Le Moleskine sur la table

Mon problème avec Jean-Pierre Léaud

2012-01-05T13:07:00.000+01:00

François Truffaut & Jean-Pierre Léaud dans
Les Deux Anglaises et le Continent, 1971

S'il y a une chose que j'apprécie tout particulièrement dans les vacances de Noël, c'est le fait de retrouver les piles de DVDs chez mes parents. Souvent je me fais une liste de films que j'aimerais revoir, de réalisateurs que je voudrais mieux connaître et une fois de retour, je pioche dans ce qui me fait envie. Cette année, j'ai laissé l'énorme coffret de Bergman de côté pour me tourner vers le cinéma français. Pour les soirs avec ma voisine c'était Sacha Guitry, parfois un Fernandel, pour les après-midi pluvieuses la Nouvelle Vague. Sur ma liste il y avait A bout de souffle à regarder absolument et Bonjour tristesse. Je voulais aussi du Truffaut, parce qu'il y a cette chanson de Vincent Delerm où Jean-Pierre Léaud répète face au miroir Antoine Doinel! Antoine Doinel! Antoine Doinel! qui m'a donné envie de regarder à nouveau ce cycle de Truffaut. Mais hier soir, comme je n'arrivais pas à me décider quel film de la saga je voulais regarder, j'ai opté pour Truffaut-Léaud sans Doinel: Les deux Anglais et le Continent.

C'est un film superbe, je crois que les deux soeurs Brown incarnent à elles deux toutes les femmes à la fois, c'est hallucinant de beauté et d'intensité. Et puis il y a Jean-Pierre Léaud qui m'exaspère parce que je trouve qu'il joue mal. Comme toujours. On dirait qu'il récite un texte appris par-coeur et qu'il effectue docilement les gestes et les intonations qu'on lui demande de faire. On sait par avance quel geste il fera parce qu'on peut le voir se dire intérieurement "là je devrai être surpris". Comme un enfant. De l'appris par-coeur, pas de ressenti.

Et puis il y a Jean-Pierre Léaud qui incarne ce garçon maladroit qui ne sait pas ce qu'il attend de lui-même et des autres, qui joue à merveille cet homme un peu paumé, intelligent mais gauche, qui a besoin que les femmes qu'il croyait dominer lui montrent ce qu'il veut et qui il est.

Je ne sais pas quoi penser de lui, c'est toujours pareil, la première moitié du film il m'exaspère et la seconde moitié il m'émeut.

En ce moment,

2011-11-24T12:53:00.000+01:00

je lis Proust, j'en suis à la moitié et je garde espoir
je prends beaucoup de photos, pour mon job et pour moi
je travaille chaque soir
je bois beaucoup de rouge, et puis des bières aussi
je me demande ce qu'il faut penser d'un livre de Modiano
j'aimerais retourner à l'Albertina regarder cette toile de Chagall encore et encore
je grelotte devant le radiateur paresseux
j'essaie de cuisiner
je devrais me résoudre à rendre mon dossier sur le leitmotiv chez Proust
j'ai hâte de Tannhäuser dimanche prochain à l'opéra
je joue Chopin et déchiffre Bach
je n'écris plus de lettres
je suis des cours de philosophie
j'ai une nouvelle élève de piano qui a une belle intelligence musicale
je ne sais pas si j'arriverai encore à poster sur ce blog
et je vais bien, très bien même.

L'usage du monde (Nicolas Bouvier)

2011-03-27T17:39:00.001+02:00

Première lecture "libre" après la pile de lectures obligatoires pour mes divers cours de littérature.

Petite bibliothèque Payot, 418 pages

Quatrième de couverture:

"Un voyage se passe de motifs. Il ne tarde pas à prouver qu'il se suffit à lui-même. On croit qu'on va faire un voyage, mais bientôt c'est le voyage qui vous fait, ou vous défait."

Sa lente et heureuse dérive dans les années 1953-1954 entre Genève et le Khyber Pass en compagnie du peintre Thierry Vernet a inspiré ce livre d'un flâneur émerveillé à Nicolas Bouvier (1929-1998), « un voyageur d'une espèce rare, comme Segalen et Michaux » (Jacques Meunier).

Mon avis: *****

Certainement l'un des plus beaux récits de voyage jamais écrits. L'écrivain suisse Nicolas Bouvier et le peintre Thierry Vernet prennent la route en 1953 pour un voyage à travers les Balkans, la Turquie, l'Iran et l'Afghanistan. Le récit de Bouvier, enrichit des dessins incisifs de Vernet, relate ce périple à travers l'Europe et l'Asie de l'après-guerre. Avec beaucoup de finesse et d'amour, Bouvier peint le portraits des peuples rencontrés au fil du voyage, les artistes Serbes, les Arméniens méfiants de Tabriz, Quetta et ses barbus avides de revues pornographiques, le tavernier à l'accent d'Oxford, les nuits sans sommeil, le fléau des mouches, la malaria, les pannes, les moments de grâce, l'hospitalité inquisitrice des Persans, et celle réservée des Afghans, les camions peinturlurés, les étoiles sur le plateau désert de Turquie, le froid de Tabriz, les crues, les pistes impraticables, les bruits du bazar de Kaboul, l'enchantement de l'Afghanistan, les melons, la noblesse. Un credo à l'humanité, au voyage comme chemin vers cette humanité. "Comme une eau, le monde vous prête ses couleurs. Puis se retire, et vous replace devant ce vide qu'on porte en soi, devant cette espèce s'insuffisance centrale de l'âme (...)". Le voyage comme expérience de plénitude aussi.

Pogorelich et son Rachmaninov sanguinaire

2011-01-30T11:42:00.002+01:00

Les Springerkarten* à la dernière minutes, et des places au premier balcon dans le wiener Konzerthaus, le dimanche 16 janvier dernier. Ivo Pogorelich, encore jamais entendu en concert mais qui a gravé quelques CDs que j'aime beaucoup, joue le second concerto de Rachmaninov avec les wiener Symphoniker, sous la direction du chef titulaire Fabio Luisi. Les deux hommes montent sur scène, Pogorelich d'un pas mesuré, poitrine bombée et tête haute. Très très piano, les premiers accords du concerto flottent dans l'air, indécis, et subitement, c'est l'explosion. Les accords sont projetés violemment dans la salle, Luisi talonne son orchestre pour suivre le jeu du pianiste, toujours plus vite, toujours plus fort. C'est un jeu brutal, rauque, une partition douloureuse et révoltée. Si l'interprétation surprend et dérange même dans un premier temps, elle se révèle finalement très intéressante, un do mineur tourmenté jusqu'au seuil de la démence. On est ébloui et comme assommé par ce premier mouvement moderato, et l'on se réjouit du second mouvement, chef d'oeuvre de douceur et de transparence, lumineux et apaisant... mais c'est sans compter Pogorelich. un son dur, une attaque trop nette, des accents semés au gré de ses envie, l'adagio en devient presque méconnaissable, énervé et impatient. Les accents incompréhensibles font ressortir une ligne mélodique totalement nouvelle qui frise l'atonalité. C'est certes une nouvelle approche de l'oeuvre, mais qui ne fait pas de preuve dans ce mouvement où il est évident que c'est le lyrisme qui a la voix au chapitre. Lorsque Pogorelich enchaine pour le dernier mouvement allegro scherzando, il en fait un allegro con fuoco qui donne l'impression désagréable que le pianiste essaie de se débarrasser à la fois de l'orchestre et de son piano, en augmentant la puissance et la vitesse comme s'il s'agissait de vaincre en détruisant tout ce qui l'entoure. Le public, fatigué, applaudira avec même quelques bravos - hommage à la célébrité de Pogorelich - mais ne réclamera pas de bis.

En seconde partie, la 4ème symphonie en mi mineur op. 98 de Brahms ne parviendra pas à captiver totalement l'auditeur. Fabio Luisi fait de son mieux, l'orchestre également, mais la fatigue se fait sentir aussi bien chez les musiciens que du côté du public. Le premier mouvement bénéficie encore d'oreilles attentives, mais l'attention retombe déjà dans le second mouvement, une sorte de marche funèbre, pour laquelle l'orchestre, qui a tout donné pour Rachmaninov, n'a plus assez de présence. Le troisième mouvement, allegro giocoso, réveille la salle par son caractère entraînant, mais les musiciens et le public ne parviennent pas à rester attentifs pour le dernier mouvement. Allegro energico et passionato, c'est beaucoup trop lourd après un tel programme. Programme osé - deux grandes oeuvres exigeantes pas seulement pour les musiciens mais aussi pour le public - et qui, dans cette formation, s'est révélée être désastreuse. On retiendra le premier mouvement du concerto pour piano et les trois premiers mouvements de la symphonie de Brahms, et on s'efforcera d'oublier bien vite le reste.

*cartes où l'on peut s'assoir sur les places restées vides

Mozart à la Bruckner

2011-01-11T11:24:00.001+01:00

Le public du Musikverein avait de quoi s'étonner lors du concert donné samedi 18 décembre dernier dans la grande salle. Les Tonkünstler Niederösterreich ont littéralement envahi la scène et peu s'en est fallu que la masse des musiciens n'engloutisse pas le piano, devenu ridiculement petit face à la grandeur de l'orchestre. On relit rapidement le programme: Mozart, concerto pour piano en Do Majeur, KV 503 et Bruckner, Symphonie N°4 en Mi bémol Majeur. Aucun changement de programme annoncé. Le chef Andreas Delfs, précédé du pianiste Andreas Haefliger, fait son entrée et dirige effectivement Mozart. Face un orchestre déjà en pleine formation pour Bruckner.

Il ne faut pas long pour que les doutes soient confirmés: faire jouer Mozart par un orchestre de taille wagnérienne, c'est tuer l'essence même du compositeur. La légèreté si caractéristique est alourdie par la masse de musiciens lourde et par son ampleur devenue difficile à manier, et le timbre voilé et trop majestueux assombrit la transparence que nécessite le concerto. Le pianiste doit se battre pour émerger de la masse, avec force et pédale, il s'ensuit un concerto pompeux et dramatique, avec une courte trêve dans le mouvement lent, dans lequel le pianiste, momentanément libéré de l'orchestre, montre toute la finesse de son jeu, qui aurait si bien pu servir la musique tout en délicatesse de Mozart, s'il n'avait pas fallu jouer des pieds et des coudes pour se faire entendre. Le pianiste écourtera par ailleurs les salutations et quittera la scène sans donner de bis.

Rejoint par quatre ou cinq instruments à vent, l'orchestre se lance dans la 4ème de Bruckner. On est d'emblée envouté par le jeune cor à la pureté parfaite, si rare à atteindre avec cet instrument. Une précision et un son qui fond sur la langue projettent l'auditeur dans l'univers sonore brucknérien. L'orchestre suit attentivement le moindre signe d'Andreas Delfs, qui profite de libérer de ses musiciens une palette de couleurs très riche qui viendra étoffer cette grande oeuvre. Le public voyage à la découverte de sons, de couleurs et d'affects, de crescendi en decrescendi parfois inattendus et surprenants. Si l'interprétation reste classique, il ne s'agit pas moins d'une très bonne exécution de l'oeuvre, dont Andreas Delfs, aidé par son orchestre, en particulier par les vents, toujours excellents, saisit les grandes pensées mélodiques qu'il parvient à laisser entières, sans négliger toutefois son sens du détail. Il ne fait pas de doute que la symphonie de Bruckner formait le centre de ce concert alors que le concerto de Mozart n'était qu'un remplissage destiné à donner au concert la durée usuelle.

Brahms, Concertos pour piano et symphonies - 2ème partie

2010-10-07T15:15:00.000+02:00

Rudolf Buchbinder

Second volet des concert du Tonhalle Orchester Zürich à Vienne, la salle est toujours aussi pleine. Cette fois-ci, c'est avec le concerto pour piano n°2 en Si bémol majeur op. 83 que s'ouvre la soirée. Buchbinder semble plus détendu, et l'orchestre nous fait rêver avec son son sombre, dans ce premier mouvement voilé, brumeux comme un matin d'automne, beau et triste à la fois. Des tempi peut-être globalement un peut trop rapides, et le même problème de sonorité de Buchbinder que le soir précédent, un son sec, étranglé, sans corps. Mais l'orchestre avec son aisance ramène à chaque fois dans la sonorité ambrée et épaisse, très bien équilibrée, donnée au départ. Le soliste surprend néanmoins par son agilité à soutenir le tempo donné par Zinman, dans les mouvements rapides, trouvant même un son très scintillant dans le second mouvement. Et à nouveau, il excelle dans le mouvement lent, en choeur avec le violoncelle solo, dans un jeu très raffiné.

Le programme se terminait avec la symphonie n°4 en mi mineur op. 98, dans laquelle l'orchestre retrouve sa relation privilégiée avec Zinman, qui semble se borner à leur donner l'impulsion du départ, puis à retenir ou au contraire lâcher les rênes de ses musiciens.

Brahms, Concertos pour piano et symphonies - 1ère partie

2010-10-07T14:53:00.002+02:00

Retour au Musikverein pour deux soirs de Brahms, avec Rudolf Buchbinder et le Tonhalle Orchester Zürich dirigé par le chef titulaire David Zinman.

David Zinman

Premier concert avec une symphonie n°1 en do mineur, op. 68 qui s'éclate en contrastes. Zinman peut compter sur des musiciens extrêmement attentifs et précis. Il explore la richesse sonore que lui offre la première symphonie de Brahms, lui donne de la profondeur en mettant l'accent sur les basses, et peut compter sur l'orchestre pour oser des pianissimi si doux qu'on est pas sûr, depuis l'enclos des places debout, si l'orchestre joue réellement, ou si c'est le fruit de notre imagination. Il se laisse le temps de faire d'énormes crescendi, on sent qu'il connait ses musiciens et qu'inversement ceux-ci comprennent ses moindres gestes: la précision d'attaques est impressionnante et la qualité des vents rare.

Le concerto pour piano n°1 en ré mineur op. 15 a été tout aussi brillamment interprété par l'orchestre, avec des tempi généreux, permettant à l'orchestre de déployer sa sonorité et au pianiste de montrer sa virtuosité. Buchbinder a su garder sa partie intacte, mais souvent au prix de trop de pédale ou d'un son dur, un peu haineux. Les passages lent, en particulier l'adagio, jouissaient en revanche d'un son très pur, avec beaucoup de poésie, et une parfaite fusion entre l'orchestre et le soliste, à donner les frissons.

Cecilia Bartoli et Handel au Theater an der Wien.

2010-09-29T13:12:00.001+02:00

Petite pause baroque bienvenue dans mes longues journées d'analyse acharnée de Penthesilea (les limites de la tonalité, moyen ultime et infaillible de vérifier que les acquis d'analyse sont bel et bien acquis) - je vous en parlerai, mais pas maintenant. Un thé fumant (très fumant: je refuse encore d'allumer le chauffage, malgré les 17°C), les messes de Bruckner (Jochum, je vous en parlerai aussi un jour) pour me laver les oreilles et un morceau de chocolat en guise de déjeuner.

