hesse-Roman, und schon wieder vieles nicht verstanden. Desto lieber ist mir das Buch, weil ich dann weiß - wie mit dem Glasperlenspiel - dass ich es immer wieder durchlesen kann und dass das, was ich am Anfang nicht verstanden habe, ganz langsam klar werden wird. Hesses Werk kann in vielen Richtungen angedeutet werden, sei es das Verhältnis des Künstlers/Forschers mit seiner bürgerlichen Umwelt oder das Verhängnis des Kleinbürgers, der zwar etwas Großes machen will, der jedoch von seinem drang nach finanziellem Wohlstand jedoch zurückgehalten wird. Mensch und Steppenwolf als eine Doppelfigur, die wir auch in uns selber finden können, und mit der wir uns auseinandersetzen müssen, wenn wir nicht von ihr regiert werden wollen. 

the loaf before going into the oven, originally uploaded by Lavinie Haala.

Tagebücher 1909-1912 (Franz Kafka)

Nun - jetzt wo ich Ferien und das Medikament gegen meine Heftigen Kopfschmerzen (eine rote Brille) habe , kann ich wieder frisch und munter lesen und Kommentare verfassen. Und es ist zur Zeit eh viel zu heiss, um auch nur einen einzigen Zeh in die Sonne zu wagen, also wird zu Hause geblieben, Kaffe und selbstgemachten ungezuckerten Eistee in unmegen hinuntergeschluckt, und auf der schattigen Terrasse gelesen, bis einem auch dort zu warm wird, so dass man sich dann auf das Bett legen muss, Augen zu und Bach hören. Oder auch vor entzücken auf die Entdeckung des Klavierquartetts in a-moll von Mahler den Mund nicht mehr zuzukriegen.

Fischer, 436 Seiten

Auszug:

3. I 12 Die Flammen, die auf der Gasse um einen Tiegel vor einem Neubau in den Formen von Farrenkräutern ringsherum aufwärtstrieben. * * * Der Umschwung den ein Gespräch nimmt, wenn zuerst ausführlich von Sorgen der innersten Existenz gesprochen wird und hierauf nicht gerade abbrechend aber natürlich auch nicht sich daraus entwickelnd zur Sprache kommt, wann und wo man einander zum nächstenmale sehen wird und welche Umstände hiebei in Betracht gezogen weden müssen. Endet dieses Gespräch auch noch mit einem Händedruck, so geht man mit dem augenblicklichen Glauben an ein reines und festes Gefüge unseres Lebens und mit Achtung davor auseinander.

Meine Meinung: *****
Die Tagebücher Kafkas in der Originalfassung bei Fischer erschienen, hatte ich in Paris gefunden, und anfang April angefangen, das eintauchen in Kafkas Welt, die, wie mann es aus seinen Romanen kennt, manchmal ziemlich skurril sein kann, war nicht einfach. Kafkas Tagebuch wurde auch ganz anders gestaltet, als die, die ich zuvor gelesen hatte, oder mein eigenes (das am 05 Juni 2008 seinen 10. Geburtstag gefeiert hat): Aufzeichnungen seiner Theaterbesuche, Beobachtungen anderer Leute, deren Gesten und Verhalten, literarische Bruchstücke, die 2, 5, 10 mal abgeändert werden, Selbstanalyse, usw.
Es ist hoch interessant diesem Autor sozusagen in den Kopf zu schlüpfen und mit zu erleben, wie er gedacht hat und wie er in seinem literarischem Schaffen funktionnierte.
Durchaus empfehlenswert, wäre es auch nur um reinste Poesie zu begegnen, wie etwa: Die Weissnähterinnen in den Regengüssen - mann könnte einen ganzen Gedichtzyklus, Liederopus und Film daraus fantasieren!

Fathers and Sons (Ivan Sergeyevich Turgenev)

Non, je n'ai pas eu un agenda surchargé, enfin, pas trop, disons. Mais il y avait Londres (et Londres + trois enfants turbulents + des host parents formidables = pas beaucoup de temps pour lire et écrire) et puis Verbier, et puis Dodoré, et puis maintenant il y a le Busker Festival, et mon piano (cela faisait 3 mois sans mon Schimmel et sans Beethoven, tu comprendras l'urgence de m'assoir sur mon tabouret). J'ai lu un peu, puis même beaucoup, puis je me suis cassé les yeux. (Mais je continue quand-même à lire - un peu moins). Un livre trouvé au détour d'une rue parallèle à Oxford Street, Fathers and Sons, pour pouvoir prouver à mon hostdad que je lis pas seulement des romans russes en français et pas seulement des gros pavés de musicologie. Et comme je rédige cette critique plus d'un mois après avoir l'avoir lu, ce sera court.

Wordsworth classics, 200 pages


Quatrième de couverture:

Fathers and Sons is one of the greatest of nineteenth century Russian novels and has long been acclaimed as Turgenev's finest work. It is a political novel set in a domestic context with a universal theme - the generational divide between fathers and sons. Set in 1859 at the moment when the Russian autocratic state began to move hesitantely towards social and political reform, the novel explores the conflict between the liveral-minded fathers of Russian reformists sympathies and their free-thinking intellectual sons whose revolutionnary ideology threatens thestability of the state. At its centre is Evgeny Bazarov, a strong-willed antagonist of all forms of social orthodoxy who proclaims himself a nihilist ans believes in the need to overthrow all the institutions of the state. As the novel develops Bazarov's political ambitions become fatally meshed with emotional and private concerns, and his end is a tragic failure. The novel caused a bitter furore on its publication on 1862, and this, a year later, drove Turgenev from Russia.

Mon avis: ****
Ce que moi j'ai trouvé scandaleux dans ce roman, ce sont ces petits pères grassouillets et craintifs comme des chiens battus, qui se font gouverner par leurs fils! Je ne prône pas une autorité parentale despotique, mais tout de même, il y a une telle bassesse dans ces pères soumis que cela donne la nausée. Que ne s'assument-ils pas une fois et font fi de l'avis et des lubies de leurs fils! On comprend que les pères russes aient farouchement haï cette nouvelle qui les blesse si vivement en montrant du doigt leur faiblesse face à leurs enfants. L'homme déteste se trouver face à une réalité qui lui est désagréable, il peut en devenir extrêmement mesquin, jusqu'à pousser celui qui l'énonce à l'exil, comme cela fut le cas pour Turgenev.
L'écrivain russe se livre à une analyse sociologique intéressante et dont la thématique de l'enfant-roi demeure certainement encore pertinente de nos jours, 150 ans après sa publication.

Vie et destin (Vassili Grossman)

Cela fait bientôt un mois que j'ai terminé ce roman, avec regret d'ailleurs, parce que j'ai réalisé que j'étais Victor Pavlovitch Strum. Je resterai encore dans la littérature russe, avec Turgeniev et son Father and Sons, déniché dans une libraire pour £2,99 - j'aime Londres. Mais ce n'est qu'une lecture de métro, à la maison, je savoure le grand livre du musicologue Alex Ross The Rest Is Noise. Un très bon ouvrage, j'en parlerai - pas tout de suite, il y a beaucoup de pages, et je n'ai pas beaucoup de temps à consacrer à la lecture en ce moment (je vis mes deux dernières semaines dans la capitale des extrêmes).