Le 12 Septembre dernier, Theater an der Wien (le meilleur opéra de Vienne, qualitativement parlant, je vous rappelle), nous (le petit noyau d'étudiants de musicologie qui passent leurs journées à l'institut, plus précisément devant l'institut, leurs soirs à l'opéra et leurs nuits à boire des bières) avions reçu des places pour la générale de Semele, opéra de Handel un peu oublié. Ce n'est pas le meilleur opéra de Handel, de loin pas, il ne pourrait jamais rivaliser avec un Giulio Cesare, c'est certain. Mais les grands moyens employés par le Theater an der Wien ont permis d'en faire quelque chose de bien, un moment agréable, un moment de détente. Car même si le sujet de Semele est loin d'être comique (Semele doit épouser un homme, Athamas qu'elle n'aime pas, mais que sa soeur en revanche aime passionnément. Elle supplie Jupiter de la sauver, tombe amoureuse de lui (Jupiter donc), se fait enlever
par lui et vit heureuse sur l'Olympe. Jusqu'à ce que Junon s'en mêle: elle a entendu les plaintes d'Athamas et veut le venger (et se venger par la même occasion, ne soyons pas dupes). Entre temps, Jupiter a fait enlever la soeur de Semele, Ino, afin de lui tenir compagnie. Junon demande à Somnus, dieu des songe, de faire rêver Jupiter de Semele, et se rend auprès de Semele en se faisant passer pour la soeur de celle-ci. Elle lui montre son reflet dans un faut miroir, qui la rend incroyablement belle, et lui demande si ça y est, elle a reçu l'immortalité de Jupiter. Semele se plaint que non, alors Junon lui confie qu'elle doit simplement exiger de Jupiter qu'il se montre à elle sous sa vrai forme. Entre Jupiter, tiraillé de désir pour Semele, qui le repousse et exige de lui la promesse qu'il lui offrira ce qu'elle lui demande. Jupiter jure, Semele réclame de le voir comme il est réellement. Jupiter se lamente et tente de la dissuader, car quiconque le voit dans sa vraie forme est condamné à brûler vif. "Si je me montre à toi, je serai forcé de te faire mal" dixit le chef des dieux. Et Semele de répondre: "ça m'est égal, montre-toi!". Jupiter se montre, Semele part en flammes, orgie donnée par Junon. Rideau.

Birgit Semmert (Junon), photographiée par Armin Bardel

Normalement, car avec Carsen, la fin diffère un peu: dans l'ivresse de l'orgie finale, Junon lorgne le malheureux fiancé, tandis que Jupiter s'intéresse déjà à Ino, la soeur de Semele...

Mise en scène très Carsen, mais pas aussi renversante que celle de L'Inconoratione di Poppea, l'hiver passé. En effet, on oscille entre des grands tableaux tragiques qui frisent le kitsch (voûte étoilée, chants d'amour et soprano parfait de Bartoli) et des scènes franchement comiques, notamment Hera représentée en reine Victoria, et sa secrétaire stressée de la vie. Point négatif aussi, lorsque le régisseur étouffe de rire de manière ostentatoire dans son propre spectacle, c'est exagéré et désagréable. Il aurait tout aussi bien pu tenir une pancarte "je suis un génie".

Musicalement, c'était bien évidemment exceptionnel, Cecilia Bartoli en Semele, c'est le bonheur! On peu remettre en question ses coloratura chanté à un tel rythme que l'orchestre peinait à suivre, mais il n'y a pas un son qui n'aurait pas été parfaitement chanté et déroutant de justesse. Dans l'ensemble de très bons chanteurs, très bons comédiens également, qui font vivre l'opéra à travers leurs rôles bien ressentis. Charles Workman (Jupiter) ne fait pas tout à fait la balance avec Bartoli et semble forcer un peu sur la voix, mais montre beaucoup de finesse dans l'interprétation. On remarquera également Birgit Remmert (Junon) et Kerstin Avemo (Iris, la secrétaire) pour leurs talents de comédiennes.

L'orchestre des Arts florissants, sous la direction de William Christie, s'en est également très bien sorti, peu être parfois en léger déséquilibre avec les chanteurs. Quant à l'Arnold Schönberg Chor, une fois de plus, rien lui reprocher, une très bonne dynamique, autonome et à l'aise autant dans la musique de Handel que sur scène.

Taneyev, les symphonies

2010-09-13T20:28:00.001+02:00

Nourrir mon macbook avec 8GB de musique, ça ne suffisait pas: il a fallu que je passe chez Caruso, juste comme ça, pour voir s'il y avait des CDs que je cherchais (Schoeck, évidemment) (rien trouvé, évidemment). Mais il y avait plein de belles choses de Marco Polo, le label trobien qui a fait faillite, et dont les disques sont vendu en rab'. Et donc voilà, entre les Szymanovski, Borodine et autres, j'avais de la peine à choisir. Ce fut Taneyev qui remporta la victoire.

Taneyev, Symphonies n°2 et 4
Polish Chamber Orchestra
Gunzenhausen

2009, Marco Polo

****

Serges Ivanovich Taneyev (1856-1915) est un pianiste et compositeur russe, élève et interprète de Tchaikovsky. Il se lie d'amitié avec Turgenev, rencontre Franck et Saint-Saëns, mais aussi Flaubert et Zola, et il fut le professeur de plusieurs grandes figures de la musique russe, dont Glière, Medtner, Rachmaninov et Skriabine.
Après avoir découvert la musique de chambre de Taneyev et avoir écouté l'album en question en boucle, je n'ai pas été déçue par ses symphonies. On est porté par le romantisme qui sent un peu Medtner, mais en restant encore très tonal, un peu sage peut-être. Néanmoins on peut agréablement se plonger dans cette musique généreuse et relativement facile d'accès, mais qui manque parfois un peu de corps.

La symphonie n°4 (1901) est très plaisante, un peu hétéroclite, ce qui lui confère un certain charme spontané, notamment le dernier mouvement, entrecoupé d'un marche militaire tellement légère qu'elle semble en être une parodie, un peu dans l'esprit de l'ironie d'un Shostakovich.

La seconde symphonie (1877)est plus classique dans sa forme, avec une sorte d'ouverture adagio très à la mode dans la seconde moitié du XIXème, mais aussi plus fluide. On sent un compositeur plus jeune, encore très tourné vers son professeur adoré Tchaikovsky. Elle est restée inachevée, sans mouvement final.

L'orchestre joue avec finesse et précision, peut-être un peu trop, on aimerait plus d'élan, que Gunzenhausen doive retenir ses musiciens comme un cavalier freine sa monture trop impétueuse.

Tannhäuser, ou premier opéra après deux mois de pause

2010-09-12T15:44:00.000+02:00

J'essaie d'être plus constante, mais comme tout le monde: j'ai une pile d'enregistrements à écouter, de livres à lire, de langues à apprendre et d'expos à visiter, accessoirement je suis sensée étudier et travailler pour gagner les sous nécessaires pour mener à bien la liste de piles mentionnées plus haut. Mais donc, j'essaie.

Après deux mois de pause, j'étais toute impatiente de retourner à la Staatsoper, avec le nouvel intendant et le nouveau directeur artistique, respectivement Dominique Meyer (c'est malgré l'orthographe, un homme) et Franz Welser-Möst (qui dirigeait déjà chaque deuxième opéra de la saison précédente). Ouverture de la saison 2010-2011 avec Tannhäuser, avec les mêmes chanteurs, sinon le génial Gerhaher, remplacé par Matthias Goerne, un peu moins génial (oui quand-même, puisque Gerhaher est le meilleur chanteur du monde et plus). Comme en juin 2010, dans la mise en scène de Claus Guth, avec Johan Botha en Tannhäuser, Anja Kampe en Elisabeth et Welser-Möst au pupitre. Vocalement, Botha a nettement mieux assuré sa partie, tandis que le bariton un peu trop dur de Goerne ne parvenait pas à faire oublier la voix magnifique de Gerhaher. Mais c'est surtout l'orchestre qui a surpris, avec une générosité et une précision u jeu qu'on n'a malheureusement que rarement à l'opéra. Nul doute que pour ce premier opéra de la saison, les Wiener avaient un grand plaisir à jouer, à jouer bien, non seulement proprement, mais avec beaucoup d'émotions, comme s'ils avaient redécouvert Wagner. Nul temps pour s'ennuyer durant ces 4h30.

Et puis comme il ne faut surtout pas chômer, Franz Welser-Möst est venu dans l'église des St-Augustins pour nous (le choeur d'église) diriger. Messe du couronnement de Mozart, selon ses désirs, avec beaucoup de sourires et de surprises.

Mémoires de Hongrie (Sándor Márai)

2010-08-04T21:21:00.009+02:00

C'est désormais une évidence, je me suis entichée de cet écrivain hongrois du XXe siècle. De son oeuvre qui s'insère dans le cadre d'une bourgeoisie humaniste qui est morte avec la Seconde Guerre mondiale, à laquelle j'aurais voulu appartenir aussi, sans doute. Troisième ouvrage de Márai, découvert à travers ses Confessions d'un bourgeois, approfondi à travers ses Braises (lu en allemand). Maintenant, j'en suis revenue à ses récits autobiographiques, que je préfère, à ses Mémoires de Hongrie, avec cette magnifique photo de Budapest, de Pest plutôt, pour être précis, prise depuis les hauteurs de Buda, quelque part durant l'entre-deux guerre.

Livre de Poche, 443 pages

Quatrième de couverture:

Antifasciste avant la guerre, "ennemi de classe" sous l'ère soviétique, témoin d'un monde qui se délite, Sandor Marai connut avant son exil officiel vers les États-Unis un tragique exil intérieur. Rédigés vingt ans après les événements évoqués, ces Mémoires composent une fresque saisissante de la Hongrie à une époque cruciale de son histoire et mettent en lumière le trajet bouleversant de l'auteur des Braises. Avec verve et sensibilité, Marai raconte l'entrée victorieuse des chars soviétiques en Hongrie en 1944 et l'instauration du régime communiste. L'écrivain doit se résigner à l'évidence : l'humanisme est assassiné, on assiste au triomphe d'une nouvelle barbarie à laquelle, une fois de plus, le peuple se soumet. Isolé et impuissant, Marai décide de quitter son pays : "Pour la première fois de ma vie, j'éprouvai un terrible sentiment d'angoisse. Je venais de comprendre que j'étais libre. Je fus saisi de peur", écrit-il la nuit de son départ, en 1948.

Mon avis: *****

J'ai adoré. Bon bien sûr, du moment que j'admire profondément Márai, que j'ai une fascination particulière pour l'Europe torturée du XXe siècle et une attirance pour l'Europe de l'Est, et depuis que j'y ai remis les pieds ce printemps, pour la nostalgique Budapest, le contraire eut été surprenant.

Ce livre est une mine d'or pour tous ceux qui s'intéressent à la Hongrie, aux "colonisations soviétiques" des années 50, à la situation de Budapest durant cette période cruciale de 1945-1948. L'auteur narre la cohabitation avec les soldats russes, l'appartement de fortune, la solitude des Hongrois, ce peuple étrange, à cheval entre Orient et Occident, coincé entre les peuples germains et les Slaves, à la recherche fébrile et désespérée de son identité. C'est une histoire de la littérature hongroise aussi, Jókai, Babits, Kosztolányi, Krudy, Vörösmarty, et tant d'autres, chacun est honoré, par quelques vers cités, par des anecdotes, par un chapitre plein d'admiration.

C'est avant tout le cri d'un écrivain, revenu au pays après une visite en occident, parce que sa seule raison d'être, c'est le hongrois, si solitaire dans sa différence avec les autres langues. Cet écrivain qui décide de parler dans sa langue maternelle, de se taire dans sa langue maternelle. Avant d'arriver à la conclusion que rester, c'est courir le danger de succomber aux lavages de cerveaux de la propagande communiste.

Et pour moi, c'est le début d'une découverte: celle de la richesse de la littérature hongroise, de son essence aussi, un peu.

Old School meets Young Generation

2010-07-28T15:40:00.011+02:00

La musique de chambre reste une particularité du Verbier Festival, qui permet aux meilleurs artistes du monde de se retrouver pour faire de la musique ensemble.

le 20 juillet à l'église de Verbier, c'étaient Rodion Shchedrin, Renaud Capuçon et Mischa Maisky qui se retrouvaient pour jouer Three funny pieces de Shchedrin, trois pièces très drôles (surtout la dernière, l'humoresque, enfin humoristique), que ces trois grands enfants ont beaucoup de plaisir et de malice à faire connaître au public, qui ponctue les inventions loufoque du compositeur par moult rires. Et Maisky de donner le ton d'emblée, en tombant d'un coup avec son tabouret, apparemment mal vissé.

Le ton change, le pianiste aussi: la jeune musicienne géorgienne Khatia Buniatishvili remplace Shchedrin pour le trio N°3 en fa mineur, op.65 de Dvorak, joué avec beaucoup de verve et de précision, mais il manque une idée commune qui porte le tout. Néanmoins une excellente prestation, et l'envie de réentendre, voire de jouer ce trio découvert ce soir-là.

Après l'entracte, on continue à explorer Dvorak, son quatuor pour piano et cordes en Mi bémol Majeur, op. 87. Changement de protagonistes: tout comme le Liederabend du 19 juillet 2010, qui réunissait deux musiciens chevronnés et deux jeunes talents, l'immense Lynn Harrell et le tout petit Menahem Pressler (le premier faisant presque deux fois la taille du second, ce qui donne un côté attendrissant au groupe) encadraient les jeunes Lisa Bathiashvili, qu'on n'a plus besoin de présenter, et Laurence Powell, belle découverte de ce Festival,

en ce qui me concerne. Aux deux jeunes à la technique infaillible et à l'énergie insouciante s'ajoutent les deux anciens, avec leur musicalité hors pair, datant de cette époques révolue où la pensée musicale était plus importante que la pureté du jeu.

Malgré cette très grande différence d'âge qui les sépare, le quatuor trouve sa propre pensée, c'est un corps avec ses organes multiples, aux caractéristiques différentes, certes, mais qui ont tous pour but de servir l'ensemble, le tout. C'est un moment de très grande musique, et, pour une fois, le public ne se lève pas pour prétendre assister à un concert exceptionnel et pouvoir raconter ce moment historique à ses connaissance une fois de retour à New-York, Londres ou Tokyo. Pour une fois, le public bat des mains parce qu'il ne peut pas faire autrement, et il y a ces sourires de bonheur sur les visages, et la joie de réentendre le mouvement lent. On aurait bien réentendu tout le quatuor, mais les musiciens ont déclinés la demande d'un second bis.

Liederabend, Prégardien en bonus

2010-07-28T10:27:00.008+02:00

Deuxième concert à Verbier, cette fois-ci dans le cercle plus restreint de l'église, pour une soirée dédiée aux Lieder de Schubert et Brahms.

Le concert commençait avec les aigus de la jeune soprano Sylvia Schwartz pour se terminer dans les graves du baryton Markus Werba, les jeunes étoiles montantes encadrant les deux chanteurs chevronnés que sont Anne Sofie von Otter et Christophe Prégardien (remplaçant Bostridge, pour mon plus grand plaisir). Les pianistes jouant en alternance étaient Kyrill Gerstein, pour Schwartz et Prégardien, et Bengt Forsberg pour von Otter et Werba.

Sylvia Schwartz ouvre donc le concert, avec beaucoup d'émotion, on la sent tendue, mais sans raison: elle traverse les pièces de Brahms avec aisance et un bon son, très clair, très pur, qui lui ressemble, elle qui se tient debout tout en blanc sur la scène, avec ses cheveux foncés qui contrastent avec sa peau blanche, et ses grands yeux plein de candeur. Peut-être un peu trop de vibrato à mon goût, mais nous dirons que c'était dû à sa nervosité. Je ne me souviens pas l'avoir entendue dans un opéra, mais j'arrive très bien à me l'imaginer en héroïne d'un opéra italien, dans un rôle léger, comme Zerlina, ou Oscar.