Livre de poche, 1172 pages


Quatrième de couverture:

Dans ce roman-fresque, composé dans les années 1950, à la façon de Guerre et paix, Vassili Grossman (1905-1964) fait revivre l'URSS en guerre à travers le destin d'une famille, dont les membres nous amènent tour à tour dans Stalingrad assiégée, dans les laboratoires de recherche scientifique, dans la vie ordinaire du peuple russe, et jusqu'à Treblinka sur les pas de l'Armée rouge. Au-delà de ces destins souvent tragiques, il s'interroge sur la terrifiante convergence des systèmes nazi et communiste alors même qu'ils s'affrontent sans merci. Radicalement iconoclaste en son temps - le manuscrit fut confisqué par le KGB, tandis qu'une copie parvenait clandestinement en Occident -, ce livre pose sur l'histoire du XXe siècle une question que philosophes et historiens n'ont cessé d'explorer depuis lors. Il le fait sous la forme d'une grande œuvre littéraire, imprégnée de vie et d'humanité, qui transcende le documentaire et la polémique pour atteindre à une vision puissante, métaphysique, de la lutte éternelle du bien contre le mal.

Mon avis: *****
Vie et destin continue en quelque sorte la lignée des grands chefs-d'oeuvre russes, de par l'ampleur du roman - plus de mille pages - l'attention, la fixation même pourrait-on dire portée sur la psychologie des personnages, telle qu'on la trouve chez Dostoïevski, et la réflexion philosophique sur l'histoire qui n'est pas sans rappeler Guerre et Paix.
Le regard que Grossman porte sur le système politique de son pays, l'URSS, est lucide et sans pitié, ni pour lui, ni pour les autres. En effet, s'il est usuel aujourd'hui de faire des liens entre stalinisme et nazisme, ce n'était pas encore le cas dans les années 50, lorsque Vassili Grossman a écrit l'œuvre de sa vie, révélant une pensée nouvelle, révolutionnaire sur la nature de la dictature de Staline, en véritable pionnier. Grossman nous fait vivre Stalingrad tour à tour dans la peau d'un communiste pur et dur, une mère de famille en deuil, un général Juif, un bolchevik déchu, un physicien juif brillant et lâche, un blessé allemand, et Paulus. Pour ceux qui ont lu le prix Goncourt 2007, Les Bienveillantes présentent des similitudes avec Vie et Destin, sans toutefois bénéficier du regard multiple de Grossman.
A lire.

Le Talmud: Enquête dans un monde très secret (Salfati)

Le soleil danse avec les nuages, et je suis en retard dans mes critiques. Brendel joue Haydn, la bouilloire chante sur le feu et je livre ma critique de ce livre que l'on m'a offert en échange de mon compte-rendu.

Albin Michel, 276 pages


Quatrième de couverture:

Le Talmud, objet de toutes les méprises, est depuis deux mille ans au cœur de la vie juive traditionnelle. Livre unique, il a subi, à l'image de son peuple, les errances, les persécutions, les métamorphoses. Pierre-Henry Salfati, lui-même talmudiste, nous fait découvrir à travers tous les continents et toutes les époques comment le Talmud a généré communautés et individus incroyables, aux histoires surprenantes et uniques : les génies qui connaissent chaque centimètre carré de ses milliers de pages par cœur, les employés de Manhattan qui l'étudient chaque matin clans le train, les hassidim messianiques de Jérusalem, les collectionneurs fous... Parmi cette galerie fantastique, le livre est lui-même un personnage à part entière. On découvre ainsi des histoires de faux traités, d'autodafés, de cimetières livresques, de controverses avec le Ciel, d'imprimeries babéliennes, ou encore de divorce royal - celui d'Henri VIII en l'occurrence... De New York à Jérusalem en passant par Paris. Venise ou Worms, Pierre-Henry Salfati nous initie avec bonheur à un monde peu connu, peuplé de figures exubérantes et de mystères historiques. Une vraie belle histoire juive, en somme, dans tous les sens du terme.

Mon avis: ***
L'ouvrage en question, comme appendice au documentaire Le Talmud de Salfati propose une histoire du judaïsme conduit par un fil rouge: le Talmud. Histoire bien sûr des plus sommaires - 4000 ans d'histoire en 170 pages! - mais très agréable à lire. Salfati procède comme un journaliste, voyageant entre Les Etats-Unis, Israël, l'Italie et l'Allemagne, passant de l'ère des téléphones portables aux bûchers de l'inquisition, et s'arrêtant un instant à la cour d'Henri VIII, "interviewant" les autochtones dont il livre les anecdotes.
Pour la goy que je suis, les références aux fêtes, aux courants religieux et à leurs initiateurs de rabbis ne sont pas toujours aisées à comprendre, se pose donc la question de savoir si le livre de Slafati est destiné aux Juifs ou aux non-Juifs. Et, bémol considérable pour moi, les attaques gratuites et pleines de mépris pour l'Eglise - catholique et réformée - que je trouve déplacées. Safati pose son peuple comme la Victime incessamment martyrisée et pointe du doigt sur les bourreaux, allant jusqu'à dire que les thèses d'Hitler, en somme, avaient déjà été énoncées par Luther (impliquant l'accusation monstrueuse que tous les chrétiens protestants sont en quelque sorte des nazis). Quitte à relancer le débat, je m'insurge contre ce droit que prennent les gens de se déclarer victimes. Dans la question de la Shoah, au point où l'on en est aujourd'hui, je crois fermement que personne n'a le droit de juger si untel est coupable, c'est un jugement qui incombe à la personne concernée, et à elle seule. Et inversement, qui peut s'auto proclamer victime? Ce n'est pas à nous-même de le décider, mais aux autres de le reconnaître. C'est la la clé pour se libérer du traumatisme de la Shoah et s'en émanciper.

Après la lecture de Salfati, que me reste-t-il à faire, moi, doublement coupable d'être Allemande et protestante?

Animal Farm (George Orwell)

De temps en temps, il m'arrive de retrouver le temps pour la lecture. Dans le tube, et un samedi soir frileux, dans un café en face de l'English National Opera, devant un énorme chocolat chaud (il faisait vraiment froid et j'étais en short).

Penguin, 95 pages


Quatrième de couverture:

Mr Jones of Manor Farm is so lazy and drunken that one day he forgets to feed his livestock. The ensuing rebellion under the leadership of the pigs Napoleon and Snowball leads to the animal taking over the farm. Vowing to eliminate the terrible inequities of the farmyard, the renamed Animal Farm is organized to benefit all who walk on four legs. But as time passes, the ideals of the rebellion are corrupted, then forgotten. And something new and unexpected emerges...

Mon avis: *****
Cette courte nouvelle vient compléter ma lecture de Life and Fate de Vassily Grossman (critique à paraître d'ici la fin de la semaine, j'espère). Orwell a, déjà dans les années 50, compris les déviations du communisme - du stalinisme, devrait-on dire. Il en fait le constat dans une parodie grinçante à petite échelle. L'Animal Farm envoie des pigeons pour convaincre les fermes avoisinantes d'adopter leur idéologie, se crée un ennemi du peuple responsable de tous les problèmes que rencontre l'Animal Farm, connait les exécutions massive de la Russie soviétique de 1937 et le culte du leader.
Cette courte nouvelle fantastique raconte mieux que moults gros ouvrages scientifiques la naissance et la décadence de l'empire communiste.

Evgeny Kissin possédé & public envoûté

Barbican, London, 05.06.2009, 7.30pm

Je me suis offert ce luxe: réentendre le récital de novembre dernier à Lucerne, cinq mois plus tard à Londres. En relisant ma critique du récital donné dans le cadre de la semaine du Lucerne Festival consacrée au piano, je réalise que ce concert a en quelque sorte mûrit en moi: si je voulais absolument réentendre Kissin dans ce programme, c'était pour sa sonate de Prokofiev, laquelle ne m'avait apparemment pas tant marqué en novembre, puisque j'ai réussi à écrire que le véritable plat de résistance du soir était les études de Chopin, et non cette sonate.
C'est intéressant d'avoir l'occasion d'entendre un récital dans les toutes premières performances en public (si mes souvenirs sont bons, Lucerne était le deuxième concert de la saison) et dans les dernières. On voit alors l'œuvre grandir, changer, parfois beaucoup - comme ici - parfois peu - comme pour le programme final de Brendel.