Anne Sofie von Otter, grande chanteuse que j'admire énormément, meilleur Rosenkavalier qui soit. Elle monte sur scène très vieillie par-rapport à la photo qu'elle a laissé publier, la peau bronzée et le cheveux très blonds. Sa voix aussi est vieillie, et l'émotion ne passe pas réellement, même si c'est chanté très bien, peut-être un peu trop bien, trop poli comme son, et cela tue l'élément vivant des Lieder.

Venait Prégardien, avec Schubert. L'intensité est à son comble déjà dans le premier Lied, Der Zwerg, mais malgré tout, il réussi encore à intensifier son chant, frôlant la limite de la douleur dans Im Bendrot. A ma grande surprise, il enchaîne assez rapidement avec le dernier morceau, dans lequel la tension retombe un peu, pour laisser une chance à Werba.

Le jeune Werba se fait une place, un timbre très beau, chaleureux, et une puissance remarquable, il fera certainement un excellent chanteur d'opéra. Son fort, ce sont plutôt les grands traits lyriques que les fioritures virtuoses, il est plutôt un calibre de grande salle. De lui également, je me promets encore beaucoup.

Quelques pièces jouée en quatre mains par Gerstein et Forsberg, comme des petits intermèdes instrumentals entre les pièces vocales, que j'ai jugé sans grand intérêt, pas que les pianistes aient mal joué, mais simplement qu'il considéraient sans doute eux aussi ces pièces comme secondaires au programme.

VFCO, Tákacs-Nagy, Argerich, Guerrier et Gringolts, de Haydn à Shchedrin

2010-07-20T14:47:00.008+02:00

Ce blog est décidément dans un état léthargique. Pourtant ma vie en ce moment est loin de l'être, puisque j'ai enfin réussi à me glisser dans le staff du Festival de Verbier, et que je suis donc débordée de concerts à écouter. Par exemple: faut-il aller écouter Berlioz , l'ouverture Le Corsaire, Le concerto pour violon et orchestre n°2 de Bartók et Don Quichotte de Strauss (Dutoit, Kavakos, Bashmet et Maisky) ou Lugansky, avec Chopin et le 2ème sonate de Rachmaninov? Est-ce que je pourrais écouter Berlioz et Bartók, et courir à l'autre concert pour entendre Rachmaninov?

Mais. Parlons un peu de ce que j'ai vu. Rien de moins que la grande Martha, et je suis encore presque stupéfaite d'avoir réussi à l'entendre en live, accompagnée du Verbier Festival Chamber Orchestra et de l'excellent (et beau!) trompettiste David Guerrier, sous la direction du chef hongrois Gábor Tákacs-Nagy, avec qui la pianiste avait déjà collaboré lors du Verbier Festival 2009, pour le concerto pour piano N°2 de Beethoven. A voir, le succès fou de ce concert les a poussé à renouveler l'expérience. J'en suis ravie: le concerto pour piano et trompette n°1 de Shostakovich était brillant de technique, vivacité et finesse. Martha Argerich ne montre pas beaucoup ses émotions, en revanche elle les canalise dans ses doigts qui volent avec une agilité surprenante, et une puissance par moment presque animale. Argerich est cette femme qui semble jouer tout avec amusement, détachement, comme si la partition était un jeu avec l'orchestre et le chef, elle a cette approche riante également pour ce concerto, ce qui colle bien avec la musique de Shostakovich, riante à l'excès, virant dans des rythme durs et obstinés de révolte lorsque le rire n'est plus possible, passages joués avec une intensité qui donne les frissons. Mais ne parlons pas que de Martha - le trompettiste surprend lui aussi avec une palette de son très large et un son d'une douceur qui n'est pas sans rappeler celle du cor, il saute du son brillant typique à son instrument à quelque chose de beaucoup plus voilé et intime, une précision d'attaque et la capacité de se marier avec la sonorité du piano, chose difficile de part les caractéristiques très différentes de ces instruments.

Quant à Gábor Tákacs-Nagy, il est comme toujours souriant, vif, rebondissant, avec beaucoup d'intensité dans le regard, il est quelqu'un qui, comme Bernstein, dirige avant tout avec le visage.

La symphonie en Ut Majeur N°97 de Haydn souffre malheureusement quelque peu de l'orage qui avait décidé de lancer ses grêlons sur la tente à ce moment précis. (merci.), mais on peut deviner que les passages doux était aussi bien jouer que les grands traits, quelques fautes de démarrages dans le premier mouvement, mais dès le second, le Verbier Festival Chamber Orchestra (re)trouve son unité et joue avec une énergie que Tákacs-Nagy doit parfois un peu tempérer.

En seconde partie, le concerto parlando pour violon et trompette et orchestre à cordes de Rodion Shchedrin, compositeur que j'apprécie beaucoup (j'avais ce soir-là une carte à son nom, à côté de lui (vive la coloc qui distribue les tickets aux VIP!)(qui bien souvent ne viennent pas). Concerto dans lequel Shchedrin joue avec des sonorités inattendues issues de l'union entre la trompette (toujours Guerrier) et le violon (Ilya Gringolts). Je retiendrai un très beau passage dans lequel l'orchestre et le violon se fondent et ressortent à tour de rôle - et le sourire du compositeur.

En finale, la première symphonie de Bizet, entendue ce printemps à Vienne, avec un orchestre très connu (Gewandhaus Leipzig? je ne me souviens plus). Le dernier mouvement, sorte de tarentelle, brouhaha que le chef d'orchestre à Vienne tentait vainement d'organiser un peu était joué ici avec une précision époustouflante. Lorsque l'on pense que cet orchestre du Festival de Verbier joue presque chaque soir un programme différent, on peut les applaudir très fort et huer l'orchestre de ce printemps, qui faisait une tournée avec cette symphonie sans se prendre la peine de la travailler vraiment.

Premier concert à Verbier, j'en redemande!

Tannhäuser

2010-06-21T12:34:00.008+02:00

J'avais prévu d'écrire ce post en allemand pour faire taire les mauvaises langues qui se plaignent d'être lésées parce que tous mes blogs sont rédigés en français. Mais du coup, mes lecteurs francophones risqueraient de crier à l'injustice. Dilemme. Éventuellement, un jour où je serais super-motivée, par exemple un jour d'été pluvieux, glacial, après avoir tenté d'exposer un opéra en allemand à neuf heures trente du matin, devant une peluche et une coloc' qui sait déjà tout et rigole sous cape, par exemple aujourd'hui, je ferai une version allemande de ce carnet (version que je tiendrai trois articles et demi, mais bon, hein).

Hier soir, après un mois (!) je suis retournée à la Staatsoper pour Tannhäuser. Avec ma coloc'.

Tannhäuser

Richard Wagner

Wiener Staatsoper
20.06.2010, 18:00

Dirigent: Franz Welser-Möst

Inszenierung: Claus Guth

Tannhäuser: Johan Botha

Wolfram: Christian Gerhaher

Hermann: Ain Anger

Elisabeth: Anja Kampe

Venus: Michaela Schuster

Pour cette production de Tannhäuser, la Staatsoper a recouru au metteur en scène Claus Guth pour ouvrir de nouvelles perspectives. L'accueil du public était, lors de la première, plutôt mitigé, mais lors de cette seconde représentation unanimement applaudie. Claus Guth ne propose pas une réforme totale de la mise en scène, il se borne à transposer l'action au XIXe siècle, en adaptant quelques paramètres pour rendre cette "actualisation" plausible. Le choeur des pèlerins devient un choeur de malades mentaux, et Tannhäuser est en réalité possédé, semble scizophrène aussi, et guérit finalement de ses troubles.

La première scène se passe devant et dans un miroir, solution astucieuse pour thématiser la montagne de Vénus. Tannhäuser quitte pour ainsi dire le miroir de ses hallucinations et tente un retour à la normalité. Nous nous trouvons dans une grande salle toute de marbre et de lustres, dans laquelle aura lieu le concours de chant dont le vainqueur gagnera la belle et vertueuse Elisabeth, fille de Hermann. Les concurrents apprennent que Tannhäuser a été victimes d'halucinations, qu'il souffres de troubles mentaux et ce dernier se voit chassé. Il est alors interné dans un hôpital psychiatrique, dans lequel il semble mourir. Elisabeth allume un cierge et se sacrifie pour lui en avalant à pleine mains les médicaments destinés au malade. Entre Wolfram, qui assiste à la mort d'Elisabeth, qu'il aimait en secret. Celui-ci quitte la pièce pour entrer dans la chapelle et songe à se donner la mort, cachant le crucifix sous un banc pour se dérober aux yeux de Dieu. Au moment où il s'apprête à se tuer, Tannhäuser fait irruption sur scène. Il cherche la montagne de Vénus. Wolfram doit apprendre qu'il n'a pas su être guéri et cherche à se protéger contre la folie de Tannhäuser en brandissant le crucifix. Le choeur des internés chante alors la rédemption grâce à Elisabeth, ce qui guérit Tannhäuser de sa folie.

Claus Guth apporte une approche intéressante à l'histoire, mais garde des incohérences au niveau du texte et des actions, notamment le concours de chant, qui n'entre pas dans le côté très froidement réaliste, un peu à la Wozzeck, de la mise en scène.

Musicalement, les chanteurs dans l'ensemble étaient excellents, sinon Botha, que l'on apprécie normalement comme l'un des meilleurs chanteurs de la Staatsoper, et qui a chanté excessivement mal comparé à ce qu'il offre d'habitude. Comme l'a déjà remarqué Laura, la découverte de cet production est sans conteste la voix de Christian Gerhaher. Claire et précise, moins imposante que celle de Botha (la différence du tour de taille?) mais plus fraiche, c'est la voix parfaite du "Jüngling" pur et bon, que l'on aime immédiatement. Il chante sans prétention mais avec un soucis du son et une diction très soignée, et lors des moments d'émotion plus intense, il sait aussi donner plus de puissance et peut alors se mesurer au grand Botha.

L'orchestre, sous la baguette de Welser-Möst, chouchou du public et de la politique de la Staatsoper, a montré une fougue quasi juvénile et une très grande générosité du son, qui était indiscutablement à son apogée lors des grands chants chorals finaux. Peut-être quelques imprécisions rythmiques dans les violoncelles et dans les cuivres parfois.

Dans l'ensemble, comme tous les opéras de Wagner jusqu'ici, une production de haut niveau, dans laquelle on sent le travail qu'il y a eu derrière (contrairement à Tosca ou à la Traviata).

Oblomov (Ivan Goncharov)

2010-06-15T14:53:00.008+02:00

Entre les discussions interminables devant l'institut de musicologie, les folies avec ma nouvelle colocataire, les pulsions culinaires, les exposés et le travail jusqu'au petit matin, le temps pour lire s'est réduit à un minimum déjà presque plus vital. D'autant plus que depuis que je vis à Vienne, j'ai troqué mes trois heures de train quotidiennes durant lesquelles j'avalais volontiers une bonne cinquantaine de pages contre dix minutes de bicyclette.
Je doute avoir dépassé les 10 romans lus depuis janvier. Mais au moins, que de bonnes lectures!
Parmi elles, Oblomov, roman que je me réjouissais de lire depuis longtemps, jamais trouvé en librairie jusqu'à ce jour de fin d'hiver où je l'ai découvert dans un bac de livres au rabais. Deux euros pour mon Ilya Ilich!

penguin classics, 496 pages

Quatrième de couverture:

The sly, subversive side of the nineteenth-century Russian literary character -- the one which represents such a contrast to the titanic exertions of Tolstoy and Dostoevsky -- was most fully realized in Ivan Goncharov's 1859 masterpiece, OBLOMOV. This magnificent farce about a gentleman who spends the better part of his life in bed is a reminder of the extent to which humor, in the hands of a comic genius, can be used to explore the absurdities and injustices of a social order.

Mon avis: *****

Je m'attendais à beaucoup, j'ai même encore été surprise en bien. L'histoire est d'une grande finesse, les caractères analysés et décrits avec un soin méticuleux propre à la littérature russe. Oblomov, c'est ce jeune homme doux et intelligent, avachi sur son sofa. Oblomov, c'est ce révolutionnaire du dimanche. Rien ne résiste à sa paresse, toutes les excuses sont bonnes pour repousser le moment où il faudra, d'un geste adroit, glisser les deux pieds simultanément dans les pantoufles. Ivan Goncharov (1812-1891) publie son roman en 1859, et celui-ci jouit immédiatement d'une grande popularité. Oblomov incarne cet aristocrate oisif, tombé dans l'apathie la plus totale, facile à duper en raison de sa paresse. Être ou ne pas être- Oblomov répond non, et seule Olga réussira à le faire douter un peu de cette réponse, sans toutefois parvenir à l'ébranler totalement. La popularité de ce récit est telle que l'on emploie en Russie le terme que l'ami Andrey Stolz invente pour décrire et insulter Ilya Ilich Oblomov: Oblomoverie, en russe Обломовщина (Oblomovshchina), désignant une personne dans un état de profonde inertie, proche du personnage de Goncharov. Un récit qui interpelle, qui dénonce la part d'oblomoverie qui sommeille en chacun de nous, un récit qui oeuvre comme l'ami fidèle, l'allemand Stolz, qui vient réveiller Oblomov: c'est maintenant ou jamais.

Monthly issue - May 2010

2010-05-15T21:13:00.006+02:00

Mes très chers, c'est dur de retrouver la discipline une fois qu'elle est perdue. Mais. Un petit sursaut, suivi par beaucoup d'autres, je l'espère sincèrement. C'est le seul blog qui me force un tant soit peu à réfléchir, ce n'est certainement pas un hasard qu'il ait été le premier à souffrir de mon inconstance.

Recommençons en douceur, avec ma revue mensuelle. Des clichés m'ont pris par surprise alors que je tentais de trouver une motivation pour prendre mon reflex et sortir malgré la pluie et le froid. Mission semi-accomplie, puisque je suis bel et bien sortie, en faisant un long détour par l'Augarten, mais pour acheter du lait, des courgettes, des nectarines, des pâtes complètes et des céréales au miel-comme-à-Londres (les fameuses cheerios).

Et puis je fonctionne au macbook maintenant, et je suis révoltée comme mes blogs sont laids! (Sisi, il y a des menus changements au niveau des polices, des couleurs, de la taille des caractères, etc.)

photographie

. toi ♥ et ses couleurs rassurantes, un peu rêveuses, un peu tristes, comme un beau souvenir.

poésie

. Else Lasker-Schüler, dont j'ai enfin pu faire mieux connaissance. Après avoir lu quelques poèmes dans ce génialissime cours sur la littérature fin de siècle (qui m'a amené à Vienne), j'ai trouvé ses poèmes dans un rayon d'une librairie sur la Kärtnerstrasse, et .

Mein blaues Klavier

Ich habe zu Hause ein blaues Klavier

Und kenne doch keine Note.

Es steht im Dunkel der Kellertür,
Seitdem die Welt verrohte.

Es spielten Sternenhände vier
Die Mondfrau sang im Boote
Nun tanzen die Ratten im Geklirr.