Je rappelle le programme:

Sergey Prokofiev (1891–1953)

• Ten Pieces from Romeo and Juliet, Op. 75 (1937) – excerpts
  No. 4, Juliet as a young girl • No. 8, Mercutio • No. 6, Montagues and Capulets
  

• Piano Sonata No. 8 in B flat major, Op. 84 (1939–44)

Fryderyk Chopin (1810–49)

• Polonaise-Fantaisie in A flat major, Op. 61 (1846)

• Mazurkas – C sharp minor, Op. 30 No. 4 (1837); A flat major, Op. 41; No. 4 (1839); A minor, Op. 59 No. 1 (1845)
  

• Études, Op. 10 (1829–32) – No. 1 in C major; No. 2 in A minor; No. 3 in E major; No. 4 in C sharp minor; No. 12 in C minor.
  

• Études, Op. 25 (1832–6) – No. 5 in E minor; No. 6 in G sharp minor; No. 11 in A minor.

Point de "faux départ" cette fois-ci, Juliette est gracile et légère comme un oiseau, à la fois fraîche et rose comme un enfant, tiède et langoureuse comme une femme. Mercutio est brillant de virtuosité, racé, fougueux comme un pur-sang arabe. Quant à la confrontation des Montagues et Capulets dans le bal, elle est violente, sombre prédiction des malheurs à venir. Evgeny Kissin a ce don particulier, que j'ai souligné déjà à plusieurs reprises, de raconter des histoires, et ici encore, il raconte ce drame de Shakespeare avec beaucoup de force imaginative.

Venait le véritable plat de résistance, la troisième des sonates de guerres de Prokofiev, composées entre 1939 et 1944. L'interprétation de Kissin est un pas important dans l'histoire de cette sonate. Le pianiste russe se dévoue corps et âme dans cette pièce dont chaque mouvement est complètement différent du précédant. Le premier mouvement est menaçant et joue avec la tension qui monte, se brise, pour recommencer jusqu'à ce que les nerfs ne le supportent plus; le second mouvement est un songe, une réminiscence d'un passé lumineux dans un présent calciné; le troisième est une explosion de joie de vivre juvénile, si caractéristique du compositeur soviétique. Evgeny Kissin a su faire ressortir jusqu'à l'extrême ces différents aspects, tout en conservant une sonate cohérente dans l'articulation de ses mouvements: l'ambiance morbide et menaçante de la guerre, les souvenirs de jours meilleurs, la rébellion contre la mort, l'impossibilité de l'accepter. Je ne crois pas qu'il soit possible d'aller plus loin que Kissin l'a fait, du moins pas pour le moment; Kissin a atteint les limites du possible pour cette sonate.

Si la polonaise-fantaisie et les mazurkas restaient dans ce que nous connaissons déjà de Kissin, ses études étaient d'une finesse et d'une virtuosité qui a séduit le public plus d'une fois - applaudissements spontanés après l'op.10 n°4 et n°12 - la technique époustouflante du pianiste lui permettant de faire également une très belle musique avec ces deux opus de jeunesse de Chopin, en particulier en offrant une attention soutenue à la main gauche et en explorant des lignes mélodiques qui restaient jusqu'alors remises en second plan par les difficultés techniques de études. J'attends avec impatience que Kissin puisse présenter et enregistrer l'intégrale des études op.10 et op.25.

Un récital qui montre une fois de plus que Kissin n'est plus l'enfant prodige des concerti de Chopin, mais désormais un artiste dans sa pleine maturité, à la poursuite d'idéaux qui deviennent chaque jour plus exigeants.

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Edit du 08.06.2009: Une critique à l'extrême opposé - qui me choque par son animosité - parue dans le Times online.

Edit du 09.06.2009: Deux critiques, parues dans le Guardian (critique assez plate, plus un procès-verbal qu'une critique, à mon avis)(j'imaginais que les critiques du Guardian étaient toujours la crème de la crème) et dans le Telegraph (bien argumentée, mais qui ne mentionne pas une seule fois la sonate (!)) (Je ne dis pas que je fais mieux - la mienne manque d'impartialité, de finesse et de profondeur d'analyse, mais quand même, entre rejeter en bloc, faire un PV et passer la sonate sous un silence total - il s'agit tout de même de trois journaux réputés!)

LSO Discovery Day: Brahms

Oui, je remets enfin les pieds ici, et sans doute je saurai revenir un peu plus régulièrement maintenant: samedi soir, j'ai fait la tournée de quelques opéras et salles de concert (English National Opera (ENO), Royal Opera House (ROH) et Barbican, pour tout dire) et j'ai déjà deux billets, pour Lulu au ROH et LSO/Davis/Freire au Barbican. Lulu, c'est l'une de mes lectures préférées, je suis donc très impatiente de découvrir l'opéra de Berg, et me suis offert une place assise à visibilité non réduite pour 20£. Pour mon anniversaire, car il y a une représentation qui a lieu le soir de mon anniversaire.

Mais.
Samedi je tombais par hasard sur ce Discovery Day, il restait des places (pas comme pour le récital de Kissin, grâh.) alors j'ai changé mes projets de passer mon Bank Holiday Sunday à Brighton, au bord de la mer, et j'ai hanté les locaux du Barbican et de St-Luke pour une journée dédiée à mon Brahms.

Le programme:

1. 10.00 am - 1.00 pm: general rehersal du concert du soir au Barbican
2. 2.30 pm - 3.30 pm: conférence sur Brahms: Traditionalist and Progressive
3. 4:00 pm - 5.30 pm: trio pour clarinette, trio pour clarinette par des musiciens du LSO et questions

1. Répetition générale
London Symphony Orchestra, Sir Colin Davis, Nikolaj Znaider

• Stravinsky: Orpheus
• Brahms: Concerto pour violon, op.77
• Elgar: Introduction and Allegro for Strings

J'avoue que je suis restée très sceptique de cette interprétation de Stravinsky, je pense que plusieurs musiciens du LSO n'aimaient pas particulièrement cette pièce, et cela se ressentait dans cet Orpheus, joué sagement et proprement, mais sans tripes, avec corps mais sans âme - du moins en comparaison avec ce qui suivra. Les violons n'étaient pas tous très réveillés, on avait des attaques très différentes, entre le premier violon très sec et nerveux et certains plus mous. On a, comme je l'avais déjà remarqué dans l'enregistrement de l'intégrale des concerti de Beethoven avec Kissin, des basses puissantes et extrêmenent vivantes et habitées, qui confèrent cette couleur profonde spécifique au LSO que j'affectionne tant. On notera au passage l'effectif assez impressionnant desdites basses: 10 violoncelles et 8 contrebasses, que nous auront pour les trois pièces. Les vents également sont d'une maîtrise à couper le souffle.

Nikolaj Znaider rejoint la scène, et, après avoir repris le début pour metter au point le bon tempo, c'est toute la pièce qui est jouée, sans reprises, si mes souvenirs sont bons (je n'ai rien noté de tel sur mon carnet magique en totu cas). Je n'ai d'ailleurs pas noté grand'chose , mis à part Brilliant! et wow! wow! wow! Parce que c'était réellement impressionnant et magnifique. C'était la première fois que j'entendais - du moins consciemment - Znaider. Je ne sais pas quel est sont répertoire, mais en tout cas, il nous a interprété un Brahms magnifique, très riche et diversifié. Il joue avec l'orchestre, il y a une très belle relation avec les musiciens et le chef - il était le subject of this years LSO Artist's Portait, ce qui signifie qu'il a travaillé régulièrement avec l'orchestre et son chef durant cette saison - et on sentait cette communication constante, qui permet à l'orchestre de sublimer le jeu du soliste et au violoniste de converser avec les musiciens, le tout coordonné par l'extraodrinaire Colin Davis, toujours fringant du haut de ses 82 ans. Un clin d'oeil au second mouvement et au haubois solo du LSO: j'ai toujours trouvé que le hautbois, c'était pas le plus bel instrument. J'ai changé d'avis (je veux jouer du zobois!). Autre remarque pour le troisième mouvement, joué avec beaucoup de rubato, ce qui fait ressortir le caractère tzigane de la partition. C'est volontairement un peu pataud, avec des accents de fête foraine slave, et très séduisant, car l'oeuvre ne perd pas en finesse tout en gagnant en couleur.

Pour Elgar, vents et percussions quittent l'estrade et les chefs d'attaques sont seuls à leur pupitre, placés comme un quatuor, entouré par l'orchestre. Cette disposition s'explique par le fait que les chefs d'attaque assument une partition quasi solistique, souvent différente de celle de l'orchestre. Ici, l'union des cordes, particulièrement des violons, est remarquable, on a ici un seul corps avec une cinquantaine d'archet. Si on sentait une certaine réticence des cordes dans Stravinsky, on sent ici un plaisir évident de jouer les grandes phrases lyriques d'Elgar, ce compositeur qui met en musique les grands ciels anglais avec leurs nuages qui courent à toute allure.

2. Conférence
Robert Pascall, Brahms: Traditionalist and Progressive.

Après une pause de midi sur la terrasse du Barbican ensoleillée et envahie par des Londoniens et touristes de tous âges, plein nord, direction St Luke, l'église du LSO (restaurée, qui sert de local de répétition, lunch concert hall, etc.). Je termine mon café sur un banc à l'ombre devant l'église et une vieille dame s'assied à l'autre bout. Un coup de vent fait voler son programme à ses pieds, je le ramasse, et la conversation s'engage, après son Thank you, perhaps you arm is longer than mine. Elle voyage avec les festivals de musique classique, son agenda est rempli à craquer de concerts, workshops, master classes, conférences et générales, elle a son avis sur tout et parle un allemand presque impeccable - when I'm in Vienna, I feel home. Elle me raconte l'histoire de l'acquisition de St Luke par le LSO, son admiration pour Sir Colin Davis et me conseille des concerts.
Robert Pascall parle des première compositions de Brahms, de l'influence de Bach et Beethoven dans son oeuvre, des études de contrepoint et insiste longuement sur les moult tentatives, encouragées par Schumann, d'écrire une symphonie, et comment les différents matériaux s'insèrent dans les compositions. Il en résulte non seulement une thematische Arbeit qui agit non seulement dans une pièce, mais s'étend sur plusieurs oeuvres.
Brahms à la foi tourné vers le passé, dans ses études de contrepoint et ses exercices de compositions dans ce style, et vers l'avenir, puisque sans Brahms et sa systematic composition, pas de musique atonale.
Une citation pour le plaisir d'un Brahms plaisantain, la réponse du compositeur à la critique que Lachner formula au sujet de sa seconde symphonie et de l'usage des trombones et timbales:

I had very much wanted and tried to get through the first movement without trombones. [...] But their first entry, that belongs to me and thus I cannot di without it and also the trombones. If you wanted me to defend that passage I would have to go further. Then I would have to aknowledge that I am in addition a deeply melancholic person, that the black wings flutter continually over us, that - perhaps not completely accidentally in my oeuvre this Symphony is followed by a samll discourse on the great question "Why" [the Motet: Warum ist das Licht gegeben dem Mühseligen? op. 74 n°1]. If you don't know it [the Motet] I will send it you. It throws the necessary deep and shadow onto the happy Symphony and perhaps explains those kettledrums and trombones. - But please don't take this or the trombones too tragically or seriously.

3. Klarinettentrio
Dernier évement de la journée, un petit monsieur prend le micro. Il est animateur à radio BBC 3 et introduit l'oeuvre en mettant l'accent sur les thèmes, variés à l'infini (la thematische Arbeit, encore.), qu'il fait jouer aux musiciens. Puis ceux-ci nous exécutent un trio frais et d'une approche assez juvénile, saluée par le public. C'était loin d'être parfait, mais il y avait une grande joie de jouer ce trio, que l'on a rarement l'occasion d'entendre, en raison de sa distribution particulière (clarinette, violoncelle, piano). Suivait une série de questions, de l'animateur aux musiciens d'abord, puis du public aux musiciens - faut-il vibrer, et comment? comment lire les critiques, comment rédiger des critiques? où placer ce trio dans un concert? faut-il écouter des enregistrements avant de jouer une oeuvre? comment faire lorsqu'on doit jouer une pièce que l'on n'aime pas? etc.
La vieille dame dit en me quittant: Ich wünsche ihnen noch einen wunderschönen Tag und ich bin ein wenig einversüchtig, dass sie in Wien weiterstudieren.

Et je longe Thames sur le Victoria Embanquement avant de remonter à Trafalgar Square voir des buskers.

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Edit du 28 mai: Boulezian a publié une critique soignée, à lire ici.

Edit du 28 mai, mais un peu plus tard: il y a à nouveau quelques places pour le récital de Kissin. J'ai eu une place (mais je n'ai pas encore complètement pris connaissance de l'ampleur de mon bonheur).

Hier pendant la pause de midi, je lisais le dernier numéro du Magazine littéraire à la bibliothèque. Outre le fait que les 3/4 des auteurs présentés sont Juifs et les 2/3 des romans critiqués en lien avec la Shoah - y a-t-il un quelconque anniversaire cette année? - une citation de l'essai L'Holocauste comme culture paru chez Actes Sud a retenu mon attention. Le prix Nobel de littérature Imre Kertész écrit, à propos de la Shoah, que cela ne lui semble pas impossible qu'un évènement pareil se renouvelle un jour:

"Tout ce que nous vivons en ce moment et dans le monde entier, à savoir notre civilisation, notre mode de vie, nos idéaux ou plutôt leur absence, le clivage entre le monde individuel et le monde socio-historique, [...] l'inanité de l'intelligentsia de notre temps couplée à son avidité insatiable d'idéologie, fait plus destructeur que le sida ou la drogue - tout cela ainsi que tous les symptômes de notre siècle dépourvu d'imagination et intellectuellement atrophié, montre qu'une telle répétition n'est pas impossible."

Leçons particulières (Hélène Grimaud)

Un tout petit livre, que ma voisine-copine m'avait apporté un jour en venant regarder un Louis de Funès chez moi, Tiens, je l'ai à double, j'ai pensé que tu devrais aimer. (C'est fou ce qu'elle peut avoir raison, des fois.)

Je l'ai ouvert hier soir, je l'ai pris dans mon lit, et ce matin je le terminais en tailleurs sur mon balcon, un verre d'eau pour calmer le soleil.


Pocket, 181 pages


Quatrième de couverture:

Comment surmonter ses doutes ? Comment élever son âme ? Comment définir la passion, voire l'amour ? Telles sont les questions que se pose Hélène Grimaud, au cours d'un triple voyage : voyage en Italie dont elle nous fait partager les beautés ; voyage initiatique jalonné de rencontres avec de curieux personnages qui la renseignent sur le sens de la vie ; voyage intérieur enfin où, au terme de sa quête, elle montre comment retrouver le chemin du bonheur. Ou comment unir, dans la même ferveur, la musique, le monde sauvage et une passion absolue pour l'existence.