Zerbrochen ist die Klaviatür
Ich beweine die blaue Tote.
Ach liebe Engel öffnet mir
Ich aß vom bitteren Brote
Mir lebend schon die Himmelstür
Auch wider dem Verbote.

source d'inspiration

. le parfum des arbres verts

. le soleil le long long du canal du Danube

. le wallensteinplatz en allant au concert

j'aime

. les fraises sur la petite assiette bleue

. les sorties spontanées

. les glaces chez Tichy ou Zanoni

trois habitudes de la journée

. la douche à la limette pour me réveiller

. traverser le Lichtensteinpark pour aller à la fac

. la bouteille d'eau de 1,5 litre

musique

. Othmar Schoeck, compositeur suisse extraordinaire découvert récemment.

Confessions d'un bourgeois (Sándor Márai)

2010-01-30T20:33:00.004+01:00

Intersemestre, nouveau job (à l'opéra!) et donc relative sécurité financière, coloc' gone partying et B. en quarantaine avec sa grippe, tous les astres coïncident pour que je revienne peupler de quelques mots cet espace laissé longtemps à lui-même. Avec une critique d'un livre merveilleux que j'ai malheureusement dû me résoudre à terminer hier soir, grelottant dans mon lit sous la lumière cinglante du plafonnier. J'ai acheté une table de nuit et une lampe de chevet ce matin, et puis j'ai commencé les Trois Mousquetaires. (Mais je ne crois pas que je les terminerai aujourd'hui.)

livre de poche, 571 pages

Quatrième de couverture:

Avec cette grande " histoire de famille " inspirée par la vie des siens, l'écrivain hongrois Sandor Marai (1900-1989) écrit sa Confession d'un enfant du siècle, tout à la fois itinéraire personnel et description subtile de la bourgeoisie hongroise au début du siècle. Marai, intellectuel, voyageur, journaliste à la Frankfurter Zeitung, fréquentant à son heure les cercles de Montparnasse, se souvient de ses ancêtres, riches artisans d'origine saxonne ou morave, des traditions et des idéaux qui ont peu à peu pétri un milieu épris de démocratie et de modernité avant que, à l'image des Buddenbrook de Thomas Mann, son accession au pouvoir et l'oubli de ses devoirs ne le condamnent au déclin. Mêlant mémoires et confessions, retraçant son propre parcours d'artiste, l'auteur de La Conversation de Bolzano et des Révoltés dit sa fidélité aux origines, évoque le bonheur d'une petite ville hongroise de province où cohabitent Hongrois, Allemands, Slovaques, Juifs, et qui prend rapidement la dimension du monde.

Mon avis: *****
Évidemment, j'ai adoré. Déjà rien que le terme "bourgeois", carrément dans le titre. Et puis la période, le XXe siècle naissant. Et l'exotisme de l'auteur - je n'avais encore jamais touché à la littérature hongroise. Sándor Márai nous raconte son enfance entre Kassa et Budapest, dépeint les mœurs de sa ville natale, relate sa vie de bohème à travers l'Europe d'abord, puis le monde. Il y a les femmes qu'il rencontre et qu'il oublie ensuite, les années parisiennes dans l'entre-deux-guerres, les commérages à Pest et les écrivains qui hantent les cafés de Buda. Les souvenirs de grandes vacances à la campagne, la naissance d'une vocation, celle de journaliste, celle d'écrivain. Et cette extraordinaire solitude qui se colle à ses pas.
C'est très bien écrit, cela révèle - Sándor Márai écrivain n'a pas perdu pour autant sa fibre journalistique - des pans entiers d'Histoire, observée sous un tout autre angle, et l'on se retrouve dans son introspection très subtile. Du moins je m'y retrouve!

Plan B

2009-12-10T15:03:00.002+01:00

Mes très chers,
Je n'arrive plus du tout à suivre, je me fais des suites de nuits atrophiées à 4h, j'ai un break down et je quitte l'opéra à la pause dans un état critique, je dors 9h. Et je recommence. Je mange du pain nature, des pommes et du chocolat, parce que je n'ai pas le temps de cuisiner. J'ai un agenda de ministre qui affiche pour chaque soir jusqu'à Noël entre 2 et 3 concerts / opéras par soir, donc inutile d'espérer que je ponde une critique pour chacun d'eux.
L'idée, c'est que je fasse une liste (dans la colonne de droite) de ce que j'ai vu et entendu, peut-être que j'écrirai quelque chose sur les soirées mémorables, et si un concert vous intéresse, dites-le me le, j'essaierai de satisfaire votre curiosité.

Retraite

2009-11-25T13:03:00.003+01:00

Je n'ai pas brusquement cessé toute activité culturelle - au contraire! - seulement, à Vienne, le temps me manque encore pour fixer mes idées par écrit. Je profite d'une petite trève dans la campagne suisse pour me promener des heures dans la nature, manger correctement, dormir assez et réfléchir à tout ce que j'ai vu, lu, vécu. Et je vous laisse avec ce beau passage d'un film d'Ingmar Bergman, mon réalisateur fétiche: Autumn Sonata.

Et je reviens bientôt avec des critiques du Lucern Festival. Fazil Say ce soir, Pollini samedi, Schcherbakov et Grimaud dimanche.

Melnitz (Charles Lewinsky)

2009-09-16T22:28:00.005+02:00

Da bin ich wieder, habe eben noch einen kleinen starken Kaffee getrunken um nicht sofort schlafen gehen zu müssen - ich habe heute nachmittag ein neues Buch gekauft, Literatur Nobelpreis Le Clézio.

dtv, 784 Seiten

Klappentext:

Eine jüdische Familienchronik vor dem Hintergrund der Schweizer Geschichte in den Jahren 1871 bis 1945.

Meine Meinung: *****
Seit ich Dürenmatt im Gymnasium gelesen hatte, und das ist jetzt immerhin schon über vier Jahre her, war mir nichts mehr interessantes aus der Schweiz in die Hände geraten. Dieses Buch wurde in der Westschweizer Zeitung Le Temps vorgestellt samt (schweizer) Autor. Familienroman. Judentum - Her damit! Wo ich es gekauft habe, hatte ich gerade Kafkas Tagebücher und Hesses Steppenwolf gelesen und brauchte dringen eine etwas leichtere Lektüre. Wieder mal so was Buddenbrooksartiges, dick, mit vielen Leuten in denen man sich verlieben kann.
Charles Lewinsky hat hier einen gelungenen Roman geschrieben, der sich immer zwischen heiteren Humor und trauriger Resignation bewegt. Die jüdische Kultur, wird liebevoll durch die Figuren, jiddische Ausdrücke und kleine Bemerkungen zwischendurch geschildert.
Die Erzählung verläuft so zu sagen zyklisch, beginnt und endet mit demselben Satz. Immer wenn er sgestorben, kam er wieder zurück. Sie ist eine Geschichte der Schweizer Juden in der Schweiz, die durch die Chronik der Familie Meijer dargestellt wird und umfasst das kurze Katastrophen Jahrhundert, vom Ende des Franco-Preussischen Krieg, 1871 bis zum Ende des zweiten Weltkrieges 1945. Dabei versuchen die Charaktere leicht und fröhlich durch das Leben zu wandern, doch immer wieder taucht Onkel Melnitz auf, der uralte Jude, den niemand sehen will, träger der Verfolgungsgeschichte, Gedächtnis aller tragischen Schicksale ermordeten Juden, der ein jeden wieder einprägt, dass sie nie in Sicherheit sein werden, und dass es leider nichts hilft, wenn sie ihre inner Stimme überhören.
Es liest sich schnell, man öffnet das Buch und kriegt es nur schwer wieder zu!

_____________
Eine andere Kritik auf dem Literaturblog.

La mort du roi Tsongor (Laurent Gaudé)

2009-09-07T12:50:00.004+02:00

J'ai fait un excès de zèle ce matin. Je me suis levée à 5h30 parce que je voulais faire plein de choses et que je voulais avoir le temps de les faire. J'ai manifestement oublié que j'étais encore en vacances. Résultat, à 10h j'avais terminé toutes ces choses ultra-importantes, et maintenant, il faut bien que je m'occupe.
J'avais été prise dans les mailles d'un filet de lecture, il y a quelques mois. Une carte avec deux adresses, la première à qui envoyer un livre, la seconde à copié sur six nouvelles cartes sur lesquelles ont aura ajouté sa propre adresse, que l'on enverra à six amis lecteurs, qui feront de même. Au final, tu as donc perdu un livre et gagné 36 nouveaux. Théoriquement. Pratiquement, (et heureusement aussi) je n'ai reçu qu'un seul livre, dont voici ma critique:

livre de poche, 219 pages

Quatrième de couverture:

Dans une Antiquité imaginaire, le vieux Tsongor, roi de Massaba, souverain d'un empire immense, s'apprête à marier sa fille. Mais au jour des fiançailles, un deuxième prétendant surgit. La guerre éclate : c'est Troie assiégée, c'est Thèbes livrée à la haine. Le monarque s'éteint ; son plus jeune fils s'en va parcourir le continent pour édifier sept tombeaux à l'image de ce que fut le vénéré -et aussi le haïssable -roi Tsongor.
Roman des origines, récit épique et initiatique, le livre de Laurent Gaudé déploie dans une langue enivrante les étendards de la bravoure, la flamboyante beauté des héros, mais aussi l'insidieuse révélation, en eux, de la défaite. Car en chacun doit s'accomplir, de quelque manière, l'apprentissage de la honte.

Mon avis: ***
La Mort du roi Tsongor est un récit initiatique qui rappelle les tragédies classiques. Nous nous trouvons dans une Afrique primitive, belle, fière et sauvage. Dans son royaume fastueux, conquis par le feu et le sang, le roi Tsongor s'apprête à marier sa fille unique, Samilia, à un riche et jeune prince. Mais ce bonheur ne tient qu'à un fil. Il y aura Katabolonga, le fidèle sujet, qui doit tuer le roi pour venger son peuple massacré. Il y aura Sango Kerim, l'ami d'enfance et fiancé secret de Samilia, revenu réclamer son dû. Avec la mort du roi Tsongor, ce sera une guerre impitoyable entre les deux rivaux de force égale. Tous les enfants du roi Tsongor périront, tous, sauf la belle Samilia et le cadet, Souba, envoyé par son père pour lui construire sept tombeaux disséminés sur l'immense royaume.
Le récit est très brutal, bestial même, des chairs déchiquetées, des corps brûlés, des visages en bouillie. L'idée en soit est intéressante - le salut par le don de soi - mais l'importance attachée à la description obsessionnelle du carnage entre les deux prétendants est à mon sens démesurée. Il me semble qu'il aurait été plus intéressant d'analyser davantage les personnages de Samilia, Souba et Katabolonga, car au final, on referme le livre en ayant l'impression d'avoir lu un livre de guerre, et que le récit initiatique s'est déroulé furtivement dans les coulisses.

Monthly issue - August 2009

2009-08-31T21:41:00.007+02:00

photographie

. Mojca Ketis et sa quête d’atmosphère poétique et de chaleur humaine.

poésie

. Thomas Hardy, une sélection de poèmes parue chez Faber and Faber, trouvée au détour d’une rue à Londres, savouré dans les cahots brûlant du métro.

On a Midsummer Eve

I idly cut a parsley stalk,

And blew therein towards the moon;

I had not thought what ghosts would walk

With shivering footsteps to my tune.

I went, and knelt, and scooped my hand

As if to drink, into the brook,

And faint figure seemed to stand

Above me, with the bygone look.

I lipped rough rythmes of chance, not choice,

I thought not what my words might be;

There came into my ear a voice

That turned a tenderer verse for me.

source d’inspiration

. jouer avec les enfants dans le jardin

. les grands romans de Hesse et Thomas Mann

. les souvenirs de Londres

j’aime

. lire sur la terrasse après le petit déjeuner

. jouer dans le jardin avec les enfants

. les lettres cachetées de Dodoré

trois habitudes de la journée

. glisser la main dans la fente de la boîte aux lettres

. faire des listes

. écrire dans mon journal

table de nuit

. Tagebücher 1909-1912 - Kafka

. Die Frau vom Meer - Ibsen

. Der Steppenwolf - Hesse

. L'âme de Hegel et les vaches du Wisconsin - Baricco

. Melnitz - Lewinsky

musique

. schumann, tout en vrac : symphonies, concertos, romances, lieder,…

schumann - dichterliebe - fischer-dieskau / moore

Der Steppenwolf (Hermann Hesse)

2009-08-28T15:12:00.001+02:00

Seit ich London verlassen habe, habe ich ein einziges Buch auf französisch gelesen, alles andere kam aus der deutschen Literatur. Das war so viel Deutsch auf einmal, dass auch mein Tagebuch Sprache wechselte. Kafka, dann Hesse, dann Charles Lewinsky und jetzt Thomas Mann...
Seit ich London verlassen habe, koche ich auch des öfteren, und zwar gern dietraditionnelle jüdische Gerichten, die es in meiner Familie gab. Kurzer Eintrag also, während der Teig meiner Challah ruht - wie ich den 6-Strang Zopf flechten werde, bleibt allerdings ein Geheimnis. Genau wie der Steppenwolf".

Suhrkamp, 229 Seiten

Klappentext:

Hier war meine Situation gezeichnet, die Situation des Bürgers, der Revolutionär werden möchte und den die Gewichte der alten Norm lähmen.
Peter Weiss

Meine Meinung: *****

Schon wieder einen Hesse-Roman, und schon wieder vieles nicht verstanden. Desto lieber ist mir das Buch, weil ich dann, wie mit dem Glasperlenspiel weiss, dass ich es immer wieder durchlesen kann und dass es sich ganz langsam zeigen wird. Dass sich dessen Sinn in seiner ganzen tiefen Weite nur dem zeigt, der sich hartnäckig immer wieder mit der Erzählung beschäftigt. (Ich mags eben eben gern schwierig.) Hesses Werk kann in vielen Richtungen angedeutet werden, sei es das Verhältnis des Künstler/Forscher mit seiner bürgerlicher Umwelt oder das Verhängnis des Kleinbürgers, der zwar gerne etwas grosses erschaffen möchte, der jedoch von seinem drang nach finanziellem Wohlstand zurückgehalten wird. Mensch und Steppenwolf als Doppelfigur, die wir auch in uns selber finden können, und mit der wir uns auseinanderstzen müssen, wenn wir nicht von ihr regiert werden wollen. Und natürlich, wie immer bei Hesse, eine brilliante Erzählung, die man unbedingt mindestens einmal lesen sollte!

Edit von 21:00 - die Challah sah nicht nur hübsch aus, sie schmeckte auch vortrefflich!

the loaf before going into the oven, originally uploaded by Lavinie Haala.

Tagebücher 1909-1912 (Franz Kafka)

2009-08-19T20:12:00.004+02:00

Nun - jetzt wo ich Ferien und das Medikament gegen meine Heftigen Kopfschmerzen (eine rote Brille) habe , kann ich wieder frisch und munter lesen und Kommentare verfassen. Und es ist zur Zeit eh viel zu heiss, um auch nur einen einzigen Zeh in die Sonne zu wagen, also wird zu Hause geblieben, Kaffe und selbstgemachten ungezuckerten Eistee in unmegen hinuntergeschluckt, und auf der schattigen Terrasse gelesen, bis einem auch dort zu warm wird, so dass man sich dann auf das Bett legen muss, Augen zu und Bach hören. Oder auch vor entzücken auf die Entdeckung des Klavierquartetts in a-moll von Mahler den Mund nicht mehr zuzukriegen.