Mon avis:*****
Au début, j'étais sceptique. Vraiment. J'aimais beaucoup le contenu, nettement moins en revanche sa manière de l'exprimer. Certaines métaphores, quoique très belles, laissaient un arrière goût d'artifice dans les pages. L'utilisation de la langue un peu pincée, il lui manquait l'aisance et le naturel de l'écrivain, du "vrai", cette aisance qu'elle a au piano, résolument. Et puis au fil des pages - j'avais accroché, presque à mon propre insu - j'ai aimé aussi le style, et les belles métaphores, et son savoir admirable et humble, les paysage de cette Italie que je ne connais pour ainsi dire que des romans, et Hambourg hantée par Brahms - Hélène Grimaud semble faire la même connexion que moi entre Hambourg et Brahms.
Court récit initiatique peuplé de rencontres merveilleuses, Hélène réapprend à vivre, et par son roman, nous redonne les clefs pour retrouver ce paradis que l'on perd si facilement de vue. Je crois partager nombre de ces opinions, tant sur la musique, son but, son essence, que sur ses considération de la vie, de l'amour, de la mort. J'ai trouvé dans ce minuscule opus une corde qui vibrait à la même fréquence que la mienne.

Mrs. Dalloway (Virginia Woolf)

Je remets à jour, je remets à jour.
Là.
J'avais pris das Glasperlenspiel à Paris, mais il s'est vite montré que c'était un mauvais choix:

1. trop compliqué pour être lu par bribes de 2 pages dans le métro
2. trop volumineux pour être trimballé dans mes pérégrinations parisiennes

Mais je sais où aller. Boulevard St-Michel, par exemple. Un saut à Gibert-Jeune, je me trouve nez à nez avec le rayon russe et celui d'anglais, j'hésite pour un recueil de poèmes de Tsvetaeva (mais je saurais juste le lire, pas le comprendre)(et puis il est énorme) et vois Mrs Dalloway. Virginia Woolf, cela faisait longtemps que je voulais la découvrir. Et ce roman précisément est le préféré de ma correspondante Nina, celui qui apparaît dans The Hours, mon livre de bac anglais. Parfait. En plus il est mince, léger et 2€. Finalement, je me suis fait avoir, c'est un anglais moins simple que celui d'Auster ou Wilde, donc j'ai un peu galéré dans le métro, pour comprendre quelque chose entre deux cahots, trois Espagnols tapageurs et les coups d'oeil rapide sur les stations pour ne pas louper la sortie. Ainsi, lorsque je suis arrivée chez moi, j'ai repris le roman depuis le début, après avoir - enfin! - regardé le film The Hours.
Le troisième des quatre enfants que je garde régulièrement m'a croisé dans le village, mon livre vert pomme à la main. Du haut de ses deux ans, il a le plaisir de découvrir, et aussi de découvrir qu'il sait: Pingouin, là, pingouin annone-t-il en montrant du doigt les deux pingouins du logo.


Penguin Books, 224 pages


Quatrième de couverture:

It is a Wednesday in mid-June 1923 and Mrs Dalloway is to have a party. As she spends the day in preparation, worrying about the evening's success, she looks back over her life at the choices that have led her here. Then an unexpected visitor calls...

Mon avis:*****
Non, je ne vais toujours pas vous faire la blague de rédiger mes notes sur les livres de littérature anglaise en anglais. Non.
De tous les livres anglais lus jusqu'ici - ils sont au nombre intersidéralment élevé de trois - celui-ci était sans hésiter le plus difficile à lire. La langue semble être utilisée avec beaucoup plus de subtilité que Cunnigham, Auster ou même Wilde. Mais pour le coup, la belle Virginia Woolf est aussi celle qui m'a le plus appris à ce niveau là. Ce n'est pas l'anglais que l'on baragouine à l'école, c'est l'anglais de mon ami diplomate: élevé, raffiné, avec un charme quelque peu désuet.
Quand à l'histoire, il s'agit de la vie d'une femme dans une journée. La vie entière d'une femme dans une seule journée. Évidemment, j'ai adoré: Woolf qui se prend le temps de raconter une journée sur plus de 200 pages, je trouve ça génial. Mais ce n'est pas que la vie de Clarissa-said-she-would-buy-the-flowers-herself. C'est celle d'un ami revenu subitement des Indes, celle d'un poète malade que cet ami a croisé à Regents Park dont le médecin se rendra à la fête qu'organise Mrs. Dalloway... C'est comme un fil jeté sur une carte de personnages et que l'on a fixé sur certains d'entre eux avec une épingle, comme des arrêts le long d'une ligne de bus. ce fil qui est parfois aussi suggéré tel quel dans le récit, par la voiture pétaradante qui sillonne les rues matinales de Londres, l'avion publicitaire qui trace des toffee dans le ciel immobile de juin, les sirènes de l'ambulance qui relie le poète à l'ami retrouvé.
Et c'est certainement aussi une troublante autobiographie, autobiographie dans laquelle Virginia Woolf trace déjà son destin. C'est le poète qui doit mourir. Et ainsi, elle mourra, jeune encore, et tellement belle.

Das Glasperlenspiel (Hermann Hesse)

Fast habe ich meinen Rückstand hier aufgeholt. Fast. Und auch sonst bin ich schier wieder up to date, was eigentlich eher selten der Fall ist.


Suhrkamp, 576 Seiten


Rezension aus Amazon:

Hermann Hesses Alterswerk „Das Glasperlenspiel“ erschien 1943 in Zürich, 1946 erfolgte eine Ausgabe in Deutschland. Bereits 1931 hatte der Autor an dem Werk zu schreiben begonnen. Ohne Zweifel handelt es sich bei dieser letzten großen Prosaarbeit Hesses um keine leichte Kost. Man kann „Das Glasperlenspiel“ wegen seiner Tiefe und Komplexität getrost als Opus für Kenner bezeichnen. Wer sich jedoch damit auseinandersetzen möchte, wird in dem Erziehungs- und Lebensideal, das in einer Synthese von Wissenschaften und Kunst, von Geist und Sinnen besteht, faszinierende gedankliche Ansatzpunkte finden.

Meine Meinung:*****
Es war eine schwierige Lektüre, von der Sprache her wie von dem philosophischen Inhalt. Meine vieleicht schwierigste Lektüre überhaupt. Desshalb hat es mich einige Zeit gekostet, das Glasperlenspiel zu lesen, es sind mir immer wieder andere Bücher dazwischen gekommen, bis ich mir dann Hesses Stil angeeignet hatte und mich hungrig durch das Buch las.
Das Glasperlenspiel ist eines dieser Werke, deren ganzen Sinn mir noch entwischt. Manches verstehe ich, anderes ahne ich, aber vieles bleibt mir noch verheimlicht. Ideen, die sich in mir verborgen haben und die, eine nach der anderen, sich mir zeigen werden, vom Licht des Wissens erhellt. Es ist eines von jenen Büchern, die man nie vergessen wird, und die uns ein Leben lang begleiten werden.
Mehr möchte ich dazu nicht sagen. Ich werde es nochmals lesen, und immer wieder. Und freue mich, "durchgetrotzt" zu haben - es hat sich wirklich gelohnt.

Trois solistes de choc, un grand chef et un excellent orchestre pour Mahler

Après une course folle dans la forêt, une douche, et, en tailleurs sur mon lit, le pull à capuche est douillet, le hot milk mug sur la table de nuit - my one weakness, j'écoute Mahler. Un enregistrement qui décoiffe, qui... qui.


Mahler Lieder
Quasthoff / Urmana / von Otter
Wiener Philarmoniker / Boulez

1. Lieder eines Fahrenden Gesellen
2. Rückert Lieder
3. Kindertotenlieder

Je me surprends de n'avoir encore jamais parlé de Thomas Quasthoff, baryton hors pair, que j'ai eu la joie immense de découvrir pour la première fois, en live à Verbier, lors d'une répétition générale. Thomas Quasthoff, la voix et l'homme, tous deux admirables. Cet enregistrement me le fait découvrir dans un répertoire différent de celui que je lui connaissais (majoritairement les cantates de Bach et les Lieder de Schubert), mais dans lequel il excelle également.
Violetta Urmana est une découverte absolue - et belle.
Anne Sofie von Otter m'était déjà connue de par le Rosenkavalier de R. Strauss et divers autres productions, et figure, au même titre que Quasthoff, sur ma liste des top ten. Et mon opinion de Pierre Boulez, vous vous en souvenez peut-être.