Fischer, 436 Seiten

Auszug:

3. I 12 Die Flammen, die auf der Gasse um einen Tiegel vor einem Neubau in den Formen von Farrenkräutern ringsherum aufwärtstrieben. * * * Der Umschwung den ein Gespräch nimmt, wenn zuerst ausführlich von Sorgen der innersten Existenz gesprochen wird und hierauf nicht gerade abbrechend aber natürlich auch nicht sich daraus entwickelnd zur Sprache kommt, wann und wo man einander zum nächstenmale sehen wird und welche Umstände hiebei in Betracht gezogen weden müssen. Endet dieses Gespräch auch noch mit einem Händedruck, so geht man mit dem augenblicklichen Glauben an ein reines und festes Gefüge unseres Lebens und mit Achtung davor auseinander.

Meine Meinung: *****
Die Tagebücher Kafkas in der Originalfassung bei Fischer erschienen, hatte ich in Paris gefunden, und anfang April angefangen, das eintauchen in Kafkas Welt, die, wie mann es aus seinen Romanen kennt, manchmal ziemlich skurril sein kann, war nicht einfach. Kafkas Tagebuch wurde auch ganz anders gestaltet, als die, die ich zuvor gelesen hatte, oder mein eigenes (das am 05 Juni 2008 seinen 10. Geburtstag gefeiert hat): Aufzeichnungen seiner Theaterbesuche, Beobachtungen anderer Leute, deren Gesten und Verhalten, literarische Bruchstücke, die 2, 5, 10 mal abgeändert werden, Selbstanalyse, usw.
Es ist hoch interessant diesem Autor sozusagen in den Kopf zu schlüpfen und mit zu erleben, wie er gedacht hat und wie er in seinem literarischem Schaffen funktionnierte.
Durchaus empfehlenswert, wäre es auch nur um reinste Poesie zu begegnen, wie etwa: Die Weissnähterinnen in den Regengüssen - mann könnte einen ganzen Gedichtzyklus, Liederopus und Film daraus fantasieren!

Fathers and Sons (Ivan Sergeyevich Turgenev)

2009-08-13T18:14:00.009+02:00

Non, je n'ai pas eu un agenda surchargé, enfin, pas trop, disons. Mais il y avait Londres (et Londres + trois enfants turbulents + des host parents formidables = pas beaucoup de temps pour lire et écrire) et puis Verbier, et puis Dodoré, et puis maintenant il y a le Busker Festival, et mon piano (cela faisait 3 mois sans mon Schimmel et sans Beethoven, tu comprendras l'urgence de m'assoir sur mon tabouret). J'ai lu un peu, puis même beaucoup, puis je me suis cassé les yeux. (Mais je continue quand-même à lire - un peu moins). Un livre trouvé au détour d'une rue parallèle à Oxford Street, Fathers and Sons, pour pouvoir prouver à mon hostdad que je lis pas seulement des romans russes en français et pas seulement des gros pavés de musicologie. Et comme je rédige cette critique plus d'un mois après avoir l'avoir lu, ce sera court.

Wordsworth classics, 200 pages

Quatrième de couverture:

Fathers and Sons is one of the greatest of nineteenth century Russian novels and has long been acclaimed as Turgenev's finest work. It is a political novel set in a domestic context with a universal theme - the generational divide between fathers and sons. Set in 1859 at the moment when the Russian autocratic state began to move hesitantely towards social and political reform, the novel explores the conflict between the liveral-minded fathers of Russian reformists sympathies and their free-thinking intellectual sons whose revolutionnary ideology threatens thestability of the state. At its centre is Evgeny Bazarov, a strong-willed antagonist of all forms of social orthodoxy who proclaims himself a nihilist ans believes in the need to overthrow all the institutions of the state. As the novel develops Bazarov's political ambitions become fatally meshed with emotional and private concerns, and his end is a tragic failure. The novel caused a bitter furore on its publication on 1862, and this, a year later, drove Turgenev from Russia.

Mon avis: ****
Ce que moi j'ai trouvé scandaleux dans ce roman, ce sont ces petits pères grassouillets et craintifs comme des chiens battus, qui se font gouverner par leurs fils! Je ne prône pas une autorité parentale despotique, mais tout de même, il y a une telle bassesse dans ces pères soumis que cela donne la nausée. Que ne s'assument-ils pas une fois et font fi de l'avis et des lubies de leurs fils! On comprend que les pères russes aient farouchement haï cette nouvelle qui les blesse si vivement en montrant du doigt leur faiblesse face à leurs enfants. L'homme déteste se trouver face à une réalité qui lui est désagréable, il peut en devenir extrêmement mesquin, jusqu'à pousser celui qui l'énonce à l'exil, comme cela fut le cas pour Turgenev.
L'écrivain russe se livre à une analyse sociologique intéressante et dont la thématique de l'enfant-roi demeure certainement encore pertinente de nos jours, 150 ans après sa publication.

Vie et destin (Vassili Grossman)

2009-07-07T09:57:00.006+02:00

Cela fait bientôt un mois que j'ai terminé ce roman, avec regret d'ailleurs, parce que j'ai réalisé que j'étais Victor Pavlovitch Strum. Je resterai encore dans la littérature russe, avec Turgeniev et son Father and Sons, déniché dans une libraire pour £2,99 - j'aime Londres. Mais ce n'est qu'une lecture de métro, à la maison, je savoure le grand livre du musicologue Alex Ross The Rest Is Noise. Un très bon ouvrage, j'en parlerai - pas tout de suite, il y a beaucoup de pages, et je n'ai pas beaucoup de temps à consacrer à la lecture en ce moment (je vis mes deux dernières semaines dans la capitale des extrêmes).

Livre de poche, 1172 pages

Quatrième de couverture:

Dans ce roman-fresque, composé dans les années 1950, à la façon de Guerre et paix, Vassili Grossman (1905-1964) fait revivre l'URSS en guerre à travers le destin d'une famille, dont les membres nous amènent tour à tour dans Stalingrad assiégée, dans les laboratoires de recherche scientifique, dans la vie ordinaire du peuple russe, et jusqu'à Treblinka sur les pas de l'Armée rouge. Au-delà de ces destins souvent tragiques, il s'interroge sur la terrifiante convergence des systèmes nazi et communiste alors même qu'ils s'affrontent sans merci. Radicalement iconoclaste en son temps - le manuscrit fut confisqué par le KGB, tandis qu'une copie parvenait clandestinement en Occident -, ce livre pose sur l'histoire du XXe siècle une question que philosophes et historiens n'ont cessé d'explorer depuis lors. Il le fait sous la forme d'une grande œuvre littéraire, imprégnée de vie et d'humanité, qui transcende le documentaire et la polémique pour atteindre à une vision puissante, métaphysique, de la lutte éternelle du bien contre le mal.

Mon avis: *****
Vie et destin continue en quelque sorte la lignée des grands chefs-d'oeuvre russes, de par l'ampleur du roman - plus de mille pages - l'attention, la fixation même pourrait-on dire portée sur la psychologie des personnages, telle qu'on la trouve chez Dostoïevski, et la réflexion philosophique sur l'histoire qui n'est pas sans rappeler Guerre et Paix.
Le regard que Grossman porte sur le système politique de son pays, l'URSS, est lucide et sans pitié, ni pour lui, ni pour les autres. En effet, s'il est usuel aujourd'hui de faire des liens entre stalinisme et nazisme, ce n'était pas encore le cas dans les années 50, lorsque Vassili Grossman a écrit l'œuvre de sa vie, révélant une pensée nouvelle, révolutionnaire sur la nature de la dictature de Staline, en véritable pionnier. Grossman nous fait vivre Stalingrad tour à tour dans la peau d'un communiste pur et dur, une mère de famille en deuil, un général Juif, un bolchevik déchu, un physicien juif brillant et lâche, un blessé allemand, et Paulus. Pour ceux qui ont lu le prix Goncourt 2007, Les Bienveillantes présentent des similitudes avec Vie et Destin, sans toutefois bénéficier du regard multiple de Grossman.
A lire.

Le Talmud: Enquête dans un monde très secret (Salfati)

2009-06-28T15:26:00.005+02:00

Le soleil danse avec les nuages, et je suis en retard dans mes critiques. Brendel joue Haydn, la bouilloire chante sur le feu et je livre ma critique de ce livre que l'on m'a offert en échange de mon compte-rendu.

Albin Michel, 276 pages

Quatrième de couverture:

Le Talmud, objet de toutes les méprises, est depuis deux mille ans au cœur de la vie juive traditionnelle. Livre unique, il a subi, à l'image de son peuple, les errances, les persécutions, les métamorphoses. Pierre-Henry Salfati, lui-même talmudiste, nous fait découvrir à travers tous les continents et toutes les époques comment le Talmud a généré communautés et individus incroyables, aux histoires surprenantes et uniques : les génies qui connaissent chaque centimètre carré de ses milliers de pages par cœur, les employés de Manhattan qui l'étudient chaque matin clans le train, les hassidim messianiques de Jérusalem, les collectionneurs fous... Parmi cette galerie fantastique, le livre est lui-même un personnage à part entière. On découvre ainsi des histoires de faux traités, d'autodafés, de cimetières livresques, de controverses avec le Ciel, d'imprimeries babéliennes, ou encore de divorce royal - celui d'Henri VIII en l'occurrence... De New York à Jérusalem en passant par Paris. Venise ou Worms, Pierre-Henry Salfati nous initie avec bonheur à un monde peu connu, peuplé de figures exubérantes et de mystères historiques. Une vraie belle histoire juive, en somme, dans tous les sens du terme.

Mon avis: ***
L'ouvrage en question, comme appendice au documentaire Le Talmud de Salfati propose une histoire du judaïsme conduit par un fil rouge: le Talmud. Histoire bien sûr des plus sommaires - 4000 ans d'histoire en 170 pages! - mais très agréable à lire. Salfati procède comme un journaliste, voyageant entre Les Etats-Unis, Israël, l'Italie et l'Allemagne, passant de l'ère des téléphones portables aux bûchers de l'inquisition, et s'arrêtant un instant à la cour d'Henri VIII, "interviewant" les autochtones dont il livre les anecdotes.
Pour la goy que je suis, les références aux fêtes, aux courants religieux et à leurs initiateurs de rabbis ne sont pas toujours aisées à comprendre, se pose donc la question de savoir si le livre de Slafati est destiné aux Juifs ou aux non-Juifs. Et, bémol considérable pour moi, les attaques gratuites et pleines de mépris pour l'Eglise - catholique et réformée - que je trouve déplacées. Safati pose son peuple comme la Victime incessamment martyrisée et pointe du doigt sur les bourreaux, allant jusqu'à dire que les thèses d'Hitler, en somme, avaient déjà été énoncées par Luther (impliquant l'accusation monstrueuse que tous les chrétiens protestants sont en quelque sorte des nazis). Quitte à relancer le débat, je m'insurge contre ce droit que prennent les gens de se déclarer victimes. Dans la question de la Shoah, au point où l'on en est aujourd'hui, je crois fermement que personne n'a le droit de juger si untel est coupable, c'est un jugement qui incombe à la personne concernée, et à elle seule. Et inversement, qui peut s'auto proclamer victime? Ce n'est pas à nous-même de le décider, mais aux autres de le reconnaître. C'est la la clé pour se libérer du traumatisme de la Shoah et s'en émanciper.

Après la lecture de Salfati, que me reste-t-il à faire, moi, doublement coupable d'être Allemande et protestante?

Hast du denn schon mal geliebt? Lulu im Royal Opera House

2009-06-25T22:04:00.003+02:00

4-20, Royal Opera House, London

Deutsch ist wieder mal dran.
Letzten Oktober hatte ich Lulu von Wedekind gelesen, und war von diesem Theaterstück überwältigt gewesen. Ein halbes Jahr lang hatte ich mich danach gesehnt, dessen Oper sehen zu können. Ein Traum der wahr geworden ist, und das noch als Geburtstagsgeschenk an mich selbst: am Abend meines Geburtstages fand die vierte der insgesamt sechs Aufführung der Lulu am Royal Opera House in London statt.

Es war mein erstes Erlebnis in der ROH, das Gebäude ist stattlich, mit Grossen Hallen Treppen, Fenster und Spiegeln, auch ein wenig ein Labyrinth (ich konnte mir meinen Eingang nie merken, nach jeder Pause war ich falsch). Der Saal war voll, obwohl es sich um eine lange und eher schwierige Oper handelt, leerte sich jedoch ein wenig nach jeder den beiden Pausen.

Die Inszenierung von Christof Loy begrenzte sich auf das Minimum: eine weisse Bühne, ein weissliche Trennwand hinten, grelles weisses Licht, einen Stuhl. Später kommen noch weisse Rosen, einige Briefe, Champagnergläser und ein Messer. Und rotes Blut. Die Sänger sind in schwarzen Fracks, Die Frauen in schwarzen Cocktailkleider, Lulu trägt kurz mal ein weisses Kleid. Eine sehr gelungene schwarz/weiss minimaslistische, Inszenierung, die alle Emotionen in ein klinisches Licht rückt, und durch dessen Kälte und Schlichtheit die Leidenschaft und Verwirrtheit der Oper akkzentuiert.
Die Balance zwischen Sänger und Orchester wird perfeckt gehalten, man hört was auf der Bühne geschiet, auch wenn es piano ist, und in den lauten Passagen muss nie auf die Stimme gedrückt werden. Perfeckte Sänger die alle schwierigen Vokalisen schwungvoll meistern und ihre theatralische Rolle auch mit Körper und Seele zu verkörpern wissen.

Am Schluss der Oper zerreisst ein riesiger Akkord den Opernsaal, ein moderner "DonGiovanni"-Akkord, dessen Dissonanz mehr sagt, alles viele Worte. Lulu ist gestorben. Und sie war alles.

Ein wunderschöner Abend und eine sehr gelungene neue Produktion der Lulu.

___________________
Kritik im Independent.

Note de passage

2009-06-25T18:30:00.003+02:00

Je vais de ce pas écrire une lettre sur ma terrasse londonienne ensoleillée et reviens ensuite poster une critique ici.
Promis.

Questionnaire de Proust

2009-06-14T22:38:00.004+02:00

Ma vertu préférée : la noblesse

Le principal trait de mon caractère : la fierté

La qualité que je préfère chez les hommes : la bonté

La qualité que je préfère chez les femmes : le courage

Mon principal défaut : la paresse

Ma principale qualité : la curiosité

Ce que j’apprécie le plus chez mes amis : leurs différences

Mon occupation préférée : m'oublier dans une partition, une lettre, une conversation

Mon rêve de bonheur : servir la musique

Quel serait mon plus grand malheur ? que ma vie perde sa saveur

A part moi -même qui voudrais-je être ? Lulu

Où aimerais-je vivre ? dans les livres et la musique

La couleur que je préfère : le blanc - la pureté

La fleur que j’aime : les tournesols

L’oiseau que je préfère : l'hirondelle

Mes auteurs favoris en prose : Th. Mann, Dostoevsky, Orwell, Wedekind

Mes poètes préférés : Prévert, Yeats, Tsvetaeva, Rimbaud, Rilke

Mes héros dans la fiction :Victor Pavlovich Strum (Life and Fate, Grossman)

Mes héroïnes favorites dans la fiction : Antigone

Mes compositeurs préférés : Bach, Beethoven, Brahms

Mes peintres préférés : Chagall, Klimt

Mes héros dans la vie réelle : V. , P. et M.