Les Lieder eines fahrenden Gesellen sont légers, avec une note pastorale et des accents de chanson populaire, mais Thomas Quasthoff ne tombe pas dans le piège d'une interprétation facile, mais sa compréhension du texte et l'importance qu'il lui donne rendent ces Lieder très émouvants. Il y a également une symbiose avec l'orchestre, qui traduit littéralement les affects de Quasthoff, les reflète et les complète. Je pense notamment aux flûtes si âcres dans le 3ème numéro Ich hab ein glühend Messer, qui imagent si bien les déchirement de ce coeur transpercé par un couteau. De loin l'une des meilleures interprétations.

Violetta Urmana s'avère être une soprano très aérienne, légère et lumineuse, par opposition au soprano mûr et consistant d'Anne Sofie von Otter. En cela, la première convient parfaitement au 5 Rückert Lieder tandis que von Otter excelle dans le dramatisme douloureux des Kindertotenlieder. Urmana a une aisance qui s'étend jusque dans les sauts les plus périlleux, et confère un côté juvénile et ungestüm à ces 5 Lieder. Elle se fond avec le hautbois solo dans ce magnifique contrechant dans Ich atmet einen linden Duft dont elle arrive à imiter vocalement la couleur claire et innocente.

Le dernier cycle que nous offre cet excellent disque est celui des Kindertotenlieder, déjà presque un VIP sur ce blog. Comme j'ai entendu ces Kindertotenlieder il y a peu à Pleyel, je peux encore comparer le trio Stutzmann / Eschenbach / Orchestre de Paris avec celui von Otter / Boulez / Wiener Philarmoniker. Heureusement pour les premiers, je n'avais pas encore pris connaissance de cet enregistrement lors du concert à Pleyel. La qualité de l'interprétation d'Anne Sofie von Otter et la précision de Boulez sont remarquables, et ici, l'orchestre ne mange pas la chanteuse et la chanteuse ne mange pas ses mots. Von Otter chante avec les tripes, mais sans vulgarité, sa souffrance n'est pas un artifice surfait, c'est la simplicité de la douleur, illuminée par la tendresse des souvenirs.
C'est très, très beau.

Un dernier paragraphe pour sautiller de plaisir pour le travail de l'orchestre - les vents absolument superbes, cela faisait longtemps! - et la baguette rigoureuse mais non insensible du petit Français.

A acheter, là, maintenant, tout de suite.

Hélène Grimaud plays Brahms, Klavierstücke op. 116-119

J'ai dû me rendre à la triste évidence: je ne suis pas assez riche pour aller régulièrement au concert- du moins pas aussi régulièrement que je le souhaite, ce qui serait dans l'idéal une fois par semaine. (Oui, je sais, j'ai des goûts de luxe, un peu.) Mais comme la musique supplante tout, y compris la littérature, il fallait qu'il en soit de même sur ce blog. Je me replie donc vers l'alternative du concert: l'enregistrement discographique. Et espère étoffer la rubrique cd review.

Disques de ma bibliothèque personnelle, emprunts de la médiathèque, plage trouvée au gré de mes pérégrinations sur internet, ces articles sont d'abord destinés à mon propre usage, comme pense-bête des acquisitions dans ce domaine. Mais vos commentaires seront évidemment toujours les bienvenus, d'autant plus qu'ils sont constructifs (par exemple que je suis belle et intelligente).

Aujourd'hui, un excellent album paru chez Erato:
Les Klavierstücke op. 116, 117, 118 et 119 de Brahms, par l'excellente Hélène Grimaud, dont il n'a encore jamais été question ici - honte à moi.

Brahms - Hélène Grimaud

Piano Pieces Op. 116-119
Erato, 1996

Les Klavierstücke Op. 118 avaient déjà été l'objet d'une discussion comparative (ici et surtout là) de plusieurs interprétations trouvées sur le net. Voici maintenant un enregistrement supplémentaire - et quel enregistrement!

Hélène Grimaud me convainc beaucoup dans Brahms en général, et dans ces Klavierstücke en particulier. Le son est soigné, la palette d'émotions subtile et utilisée avec beaucoup de finesse et de sensibilité.
Il y a un plaisir du son, des différentes voix, du geste, et on imagine Hélène Grimaud évoluer dans des mouvements amples et bien dessinés, comme une danseuse dans un ballet, la générosité des bras, la délicatesse des poignets et la précision des doigts, pour offrir un Brahms tour à tour profond et généreux, passionné et tourmenté, tendre et souriant, rêveur et intime. Il y a par moments quelque chose de féminin dans son jeu, qui convient à merveille au Brahms des Klavierstücke, entre autre à la berceuse op.117 n°1.
Elle sait se glisser dans la profondeur de Brahms, dans les différentes couches sonores, et semble comprendre avec une intuition naturelle l'essence du compositeur, ce qui en fait une brahmsienne que j'apprécie de plus en plus au gré de mes découvertes.

à acquérir.

Ce bref extrait vidéo montre à mon sens bien l'attention portée à chaque note:

Il avait plus tout dimanche (Philippe Delerm)

Je voulais vous relater ma soirée à l'opéra Garnier, avec le spectacle de l'école de danse, je me suis rendue compte que je n'y connaissais rien au ballet.

Je voulais vous parler de l'exposition au musée d'art et d'histoire de Judaïsme, je me suis rendue compte que je ne savais pas comment en parler.

Alors je vous livre ma critique d'un tout petit livre, un tout petit condensé de Paris.

Folio, 116 pages


Quatrième de couverture:

"Revoir Paris." Arrivé à la gare du Nord, monsieur Spitzweg se surprend à siffloter la chanson de Trenet. Ah oui! finalement, c'est surtout pour ça qu'il est parti. Dans la rumeur de sept heures du matin, une grande bouffée de Paris lui monte au cœur, et c'est plus fort que toutes les vagues de la mer du Nord. Il prend un café sur le zinc, dans les annonces des haut-parleurs : "Le T.G.V. 2525 à destination de Bruxelles partira de la voie 8..." Mais on peut bien parler d'ailleurs, Arnold sait désormais qu'il est ici. Cette désinvolture du serveur, l'odeur des journaux frais, un je-ne-sais-quoi de parisien dans l'arôme du café... Monsieur Spitzweg reprend sa valise et hume les couloirs du métro comme un jardin d'essences rares. Les carreaux de faïence, la couleur des affiches, tout lui plaît. Dans le wagon qui le ramène à Guy-Môquet, il y a un Noir avec un gros vélo rouillé auquel il manque une pédale.

Mon avis: ****
Petit livre occasion pour 1€, trouvé sur le Boulevard St-Michel, parce que ça faisait longtemps que je voulais lire Delerm, c'est dans le TGV à destination de Genève que je l'ai lu, d'une traite. Je ne dirai rien d'autre que ce que j'avais déjà écrit ici:

Delerm captured Paris in this short book; I feel like I was still there, the smell of the metro, the jingle of SNCF, the light noisy cafés, markets, people, streets I walked down, places I stopped by...
A kind of love letter to the "Ville Lumière" .

Et pour rester dans l'ambiance Paris, Delerm, toujours, mais Vincent, et en musique:

La salle Pleyel reçoit la crème des Fin de Siècle viennois

Salle Pleyel, Paris, 01.04 et 02.04.2009, 20:00

Paris contient désormais une foule de petits rituels - regarder les gens à la terrasse d'un café, faire les librairies Boulevard St-Michel, lire dans le métro, oublier de manger et marcher à avoir les pieds en sang. Et aller à un concert à Pleyel.
L'automne, c'était mon pianiste préféré dans un récital de Lieder russes. Pleyel intime, feutré, apaisant comme un cocon. Au printemps, c'est Pleyel éclatant, enivrant de chromatismes, grandiose et étourdissant de puissance, avec Mahler et Bruckner et un orchestre immense - 9 contrebasses, et bien 70 musiciens sur scène pour Bruckner! (et oui, je viens de la province et n'avais encore jamais vu un tel effectif. C'est assez trippant la première fois.)