Mes héroïnes préférées dans la vie réelle : Marina Tsvetaeva

Mes héros dans l’histoire : Gutenberg

Ma nourriture et boisson préférée : les fruits de l'été et l'eau fraiche d'une fontaine

Ce que je déteste par-dessus tout : le légalisme

Le personnage historique que je n’aime pas : Néron

Les faits historiques que je méprise le plus : les guerres de religion

Le fait militaire que j’estime le plus : une retraite?

La réforme que j’estime le plus : pas celle de Bologne (réforme du système universitaire)

Le don de la nature que je voudrais avoir : voler

Comment j’aimerais mourir : jeune, belle, subitement et passionnément

L’état présent de mon esprit : la douceur des jours de pluie

La faute qui m’inspire le plus d’indulgence : la naïveté

Ma devise : "enivrez-vous sans cesse de vin, de poésie, de vertu, à votre guise" (Baudelaire)

Animal Farm (George Orwell)

2009-06-08T12:28:00.008+02:00

De temps en temps, il m'arrive de retrouver le temps pour la lecture. Dans le tube, et un samedi soir frileux, dans un café en face de l'English National Opera, devant un énorme chocolat chaud (il faisait vraiment froid et j'étais en short).

Penguin, 95 pages

Quatrième de couverture:

Mr Jones of Manor Farm is so lazy and drunken that one day he forgets to feed his livestock. The ensuing rebellion under the leadership of the pigs Napoleon and Snowball leads to the animal taking over the farm. Vowing to eliminate the terrible inequities of the farmyard, the renamed Animal Farm is organized to benefit all who walk on four legs. But as time passes, the ideals of the rebellion are corrupted, then forgotten. And something new and unexpected emerges...

Mon avis: *****
Cette courte nouvelle vient compléter ma lecture de Life and Fate de Vassily Grossman (critique à paraître d'ici la fin de la semaine, j'espère). Orwell a, déjà dans les années 50, compris les déviations du communisme - du stalinisme, devrait-on dire. Il en fait le constat dans une parodie grinçante à petite échelle. L'Animal Farm envoie des pigeons pour convaincre les fermes avoisinantes d'adopter leur idéologie, se crée un ennemi du peuple responsable de tous les problèmes que rencontre l'Animal Farm, connait les exécutions massive de la Russie soviétique de 1937 et le culte du leader.
Cette courte nouvelle fantastique raconte mieux que moults gros ouvrages scientifiques la naissance et la décadence de l'empire communiste.

Evgeny Kissin possédé & public envoûté

2009-06-06T23:38:00.009+02:00

Barbican, London, 05.06.2009, 7.30pm

Je me suis offert ce luxe: réentendre le récital de novembre dernier à Lucerne, cinq mois plus tard à Londres. En relisant ma critique du récital donné dans le cadre de la semaine du Lucerne Festival consacrée au piano, je réalise que ce concert a en quelque sorte mûrit en moi: si je voulais absolument réentendre Kissin dans ce programme, c'était pour sa sonate de Prokofiev, laquelle ne m'avait apparemment pas tant marqué en novembre, puisque j'ai réussi à écrire que le véritable plat de résistance du soir était les études de Chopin, et non cette sonate.
C'est intéressant d'avoir l'occasion d'entendre un récital dans les toutes premières performances en public (si mes souvenirs sont bons, Lucerne était le deuxième concert de la saison) et dans les dernières. On voit alors l'œuvre grandir, changer, parfois beaucoup - comme ici - parfois peu - comme pour le programme final de Brendel.

Je rappelle le programme:

Sergey Prokofiev (1891–1953)

Ten Pieces from Romeo and Juliet, Op. 75 (1937) – excerpts
No. 4, Juliet as a young girl • No. 8, Mercutio • No. 6, Montagues and Capulets

Piano Sonata No. 8 in B flat major, Op. 84 (1939–44)

Fryderyk Chopin (1810–49)

Polonaise-Fantaisie in A flat major, Op. 61 (1846)

Mazurkas – C sharp minor, Op. 30 No. 4 (1837); A flat major, Op. 41; No. 4 (1839); A minor, Op. 59 No. 1 (1845)

Études, Op. 10 (1829–32) – No. 1 in C major; No. 2 in A minor; No. 3 in E major; No. 4 in C sharp minor; No. 12 in C minor.

Études, Op. 25 (1832–6) – No. 5 in E minor; No. 6 in G sharp minor; No. 11 in A minor.

Point de "faux départ" cette fois-ci, Juliette est gracile et légère comme un oiseau, à la fois fraîche et rose comme un enfant, tiède et langoureuse comme une femme. Mercutio est brillant de virtuosité, racé, fougueux comme un pur-sang arabe. Quant à la confrontation des Montagues et Capulets dans le bal, elle est violente, sombre prédiction des malheurs à venir. Evgeny Kissin a ce don particulier, que j'ai souligné déjà à plusieurs reprises, de raconter des histoires, et ici encore, il raconte ce drame de Shakespeare avec beaucoup de force imaginative.

Venait le véritable plat de résistance, la troisième des sonates de guerres de Prokofiev, composées entre 1939 et 1944. L'interprétation de Kissin est un pas important dans l'histoire de cette sonate. Le pianiste russe se dévoue corps et âme dans cette pièce dont chaque mouvement est complètement différent du précédant. Le premier mouvement est menaçant et joue avec la tension qui monte, se brise, pour recommencer jusqu'à ce que les nerfs ne le supportent plus; le second mouvement est un songe, une réminiscence d'un passé lumineux dans un présent calciné; le troisième est une explosion de joie de vivre juvénile, si caractéristique du compositeur soviétique. Evgeny Kissin a su faire ressortir jusqu'à l'extrême ces différents aspects, tout en conservant une sonate cohérente dans l'articulation de ses mouvements: l'ambiance morbide et menaçante de la guerre, les souvenirs de jours meilleurs, la rébellion contre la mort, l'impossibilité de l'accepter. Je ne crois pas qu'il soit possible d'aller plus loin que Kissin l'a fait, du moins pas pour le moment; Kissin a atteint les limites du possible pour cette sonate.

Si la polonaise-fantaisie et les mazurkas restaient dans ce que nous connaissons déjà de Kissin, ses études étaient d'une finesse et d'une virtuosité qui a séduit le public plus d'une fois - applaudissements spontanés après l'op.10 n°4 et n°12 - la technique époustouflante du pianiste lui permettant de faire également une très belle musique avec ces deux opus de jeunesse de Chopin, en particulier en offrant une attention soutenue à la main gauche et en explorant des lignes mélodiques qui restaient jusqu'alors remises en second plan par les difficultés techniques de études. J'attends avec impatience que Kissin puisse présenter et enregistrer l'intégrale des études op.10 et op.25.

Un récital qui montre une fois de plus que Kissin n'est plus l'enfant prodige des concerti de Chopin, mais désormais un artiste dans sa pleine maturité, à la poursuite d'idéaux qui deviennent chaque jour plus exigeants.

_________________
Edit du 08.06.2009: Une critique à l'extrême opposé - qui me choque par son animosité - parue dans le Times online.

Edit du 09.06.2009: Deux critiques, parues dans le Guardian (critique assez plate, plus un procès-verbal qu'une critique, à mon avis)(j'imaginais que les critiques du Guardian étaient toujours la crème de la crème) et dans le Telegraph (bien argumentée, mais qui ne mentionne pas une seule fois la sonate (!)) (Je ne dis pas que je fais mieux - la mienne manque d'impartialité, de finesse et de profondeur d'analyse, mais quand même, entre rejeter en bloc, faire un PV et passer la sonate sous un silence total - il s'agit tout de même de trois journaux réputés!)

LSO Discovery Day: Brahms

2009-05-25T22:30:00.014+02:00

Oui, je remets enfin les pieds ici, et sans doute je saurai revenir un peu plus régulièrement maintenant: samedi soir, j'ai fait la tournée de quelques opéras et salles de concert (English National Opera (ENO), Royal Opera House (ROH) et Barbican, pour tout dire) et j'ai déjà deux billets, pour Lulu au ROH et LSO/Davis/Freire au Barbican. Lulu, c'est l'une de mes lectures préférées, je suis donc très impatiente de découvrir l'opéra de Berg, et me suis offert une place assise à visibilité non réduite pour 20£. Pour mon anniversaire, car il y a une représentation qui a lieu le soir de mon anniversaire.

Mais.
Samedi je tombais par hasard sur ce Discovery Day, il restait des places (pas comme pour le récital de Kissin, grâh.) alors j'ai changé mes projets de passer mon Bank Holiday Sunday à Brighton, au bord de la mer, et j'ai hanté les locaux du Barbican et de St-Luke pour une journée dédiée à mon Brahms.

Le programme:

10.00 am - 1.00 pm: general rehersal du concert du soir au Barbican
2.30 pm - 3.30 pm: conférence sur Brahms: Traditionalist and Progressive
4:00 pm - 5.30 pm: trio pour clarinette, trio pour clarinette par des musiciens du LSO et questions

1. Répetition générale
London Symphony Orchestra, Sir Colin Davis, Nikolaj Znaider

Stravinsky: Orpheus
Brahms: Concerto pour violon, op.77
Elgar: Introduction and Allegro for Strings

J'avoue que je suis restée très sceptique de cette interprétation de Stravinsky, je pense que plusieurs musiciens du LSO n'aimaient pas particulièrement cette pièce, et cela se ressentait dans cet Orpheus, joué sagement et proprement, mais sans tripes, avec corps mais sans âme - du moins en comparaison avec ce qui suivra. Les violons n'étaient pas tous très réveillés, on avait des attaques très différentes, entre le premier violon très sec et nerveux et certains plus mous. On a, comme je l'avais déjà remarqué dans l'enregistrement de l'intégrale des concerti de Beethoven avec Kissin, des basses puissantes et extrêmenent vivantes et habitées, qui confèrent cette couleur profonde spécifique au LSO que j'affectionne tant. On notera au passage l'effectif assez impressionnant desdites basses: 10 violoncelles et 8 contrebasses, que nous auront pour les trois pièces. Les vents également sont d'une maîtrise à couper le souffle.

Nikolaj Znaider rejoint la scène, et, après avoir repris le début pour metter au point le bon tempo, c'est toute la pièce qui est jouée, sans reprises, si mes souvenirs sont bons (je n'ai rien noté de tel sur mon carnet magique en totu cas). Je n'ai d'ailleurs pas noté grand'chose , mis à part Brilliant! et wow! wow! wow! Parce que c'était réellement impressionnant et magnifique. C'était la première fois que j'entendais - du moins consciemment - Znaider. Je ne sais pas quel est sont répertoire, mais en tout cas, il nous a interprété un Brahms magnifique, très riche et diversifié. Il joue avec l'orchestre, il y a une très belle relation avec les musiciens et le chef - il était le subject of this years LSO Artist's Portait, ce qui signifie qu'il a travaillé régulièrement avec l'orchestre et son chef durant cette saison - et on sentait cette communication constante, qui permet à l'orchestre de sublimer le jeu du soliste et au violoniste de converser avec les musiciens, le tout coordonné par l'extraodrinaire Colin Davis, toujours fringant du haut de ses 82 ans. Un clin d'oeil au second mouvement et au haubois solo du LSO: j'ai toujours trouvé que le hautbois, c'était pas le plus bel instrument. J'ai changé d'avis (je veux jouer du zobois!). Autre remarque pour le troisième mouvement, joué avec beaucoup de rubato, ce qui fait ressortir le caractère tzigane de la partition. C'est volontairement un peu pataud, avec des accents de fête foraine slave, et très séduisant, car l'oeuvre ne perd pas en finesse tout en gagnant en couleur.

Pour Elgar, vents et percussions quittent l'estrade et les chefs d'attaques sont seuls à leur pupitre, placés comme un quatuor, entouré par l'orchestre. Cette disposition s'explique par le fait que les chefs d'attaque assument une partition quasi solistique, souvent différente de celle de l'orchestre. Ici, l'union des cordes, particulièrement des violons, est remarquable, on a ici un seul corps avec une cinquantaine d'archet. Si on sentait une certaine réticence des cordes dans Stravinsky, on sent ici un plaisir évident de jouer les grandes phrases lyriques d'Elgar, ce compositeur qui met en musique les grands ciels anglais avec leurs nuages qui courent à toute allure.

2. Conférence
Robert Pascall, Brahms: Traditionalist and Progressive.

Après une pause de midi sur la terrasse du Barbican ensoleillée et envahie par des Londoniens et touristes de tous âges, plein nord, direction St Luke, l'église du LSO (restaurée, qui sert de local de répétition, lunch concert hall, etc.). Je termine mon café sur un banc à l'ombre devant l'église et une vieille dame s'assied à l'autre bout. Un coup de vent fait voler son programme à ses pieds, je le ramasse, et la conversation s'engage, après son Thank you, perhaps you arm is longer than mine. Elle voyage avec les festivals de musique classique, son agenda est rempli à craquer de concerts, workshops, master classes, conférences et générales, elle a son avis sur tout et parle un allemand presque impeccable - when I'm in Vienna, I feel home. Elle me raconte l'histoire de l'acquisition de St Luke par le LSO, son admiration pour Sir Colin Davis et me conseille des concerts.
Robert Pascall parle des première compositions de Brahms, de l'influence de Bach et Beethoven dans son oeuvre, des études de contrepoint et insiste longuement sur les moult tentatives, encouragées par Schumann, d'écrire une symphonie, et comment les différents matériaux s'insèrent dans les compositions. Il en résulte non seulement une thematische Arbeit qui agit non seulement dans une pièce, mais s'étend sur plusieurs oeuvres.
Brahms à la foi tourné vers le passé, dans ses études de contrepoint et ses exercices de compositions dans ce style, et vers l'avenir, puisque sans Brahms et sa systematic composition, pas de musique atonale.
Une citation pour le plaisir d'un Brahms plaisantain, la réponse du compositeur à la critique que Lachner formula au sujet de sa seconde symphonie et de l'usage des trombones et timbales:

I had very much wanted and tried to get through the first movement without trombones. [...] But their first entry, that belongs to me and thus I cannot di without it and also the trombones. If you wanted me to defend that passage I would have to go further. Then I would have to aknowledge that I am in addition a deeply melancholic person, that the black wings flutter continually over us, that - perhaps not completely accidentally in my oeuvre this Symphony is followed by a samll discourse on the great question "Why" [the Motet: Warum ist das Licht gegeben dem Mühseligen? op. 74 n°1]. If you don't know it [the Motet] I will send it you. It throws the necessary deep and shadow onto the happy Symphony and perhaps explains those kettledrums and trombones. - But please don't take this or the trombones too tragically or seriously.

3. Klarinettentrio
Dernier évement de la journée, un petit monsieur prend le micro. Il est animateur à radio BBC 3 et introduit l'oeuvre en mettant l'accent sur les thèmes, variés à l'infini (la thematische Arbeit, encore.), qu'il fait jouer aux musiciens. Puis ceux-ci nous exécutent un trio frais et d'une approche assez juvénile, saluée par le public. C'était loin d'être parfait, mais il y avait une grande joie de jouer ce trio, que l'on a rarement l'occasion d'entendre, en raison de sa distribution particulière (clarinette, violoncelle, piano). Suivait une série de questions, de l'animateur aux musiciens d'abord, puis du public aux musiciens - faut-il vibrer, et comment? comment lire les critiques, comment rédiger des critiques? où placer ce trio dans un concert? faut-il écouter des enregistrements avant de jouer une oeuvre? comment faire lorsqu'on doit jouer une pièce que l'on n'aime pas? etc.
La vieille dame dit en me quittant: Ich wünsche ihnen noch einen wunderschönen Tag und ich bin ein wenig einversüchtig, dass sie in Wien weiterstudieren.

Et je longe Thames sur le Victoria Embanquement avant de remonter à Trafalgar Square voir des buskers.

__________
Edit du 28 mai: Boulezian a publié une critique soignée, à lire ici.

Edit du 28 mai, mais un peu plus tard: il y a à nouveau quelques places pour le récital de Kissin. J'ai eu une place (mais je n'ai pas encore complètement pris connaissance de l'ampleur de mon bonheur).

I believe I can fly.

2009-05-02T10:30:00.000+02:00

10:30 heure locale. Débarquement chez les biftecks.

Bachab?

2009-04-29T20:22:00.003+02:00

Hier pendant la pause de midi, je lisais le dernier numéro du Magazine littéraire à la bibliothèque. Outre le fait que les 3/4 des auteurs présentés sont Juifs et les 2/3 des romans critiqués en lien avec la Shoah - y a-t-il un quelconque anniversaire cette année? - une citation de l'essai L'Holocauste comme culture paru chez Actes Sud a retenu mon attention. Le prix Nobel Imre Kertész écrit, à propos de la Shoah, que cela ne lui semble pas impossible qu'un évènement pareil se renouvelle un jour:

"Tout ce que nous vivons en ce moment et dans le monde entier, à savoir notre civilisation, notre mode de vie, nos idéaux ou plutôt leur absence, le clovage entre le monde individuel et le monde socio-historique, [...] l'inanité de l'intelligentsia de notre temps couplée à son avidité insatiable d'idéologie, fait plus destructeur que le sida ou la drogue - tout cela ainsi que tous les symptômes de notre siècle dépourvu d'imagination et intellectuellement atrophié, montre qu'une telle répétition n'est pas impossible."

A vos méninges.

Leçons particulières (Hélène Grimaud)

2009-04-20T18:13:00.006+02:00

Un tout petit livre, que ma voisine-copine m'avait apporté un jour en venant regarder un Louis de Funès chez moi, Tiens, je l'ai à double, j'ai pensé que tu devrais aimer. (C'est fou ce qu'elle peut avoir raison, des fois.)

Je l'ai ouvert hier soir, je l'ai pris dans mon lit, et ce matin je le terminais en tailleurs sur mon balcon, un verre d'eau pour calmer le soleil.

Pocket, 181 pages

Quatrième de couverture:

Comment surmonter ses doutes ? Comment élever son âme ? Comment définir la passion, voire l'amour ? Telles sont les questions que se pose Hélène Grimaud, au cours d'un triple voyage : voyage en Italie dont elle nous fait partager les beautés ; voyage initiatique jalonné de rencontres avec de curieux personnages qui la renseignent sur le sens de la vie ; voyage intérieur enfin où, au terme de sa quête, elle montre comment retrouver le chemin du bonheur. Ou comment unir, dans la même ferveur, la musique, le monde sauvage et une passion absolue pour l'existence.

Mon avis:*****
Au début, j'étais sceptique. Vraiment. J'aimais beaucoup le contenu, nettement moins en revanche sa manière de l'exprimer. Certaines métaphores, quoique très belles, laissaient un arrière goût d'artifice dans les pages. L'utilisation de la langue un peu pincée, il lui manquait l'aisance et le naturel de l'écrivain, du "vrai", cette aisance qu'elle a au piano, résolument. Et puis au fil des pages - j'avais accroché, presque à mon propre insu - j'ai aimé aussi le style, et les belles métaphores, et son savoir admirable et humble, les paysage de cette Italie que je ne connais pour ainsi dire que des romans, et Hambourg hantée par Brahms - Hélène Grimaud semble faire la même connexion que moi entre Hambourg et Brahms.
Court récit initiatique peuplé de rencontres merveilleuses, Hélène réapprend à vivre, et par son roman, nous redonne les clefs pour retrouver ce paradis que l'on perd si facilement de vue. Je crois partager nombre de ces opinions, tant sur la musique, son but, son essence, que sur ses considération de la vie, de l'amour, de la mort. J'ai trouvé dans ce minuscule opus une corde qui vibrait à la même fréquence que la mienne.

Mrs. Dalloway (Virginia Woolf)

2009-04-20T17:33:00.005+02:00

Je remets à jour, je remets à jour.
Là.
J'avais pris das Glasperlenspiel à Paris, mais il s'est vite montré que c'était un mauvais choix:

trop compliqué pour être lu par bribes de 2 pages dans le métro
trop volumineux pour être trimballé dans mes pérégrinations parisiennes

Mais je sais où aller. Boulevard St-Michel, par exemple. Un saut à Gibert-Jeune, je me trouve nez à nez avec le rayon russe et celui d'anglais, j'hésite pour un recueil de poèmes de Tsvetaeva (mais je saurais juste le lire, pas le comprendre)(et puis il est énorme) et vois Mrs Dalloway. Virginia Woolf, cela faisait longtemps que je voulais la découvrir. Et ce roman précisément est le préféré de ma correspondante Nina, celui qui apparaît dans The Hours, mon livre de bac anglais. Parfait. En plus il est mince, léger et 2€. Finalement, je me suis fait avoir, c'est un anglais moins simple que celui d'Auster ou Wilde, donc j'ai un peu galéré dans le métro, pour comprendre quelque chose entre deux cahots, trois Espagnols tapageurs et les coups d'oeil rapide sur les stations pour ne pas louper la sortie. Ainsi, lorsque je suis arrivée chez moi, j'ai repris le roman depuis le début, après avoir - enfin! - regardé le film The Hours.
Le troisième des quatre enfants que je garde régulièrement m'a croisé dans le village, mon livre vert pomme à la main. Du haut de ses deux ans, il a le plaisir de découvrir, et aussi de découvrir qu'il sait: Pingouin, là, pingouin annone-t-il en montrant du doigt les deux pingouins du logo.

Penguin Books, 224 pages

Quatrième de couverture:

It is a Wednesday in mid-June 1923 and Mrs Dalloway is to have a party. As she spends the day in preparation, worrying about the evening's success, she looks back over her life at the choices that have led her here. Then an unexpected visitor calls...

Mon avis:*****
Non, je ne vais toujours pas vous faire la blague de rédiger mes notes sur les livres de littérature anglaise en anglais. Non.
De tous les livres anglais lus jusqu'ici - ils sont au nombre intersidéralment élevé de trois - celui-ci était sans hésiter le plus difficile à lire. La langue semble être utilisée avec beaucoup plus de subtilité que Cunnigham, Auster ou même Wilde. Mais pour le coup, la belle Virginia Woolf est aussi celle qui m'a le plus appris à ce niveau là. Ce n'est pas l'anglais que l'on baragouine à l'école, c'est l'anglais de mon ami diplomate: élevé, raffiné, avec un charme quelque peu désuet.
Quand à l'histoire, il s'agit de la vie d'une femme dans une journée. La vie entière d'une femme dans une seule journée. Évidemment, j'ai adoré: Woolf qui se prend le temps de raconter une journée sur plus de 200 pages, je trouve ça génial. Mais ce n'est pas que la vie de Clarissa-said-she-would-buy-the-flowers-herself. C'est celle d'un ami revenu subitement des Indes, celle d'un poète malade que cet ami a croisé à Regents Park dont le médecin se rendra à la fête qu'organise Mrs. Dalloway... C'est comme un fil jeté sur une carte de personnages et que l'on a fixé sur certains d'entre eux avec une épingle, comme des arrêts le long d'une ligne de bus. ce fil qui est parfois aussi suggéré tel quel dans le récit, par la voiture pétaradante qui sillonne les rues matinales de Londres, l'avion publicitaire qui trace des toffee dans le ciel immobile de juin, les sirènes de l'ambulance qui relie le poète à l'ami retrouvé.
Et c'est certainement aussi une troublante autobiographie, autobiographie dans laquelle Virginia Woolf trace déjà son destin. C'est le poète qui doit mourir. Et ainsi, elle mourra, jeune encore, et tellement belle.

Das Glasperlenspiel (Hermann Hesse)

2009-04-20T10:54:00.005+02:00

Fast habe ich meinen Rückstand hier aufgeholt. Fast. Und auch sonst bin ich schier wieder up to date, was eigentlich eher selten der Fall ist.

Suhrkamp, 576 Seiten

Rezension aus Amazon:

Hermann Hesses Alterswerk „Das Glasperlenspiel“ erschien 1943 in Zürich, 1946 erfolgte eine Ausgabe in Deutschland. Bereits 1931 hatte der Autor an dem Werk zu schreiben begonnen. Ohne Zweifel handelt es sich bei dieser letzten großen Prosaarbeit Hesses um keine leichte Kost. Man kann „Das Glasperlenspiel“ wegen seiner Tiefe und Komplexität getrost als Opus für Kenner bezeichnen. Wer sich jedoch damit auseinandersetzen möchte, wird in dem Erziehungs- und Lebensideal, das in einer Synthese von Wissenschaften und Kunst, von Geist und Sinnen besteht, faszinierende gedankliche Ansatzpunkte finden.

Meine Meinung:*****
Es war eine schwierige Lektüre, von der Sprache her wie von dem philosophischen Inhalt. Meine vieleicht schwierigste Lektüre überhaupt. Desshalb hat es mich einige Zeit gekostet, das Glasperlenspiel zu lesen, es sind mir immer wieder andere Bücher dazwischen gekommen, bis ich mir dann Hesses Stil angeeignet hatte und mich hungrig durch das Buch las.
Das Glasperlenspiel ist eines dieser Werke, deren ganzen Sinn mir noch entwischt. Manches verstehe ich, anderes ahne ich, aber vieles bleibt mir noch verheimlicht. Ideen, die sich in mir verborgen haben und die, eine nach der anderen, sich mir zeigen werden, vom Licht des Wissens erhellt. Es ist eines von jenen Büchern, die man nie vergessen wird, und die uns ein Leben lang begleiten werden.
Mehr möchte ich dazu nicht sagen. Ich werde es nochmals lesen, und immer wieder. Und freue mich, "durchgetrotzt" zu haben - es hat sich wirklich gelohnt.

365 Project March

2009-04-19T19:23:00.002+02:00

March 2009, originally uploaded by Lavinie Haala.

J'ai tourné les pages de:
La jeune fille au pair - Joffo
La grande ville - Berberova
Le roseau révolté - Berberova
De cape et de larmes - Berberova
Confessions d'un enfant du siècle - Musset
L'étranger - Camus
Jojo Lapin roi des malins - Blyton (il y avait ça dans mon hôtel à Paris, et comme je n'en avais encore jamais lu...)
Oui-oui et le lapinzé - Blyton (idem)

Mis les pieds à:
Neuchâtel
Paris

Augmenté le volume sur:
Bach
Les pépiements des oiseaux
Mahler

Trois solistes de choc, un grand chef et un excellent orchestre pour Mahler

2009-04-15T19:10:00.003+02:00

Après une course folle dans la forêt, une douche, et, en tailleurs sur mon lit, le pull à capuche est douillet, le hot milk mug sur la table de nuit - my one weakness, j'écoute Mahler. Un enregistrement qui décoiffe, qui... qui.

Mahler Lieder
Quasthoff / Urmana / von Otter
Wiener Philarmoniker / Boulez

Lieder eines Fahrenden Gesellen
Rückert Lieder
Kindertotenlieder

Je me surprends de n'avoir encore jamais parlé de Thomas Quasthoff, baryton hors pair, que j'ai eu la joie immense de découvrir pour la première fois, en live à Verbier, lors d'une répétition générale. Thomas Quasthoff, la voix et l'homme, tous deux admirables. Cet enregistrement me le fait découvrir dans un répertoire différent de celui que je lui connaissais (majoritairement les cantates de Bach et les Lieder de Schubert), mais dans lequel il excelle également.
Violetta Urmana est une découverte absolue - et belle.
Anne Sofie von Otter m'était déjà connue de par le Rosenkavalier de R. Strauss et divers autres productions, et figure, au même titre que Quasthoff, sur ma liste des top ten. Et mon opinion de Pierre Boulez, vous vous en souvenez peut-être.

Les Lieder eines fahrenden Gesellen sont légers, avec une note pastorale et des accents de chanson populaire, mais Thomas Quasthoff ne tombe pas dans le piège d'une interprétation facile, mais sa compréhension du texte et l'importance qu'il lui donne rendent ces Lieder très émouvants. Il y a également une symbiose avec l'orchestre, qui traduit littéralement les affects de Quasthoff, les reflète et les complète. Je pense notamment aux flûtes si âcres dans le 3ème numéro Ich hab ein glühend Messer, qui imagent si bien les déchirement de ce coeur transpercé par un couteau. De loin l'une des meilleures interprétations.

Violetta Urmana s'avère être une soprano très aérienne, légère et lumineuse, par opposition au soprano mûr et consistant d'Anne Sofie von Otter. En cela, la première convient parfaitement au 5 Rückert Lieder tandis que von Otter excelle dans le dramatisme douloureux des Kindertotenlieder. Urmana a une aisance qui s'étend jusque dans les sauts les plus périlleux, et confère un côté juvénile et ungestüm à ces 5 Lieder. Elle se fond avec le hautbois solo dans ce magnifique contrechant dans Ich atmet einen linden Duft dont elle arrive à imiter vocalement la couleur claire et innocente.

Le dernier cycle que nous offre cet excellent disque est celui des Kindertotenlieder, déjà presque un VIP sur ce blog. Comme j'ai entendu ces Kindertotenlieder il y a peu à Pleyel, je peux encore comparer le trio Stutzmann / Eschenbach / Orchestre de Paris avec celui von Otter / Boulez / Wiener Philarmoniker. Heureusement pour les premiers, je n'avais pas encore pris connaissance de cet enregistrement lors du concert à Pleyel. La qualité de l'interprétation d'Anne Sofie von Otter et la précision de Boulez sont remarquables, et ici, l'orchestre ne mange pas la chanteuse et la chanteuse ne mange pas ses mots. Von Otter chante avec les tripes, mais sans vulgarité, sa souffrance n'est pas un artifice surfait, c'est la simplicité de la douleur, illuminée par la tendresse des souvenirs.
C'est très, très beau.

Un dernier paragraphe pour sautiller de plaisir pour le travail de l'orchestre - les vents absolument superbes, cela faisait longtemps! - et la baguette rigoureuse mais non insensible du petit Français.

A acheter, là, maintenant, tout de suite.

Hélène Grimaud plays Brahms, Klavierstücke op. 116-119

2009-04-11T12:55:00.007+02:00

J'ai dû me rendre à la triste évidence: je ne suis pas assez riche pour aller régulièrement au concert- du moins pas aussi régulièrement que je le souhaite, ce qui serait dans l'idéal une fois par semaine. (Oui, je sais, j'ai des goûts de luxe, un peu.) Mais comme la musique supplante tout, y compris la littérature, il fallait qu'il en soit de même sur ce blog. Je me replie donc vers l'alternative du concert: l'enregistrement discographique. Et espère étoffer la rubrique cd review.

Disques de ma bibliothèque personnelle, emprunts de la médiathèque, plage trouvée au gré de mes pérégrinations sur internet, ces articles sont d'abord destinés à mon propre usage, comme pense-bête des acquisitions dans ce domaine. Mais vos commentaires seront évidemment toujours les bienvenus, d'autant plus qu'ils sont constructifs (par exemple que je suis belle et intelligente).