La première moitié du concert préparait à l'explosion brucknerienne avec les émouvants Kindertotenlieder de Mahler, chantés par la contralto Nathalie Stutzmann, qui savait rendre ces douloureux poèmes extrêments vivants. Malheureusement, sa belle voix grave était souvent engloutie par l'orchestre, de sorte qu'il fallait souvent tendre l'oreille pour l'entendre, également pour comprendre le texte, heureusement imprimé sur les programmes. Malgré cela, ce sont les bustes tendus en avant et le souffle retenu que le public écoute ces chants de souffrance aveugle, et le silence qui précède les applaudissements est lourd, angoissant.

En seconde partie, la scène s'est remplie, et la salle s'est peu à peu vidée durant le premier mouvement de la neuvième de Bruckner. Cette oeuvre magistrale que le chef titulaire de l'Orchestre de Paris présente aux mélomanes de la capitale ne semble pas être au goût de tout un chacun. Il faut dire que les forte sont réellement forte, les tympans bourdonnent et la fin du concert les laissera douloureux jusqu'au lendemain. Mais.
La masse des musiciens est dirigée par une main de maître, une main de fer qui coordonne ajuste et façonne les sons. Ce sont une cinquantaine d'archets qui fendent l'air simultanément, un bonne vingtaine de vents qui attaquent les notes dans un même souffle. Eschenbach semble baser son interprétation sur les contrastes sonores. L'orchestre gonfle et se tend jusqu'à faire mal, et soudain, c'est ce silence assourdissant qui laisse pantelant. Pour ma part, j'aurais aimé qu'il laisse ces silences plus larges, pour leur donner toute leur puissance, au lieu de passer parfois un peu trop vite. Néanmoins, c'est une oeuvre grandiose qui fait trembler les murs de Pleyel. Dans le scherzo, si certaines attaques des cordes étaitent parfois un peu molles en comparaison avec l'excellente précision des vents, le mouvement a sû garder une bonne cohésion entre les différentes sections de l'orchestre, et l'énérgie quasi puérile a pu être conservée tout au long de ce deuxième mouvement. Un magnifique mouvement lent, lyrique et chaleureux, dans lequel je déplore uniquement les violons, trop sages et pas assez parfumés dans les grands traits mélodieux. Peut-être trop légers, trop français? Le finale revient avec ses contrastes et sa grandeur démesurée caractéristique des oeuvres de cette époque - je ne parle ici pas que de la musique, mais de l'art en général.
C'est une très belle interprétation, osée, douloureuse pour les oreilles, et qui laisse complétement groggy. Mais ce n'est pas encore ma version de référence. Celle-là, je la cherche toujours (si vous avez des suggestions...).

Confessions d'un enfant du siècle (Alfred de Musset)

Je ne sais pas chez vous, mais ici, dans la campagne helvétique, le ciel est si lourd de pluie qu'il en semble tiré vers la terre. Alors on moud du café, on dispose deux biscuits sur la soucoupe et on verse un peu de lait dans la tasse colorée. Une journée parfaite pour avancer dans mes lectures - et mes travaux.

Folio, 268 pages


Quatrième de couverture:

Alors ces hommes de l'empire, qui avaient tant couru et tant égorgé.... se regardèrent dans les fontaines de leurs prairies natales, et ils s'y virent si vieux, si mutilés, qu'ils se souvinrent de leurs fils , afin qu'on leur fermât les yeux. Ils demandèrent où ils étaient; les enfants sortirent des collèges, et ne voyant plus ni sabres, ni cuirasses, ni fantassins, ni cavaliers, ils demandèrent à leur tour où étaient leur pères.Mais on leur répondit que la guerre était finie, que César était mort, et que les portrait de Wellington et de Blücher étaient suspendus dans les antichambres des consulats et des ambassades, avec ces deux mots au bas: salvatoribus mundi.

Alors il s'assit sur un monde en ruines une jeunesse soucieuse.

Mon avis: ****
Ce n'est là que ma deuxième lecture de Musset (!), la première ayant été Lorenzaccio, comme livre de bac. Je pense que j'ai préféré la pièce de théâtre à ce roman, qui est par moment réellement trop larmoyant pour moi. Toutefois, la fin élégante, noble même, sauve l'opus. Pour être sincère, je sais très bien qu'une grande part de mes réticences face à ce style parfois exagérément grandiloquent et pathétique vient du fait que je me sais parfaitement capable sinon de tenir les discours d'un Octave du moins de les penser et de les ressentir. Et voir cela par écrit me montre le ridicule de ses transports passionnés.
Mais pour en revenir aux Confessions, il me semble qu'il s'agit d'un roman clé dans la compréhension de la psychologie qui caractérise cette époque, faire le mal alors qu'on souhaitait pourtant de tout coeur faire le bien, comme Paul le disait déjà dans le NT. Musset a également rédigé une sorte de préface extrêmement intéressante et pertinente sur les causes de cette jeunesse soucieuse, et l'idée d'expliquer un mouvement artistique par des fait socio-historiques n'est pas sans me déplaire.
Dans tous les cas, un classique qu'il faut avoir lu au moins une fois dans sa vie.

La vie de Liszt est un roman (Zsolt Harsányi)

Dernière critique en retard, en ensuite je suis à nouveau à jour, ce qui tombe bien puisque j'ai presque terminé les Confessions d'un enfant du siècle et que je retourne tout bientôt à Paris pour quelques jours, avec plusieurs musées au programme, et des concerts aussi.


Actes Sud, 532 pages


Quatrième de couverture:

Il se décida pour une partition de Beethoven. La sonate pour piano en ré majeur opus 10. Il aplatit la feuille, ses yeux étincelaient de joie. Le mouvement presto de la sonate, le premier, commençait par une octave plaquée de la main droite. Il pensa au supplice affreux que lui avaient fait endurer les octaves quand il était plus jeune. Sa main était trop petite, la distance entre son pouce et son petit doigt ne couvrait pas les huit notes, quelque grands que fussent ses efforts pour les écarter. Il ne parvenait à frapper une octave qu'en trichant, d'une main qui se déplaçait à la vitesse de l'éclair. A l'âge de sept ans il jouait encore ainsi. A cette époque il se récitait chaque soir des prières secrètes pour que ses mains grandissent plus vite, et plus d'une fois l'envie le traversa de se taillader entre les doigts avec le rasoir de son père. Il était tourmenté par le désir indicible de pouvoir jouer à n'importe quel prix ce qu'il voyait imprimé sur les partitions. Alors qu'il déchiffrait pour la première fois une composition de Ries, il découvrit avec stupeur qu'il fallait de la main gauche frapper une dixième. Comment pourrait-il donc taper de sa petite main un intervalle de dix notes ? Son zèle démesuré le rendit inventif : tandis que de sa main droite il jouait en haut la mélodie, et en bas, de la gauche, la note inférieure de la dixième, il se pencha au-dessus du clavier et frappa du bout de son nez la note manquante. Son père fut secoué de rire pendant plusieurs minutes puis il le serra contre lui et l'embrassa. Mais lui ne riait pas. Il haïssait son impuissance.

Mon avis: ****
Une biographie romancée, c'est toujours à prendre avec des pincettes, car il y a forcément une part de fiction - si on nous débitait une suite de dates et faits, ce serait sec et ennuyant, même pour Liszt. On veut quelque chose de vivant, alors on est forcé d'inventer, et quand bien même on étudiais longuement la personnalité de Liszt, les discours et états d'âme resteront le fruit de l'imagination de l'auteur, de sa vision du personnage, de sa compréhension des événements.
Toutefois, si ce livre ne saurait servir de référence pour des études "scientifiques" sur le compositeur, il n'en demeure pas moins un très bon compagnon dans la compréhension du génial musicien que fut Putzi, et offre au lecteur un aperçu panoramique des différentes personnalités qui marquaient la vie non seulement musicale, mais également culturelle, sociale et politique durant la vie de Liszt.
Et nul doute que d'éventuelles erreurs auront tôt fait d'être rectifiées à la lectures de livres plus scientifiques. Voir directement à la lecture de celui-ci - le Righi qui est en réalité le Rigi, Madame Wesendonck qui s'appelle Mathilde et non pas Matild, etc.
Un roman qui se lit vite et agréablement, prenant et instructif, et certainement une bonne première approche de cet étrange personnage que fut Franz Liszt. Voir une approche tout court, pour ceux qui n'ont pas la chance d'étudier la musicologie.

l'ESN invite un chef et un soliste pour un programme placé sous le signe de la création

Temple du Bas, Neuchâtel, dimanche 22 février 2009, 17:00

C'était dimanche. C'était les vacances. J'avais oublié ce léger détail, qui s'est avéré être de première importance lorsque j'ai consulté l'horaire des bus à l'arrêt: rien avant une demie heure. Sauf que dans une demie-heure, mon concert aurait déjà commencé. Il a fallu aller à la gare, attendre, attendre, puis sortir en courant, traverser la ville au triple galop, glissant dans la neige collante, et entrer à la dernière minute dans le Temple du bas. Ouf!


Deux pièces contemporaines dont une création, un concerto et une symphonie. De quoi rester bien réveillé. L'ESN - Ensemble Symphonique de Neuchâtel (fusion entre l'OCN et l'OSN (orchestre de chambre, respectivement symphonique de Neuchâtel) jouait sous la baguette de l'excellent chef invité Noam Sheriff et avait l'honneur d'accompagner le grand clarinettiste Pascal Moraguès dans le concerto pour clarinette de Weber.
En préambule au concert, Noam Sheriff a pris le micro, pour expliquer, dans un anglais à l'accent chaleureux et plein d'humour, les deux pièces contemporaines, la création de Vincent Pellet, et sa propre composition, Prayers. Une initiative encore trop peu prise, alors qu'on sait à quel point la connaissance aide à la compréhension, qui elle est un élément clé dans l'appréciation d'une œuvre. Donc - commentez, ou faites commenter les œuvres, parce que le nombre d'auditeurs qui lisent le programme est très restreint.

La soirée s'ouvrait sur ESN 253, commande de l'ESN à Vincent Pellet, présentée en création mondiale. J'avais déjà eu l'occasion d'entendre l'une de ses oeuvres lors du concert de clôture du conservatoire neuchâtelois, si ma mémoire est bonne, et je crois pouvoir affirmer que j'ai du plaisir à ses compositions. Cette nouvelle partition entendue ce soir n'a pas changé mon opinion. Je n'ose pas trop m'aventurer à une présentation de l'oeuvre, car les notes prises dans mon petit carnets s'enchevêtrent d'une telle manière qu'il me paraît impossible de ne pas mélanger les éléments des deux compositions contemporaines de cette soirée. Mais, si je ne m'abuse, c'est bien chez Pellet que le thème ne fait curieusement son apparition qu'à l'extrême fin. Et pour éviter de trop m'embrouiller, voici le court - trop court! - descriptif tiré du programme:

Commande de l’Ensemble Symphonique de Neuchâtel, ESN 253 fait référence au métal radioactif découvert pour la première fois sous la forme de son isotope 253, récupéré dans les débris résultant d’une explosion thermonucléaire (bombe H) : l’einsteinium (Es). En physique nucléaire et en chimie, deux atomes sont dits isotopes s’ils ont le même nombre de protons en leurs noyaux mais un nombre de neutrons différent. On obtient de l’einsteinium (Es) en bombardant les atomes de plutonium avec des neutrons lents (n), ce qui aboutit aux initiales Esn. Dans la pièce « Esn 253 », les différents éléments chimiques de l’einsteinium sont représentés par des sons clefs : H = si, Es = mib, etc… L’oeuvre est construite en une suite de réactions en chaînes. Deux séries de notes distinctes se confrontent, ce qui aboutit à de nombreuses explosions sonores et de flux rythmiques. Les différentes unités rythmiques et harmoniques vont peu à peu s’organiser, fusionner pour se transformer en une ligne homogène puis une seule note, le mib.

Vincent Pellet.

Noam Sheriff expliquait également la symbiose des Juifs allemands de la fin du XIXe siècle, dans leur combination entre culture, intellect, etc. On citera évidemment Einstein, mais également Freud et Schönberg, qui ont changé le monde, volontairement ou involontairement, progrès ou catastrophe.
Une oeuvre que l'orchestre et le chef semblaient avoir à coeur, et qui a été jouée avec beaucoup d'engagement.

Venait le concerto pour clarinette de Weber, lequel nous a permis d'admirer la musicalité et la virtuosité du soliste. Dans cette pièce, on sentait malheureusement également un orchestre quelque peu déstabilisé par la présence d'un soliste et d'un chef invité, et à plusieurs reprises, chacun a du y mettre du sien pour que soliste et orchestre jouent la même musique, avec un conflit évident dans le troisième mouvement, entre l'orchestre qui s'accrochait au tempo pris par leur chef et un Pascal Moraguès qui tentait de prendre de la vitesse à la moindre occasion. (Ce qu'il a d'ailleurs confirmé au moment de donner son bis, qu'il a annoncé comme La même chose, mais plus vite.)(Mais l'orchestre a gardé son tempo avec une précision de métronome.)
Pascal Moaraguès a un son absolument époustouflant dans les sonorité piano, noble et plein, tout ce que la clarinette sait offrir de meilleur, et une virtuosité facile, presqu'en passant, avec une joie quasi enfantine à être sur scène. Par contre, j'aime moins ses forte, mais cela, c'est sans doute plus dû à mon rapport avec l'instrument qu'aux capacités du soliste; la clarinette ne cessera jamais de m'intriguer pour la noblesse de son son dans les faibles puissances d'une part - quel plus beau dolce que celui produit par une clarinette? - et la coleur criarde à la limite du vulgaire dès qu'il faut donner de la puissance.

Prayers de Noam Sheriff, c'est la chaleur écrasante du midi, dans les rues vides et immobiles, avant que tout cela ne s'anime en discussions virulentes, like an disput in a synagogue. Les arguments fusent, le ton monte, la tension également, avant de retrouver ce Es synonyme de paix, comme si tout le monde s'était mis d'accord. Vous pouvez le lire, une oeuvre et une interpretation très imagée, presque un théâtre.

En final, la 8ème de Beethoven, pour laquelle l'acoustique du Temple du Bas ne semble pas adaptée. Elle m'a paru beaucoup trop sèche pour cette pièce chaleureuse et passionnée. C'était bien pour les œuvres contemporaines, et puis Weber, pourquoi pas. Mais pas pour ce Beethoven. Cela manquait également de fusion entre les vents et les cordes, qui sonnaient comme deux clans distincts, les Montagues et les Capulets de l'orchestre (Le chef et le percussionniste étant les neutres, ou Roméo et Juliette). Mais malgré cela, les musiciens se sont jetés sur ce Beethoven comme des affamés, tout à leur affaire, heureux de jouer cette musique grandiose - un peu trop pour les cuivres, excessivement forts et mal accordés (Les cors!!!) - qui fuse de partout, tourbillonne et vous laisse complètement abruti après l'évanouissement de la dernière note.