Aujourd'hui, un excellent album paru chez Erato:
Les Klavierstücke op. 116, 117, 118 et 119 de Brahms, par l'excellente Hélène Grimaud, dont il n'a encore jamais été question ici - honte à moi.

Brahms - Hélène Grimaud

Piano Pieces Op. 116-119
Erato, 1996

Les Klavierstücke Op. 118 avaient déjà été l'objet d'une discussion comparative (ici et surtout là) de plusieurs interprétations trouvées sur le net. Voici maintenant un enregistrement supplémentaire - et quel enregistrement!

Hélène Grimaud me convainc beaucoup dans Brahms en général, et dans ces Klavierstücke en particulier. Le son est soigné, la palette d'émotions subtile et utilisée avec beaucoup de finesse et de sensibilité.
Il y a un plaisir du son, des différentes voix, du geste, et on imagine Hélène Grimaud évoluer dans des mouvements amples et bien dessinés, comme une danseuse dans un ballet, la générosité des bras, la délicatesse des poignets et la précision des doigts, pour offrir un Brahms tour à tour profond et généreux, passionné et tourmenté, tendre et souriant, rêveur et intime. Il y a par moments quelque chose de féminin dans son jeu, qui convient à merveille au Brahms des Klavierstücke, entre autre à la berceuse op.117 n°1.
Elle sait se glisser dans la profondeur de Brahms, dans les différentes couches sonores, et semble comprendre avec une intuition naturelle l'essence du compositeur, ce qui en fait une brahmsienne que j'apprécie de plus en plus au gré de mes découvertes.

à acquérir.

Ce bref extrait vidéo montre à mon sens bien l'attention portée à chaque note:

Il avait plus tout dimanche (Philippe Delerm)

2009-04-10T18:12:00.007+02:00

Je voulais vous relater ma soirée à l'opéra Garnier, avec le spectacle de l'école de danse, je me suis rendue compte que je n'y connaissais rien au ballet.

Je voulais vous parler de l'exposition au musée d'art et d'histoire de Judaïsme, je me suis rendue compte que je ne savais pas comment en parler.

Alors je vous livre ma critique d'un tout petit livre, un tout petit condensé de Paris.

Folio, 116 pages

Quatrième de couverture:

"Revoir Paris." Arrivé à la gare du Nord, monsieur Spitzweg se surprend à siffloter la chanson de Trenet. Ah oui! finalement, c'est surtout pour ça qu'il est parti. Dans la rumeur de sept heures du matin, une grande bouffée de Paris lui monte au cœur, et c'est plus fort que toutes les vagues de la mer du Nord. Il prend un café sur le zinc, dans les annonces des haut-parleurs : "Le T.G.V. 2525 à destination de Bruxelles partira de la voie 8..." Mais on peut bien parler d'ailleurs, Arnold sait désormais qu'il est ici. Cette désinvolture du serveur, l'odeur des journaux frais, un je-ne-sais-quoi de parisien dans l'arôme du café... Monsieur Spitzweg reprend sa valise et hume les couloirs du métro comme un jardin d'essences rares. Les carreaux de faïence, la couleur des affiches, tout lui plaît. Dans le wagon qui le ramène à Guy-Môquet, il y a un Noir avec un gros vélo rouillé auquel il manque une pédale.

Mon avis: ****
Petit livre occasion pour 1€, trouvé sur le Boulevard St-Michel, parce que ça faisait longtemps que je voulais lire Delerm, c'est dans le TGV à destination de Genève que je l'ai lu, d'une traite. Je ne dirai rien d'autre que ce que j'avais déjà écrit ici:

Delerm captured Paris in this short book; I feel like I was still there, the smell of the metro, the jingle of SNCF, the light noisy cafés, markets, people, streets I walked down, places I stopped by...
A kind of love letter to the "Ville Lumière" .

Et pour rester dans l'ambiance Paris, Delerm, toujours, mais Vincent, et en musique:

La salle Pleyel reçoit la crème des Fin de Siècle viennois

2009-04-06T21:14:00.005+02:00

Salle Pleyel, Paris, 01.04 et 02.04.2009, 20:00

Paris contient désormais une foule de petits rituels - regarder les gens à la terrasse d'un café, faire les librairies Boulevard St-Michel, lire dans le métro, oublier de manger et marcher à avoir les pieds en sang. Et aller à un concert à Pleyel.
L'automne, c'était mon pianiste préféré dans un récital de Lieder russes. Pleyel intime, feutré, apaisant comme un cocon. Au printemps, c'est Pleyel éclatant, enivrant de chromatismes, grandiose et étourdissant de puissance, avec Mahler et Bruckner et un orchestre immense - 9 contrebasses, et bien 70 musiciens sur scène pour Bruckner! (et oui, je viens de la province et n'avais encore jamais vu un tel effectif. C'est assez trippant la première fois.)

La première moitié du concert préparait à l'explosion brucknerienne avec les émouvants Kindertotenlieder de Mahler, chantés par la contralto Nathalie Stutzmann, qui savait rendre ces douloureux poèmes extrêments vivants. Malheureusement, sa belle voix grave était souvent engloutie par l'orchestre, de sorte qu'il fallait souvent tendre l'oreille pour l'entendre, également pour comprendre le texte, heureusement imprimé sur les programmes. Malgré cela, ce sont les bustes tendus en avant et le souffle retenu que le public écoute ces chants de souffrance aveugle, et le silence qui précède les applaudissements est lourd, angoissant.

En seconde partie, la scène s'est remplie, et la salle s'est peu à peu vidée durant le premier mouvement de la neuvième de Bruckner. Cette oeuvre magistrale que le chef titulaire de l'Orchestre de Paris présente aux mélomanes de la capitale ne semble pas être au goût de tout un chacun. Il faut dire que les forte sont réellement forte, les tympans bourdonnent et la fin du concert les laissera douloureux jusqu'au lendemain. Mais.
La masse des musiciens est dirigée par une main de maître, une main de fer qui coordonne ajuste et façonne les sons. Ce sont une cinquantaine d'archets qui fendent l'air simultanément, un bonne vingtaine de vents qui attaquent les notes dans un même souffle. Eschenbach semble baser son interprétation sur les contrastes sonores. L'orchestre gonfle et se tend jusqu'à faire mal, et soudain, c'est ce silence assourdissant qui laisse pantelant. Pour ma part, j'aurais aimé qu'il laisse ces silences plus larges, pour leur donner toute leur puissance, au lieu de passer parfois un peu trop vite. Néanmoins, c'est une oeuvre grandiose qui fait trembler les murs de Pleyel. Dans le scherzo, si certaines attaques des cordes étaitent parfois un peu molles en comparaison avec l'excellente précision des vents, le mouvement a sû garder une bonne cohésion entre les différentes sections de l'orchestre, et l'énérgie quasi puérile a pu être conservée tout au long de ce deuxième mouvement. Un magnifique mouvement lent, lyrique et chaleureux, dans lequel je déplore uniquement les violons, trop sages et pas assez parfumés dans les grands traits mélodieux. Peut-être trop légers, trop français? Le finale revient avec ses contrastes et sa grandeur démesurée caractéristique des oeuvres de cette époque - je ne parle ici pas que de la musique, mais de l'art en général.
C'est une très belle interprétation, osée, douloureuse pour les oreilles, et qui laisse complétement groggy. Mais ce n'est pas encore ma version de référence. Celle-là, je la cherche toujours (si vous avez des suggestions...).

la Cité en ombre chinoise

2009-04-05T19:16:00.002+02:00

la Cité en ombre chinoise, originally uploaded by Lavinie Haala.

Je suis de retour - j'aurais voulu ne pas.

Beaucoup de matière pour beaucoup d'articles, des photos qui se comptent en centaines, des livres qui s'empilent, et cette poésie qui sent le café, la foule, les ponts et la magie des noms de rues.

Paris

2009-03-30T20:01:00.002+02:00

Lire au Luxembourg, originally uploaded by Lavinie Haala.

Je reviens samedi au soir.

Garçon! Un café crème et deux croissants, s'il vous plaît!

Confessions d'un enfant du siècle (Alfred de Musset)

2009-03-28T11:36:00.006+01:00

Je ne sais pas chez vous, mais ici, dans la campagne helvétique, le ciel est si lourd de pluie qu'il en semble tiré vers la terre. Alors on moud du café, on dispose deux biscuits sur la soucoupe et on verse un peu de lait dans la tasse colorée. Une journée parfaite pour avancer dans mes lectures - et mes travaux.

Folio, 268 pages

Quatrième de couverture:

Alors ces hommes de l'empire, qui avaient tant couru et tant égorgé.... se regardèrent dans les fontaines de leurs prairies natales, et ils s'y virent si vieux, si mutilés, qu'ils se souvinrent de leurs fils , afin qu'on leur fermât les yeux. Ils demandèrent où ils étaient; les enfants sortirent des collèges, et ne voyant plus ni sabres, ni cuirasses, ni fantassins, ni cavaliers, ils demandèrent à leur tour où étaient leur pères.Mais on leur répondit que la guerre était finie, que César était mort, et que les portrait de Wellington et de Blücher étaient suspendus dans les antichambres des consulats et des ambassades, avec ces deux mots au bas: salvatoribus mundi.

Alors il s'assit sur un monde en ruines une jeunesse soucieuse.

Mon avis: ****
Ce n'est là que ma deuxième lecture de Musset (!), la première ayant été Lorenzaccio, comme livre de bac. Je pense que j'ai préféré la pièce de théâtre à ce roman, qui est par moment réellement trop larmoyant pour moi. Toutefois, la fin élégante, noble même, sauve l'opus. Pour être sincère, je sais très bien qu'une grande part de mes réticences face à ce style parfois exagérément grandiloquent et pathétique vient du fait que je me sais parfaitement capable sinon de tenir les discours d'un Octave du moins de les penser et de les ressentir. Et voir cela par écrit me montre le ridicule de ses transports passionnés.
Mais pour en revenir aux Confessions, il me semble qu'il s'agit d'un roman clé dans la compréhension de la psychologie qui caractérise cette époque, faire le mal alors qu'on souhaitait pourtant de tout coeur faire le bien, comme Paul le disait déjà dans le NT. Musset a également rédigé une sorte de préface extrêmement intéressante et pertinente sur les causes de cette jeunesse soucieuse, et l'idée d'expliquer un mouvement artistique par des fait socio-historiques n'est pas sans me déplaire.
Dans tous les cas, un classique qu'il faut avoir lu au moins une fois dans sa vie.

La vie de Liszt est un roman (Zsolt Harsányi)

2009-03-24T19:26:00.001+01:00

Dernière critique en retard, en ensuite je suis à nouveau à jour, ce qui tombe bien puisque j'ai presque terminé les Confessions d'un enfant du siècle et que je retourne tout bientôt à Paris pour quelques jours, avec plusieurs musées au programme, et des concerts aussi.

Actes Sud, 532 pages

Quatrième de couverture:

Il se décida pour une partition de Beethoven. La sonate pour piano en ré majeur opus 10. Il aplatit la feuille, ses yeux étincelaient de joie. Le mouvement presto de la sonate, le premier, commençait par une octave plaquée de la main droite. Il pensa au supplice affreux que lui avaient fait endurer les octaves quand il était plus jeune. Sa main était trop petite, la distance entre son pouce et son petit doigt ne couvrait pas les huit notes, quelque grands que fussent ses efforts pour les écarter. Il ne parvenait à frapper une octave qu'en trichant, d'une main qui se déplaçait à la vitesse de l'éclair. A l'âge de sept ans il jouait encore ainsi. A cette époque il se récitait chaque soir des prières secrètes pour que ses mains grandissent plus vite, et plus d'une fois l'envie le traversa de se taillader entre les doigts avec le rasoir de son père. Il était tourmenté par le désir indicible de pouvoir jouer à n'importe quel prix ce qu'il voyait imprimé sur les partitions. Alors qu'il déchiffrait pour la première fois une composition de Ries, il découvrit avec stupeur qu'il fallait de la main gauche frapper une dixième. Comment pourrait-il donc taper de sa petite main un intervalle de dix notes ? Son zèle démesuré le rendit inventif : tandis que de sa main droite il jouait en haut la mélodie, et en bas, de la gauche, la note inférieure de la dixième, il se pencha au-dessus du clavier et frappa du bout de son nez la note manquante. Son père fut secoué de rire pendant plusieurs minutes puis il le serra contre lui et l'embrassa. Mais lui ne riait pas. Il haïssait son impuissance.

Mon avis: ****
Une biographie romancée, c'est toujours à prendre avec des pincettes, car il y a forcément une part de fiction - si on nous débitait une suite de dates et faits, ce serait sec et ennuyant, même pour Liszt. On veut quelque chose de vivant, alors on est forcé d'inventer, et quand bien même on étudiais longuement la personnalité de Liszt, les discours et états d'âme resteront le fruit de l'imagination de l'auteur, de sa vision du personnage, de sa compréhension des événements.
Toutefois, si ce livre ne saurait servir de référence pour des études "scientifiques" sur le compositeur, il n'en demeure pas moins un très bon compagnon dans la compréhension du génial musicien que fut Putzi, et offre au lecteur un aperçu panoramique des différentes personnalités qui marquaient la vie non seulement musicale, mais également culturelle, sociale et politique durant la vie de Liszt.
Et nul doute que d'éventuelles erreurs auront tôt fait d'être rectifiées à la lectures de livres plus scientifiques. Voir directement à la lecture de celui-ci - le Righi qui est en réalité le Rigi, Madame Wesendonck qui s'appelle Mathilde et non pas Matild, etc.
Un roman qui se lit vite et agréablement, prenant et instructif, et certainement une bonne première approche de cet étrange personnage que fut Franz Liszt. Voir une approche tout court, pour ceux qui n'ont pas la chance d'étudier la musicologie.

l'ESN invite un chef et un soliste pour un programme placé sous le signe de la création

2009-03-23T19:17:00.005+01:00

Temple du Bas, Neuchâtel, dimanche 22 février 2009, 17:00

C'était dimanche. C'était les vacances. J'avais oublié ce léger détail, qui s'est avéré être de première importance lorsque j'ai consulté l'horaire des bus à l'arrêt: rien avant une demie heure. Sauf que dans une demie-heure, mon concert aurait déjà commencé. Il a fallu aller à la gare, attendre, attendre, puis sortir en courant, traverser la ville au triple galop, glissant dans la neige collante, et entrer à la dernière minute dans le Temple du bas. Ouf!

Deux pièces contemporaines dont une création, un concerto et une symphonie. De quoi rester bien réveillé. L'ESN - Ensemble Symphonique de Neuchâtel (fusion entre l'OCN et l'OSN (orchestre de chambre, respectivement symphonique de Neuchâtel) jouait sous la baguette de l'excellent chef invité Noam Sheriff et avait l'honneur d'accompagner le grand clarinettiste Pascal Moraguès dans le concerto pour clarinette de Weber.
En préambule au concert, Noam Sheriff a pris le micro, pour expliquer, dans un anglais à l'accent chaleureux et plein d'humour, les deux pièces contemporaines, la création de Vincent Pellet, et sa propre composition, Prayers. Une initiative encore trop peu prise, alors qu'on sait à quel point la connaissance aide à la compréhension, qui elle est un élément clé dans l'appréciation d'une œuvre. Donc - commentez, ou faites commenter les œuvres, parce que le nombre d'auditeurs qui lisent le programme est très restreint.

La soirée s'ouvrait sur ESN 253, commande de l'ESN à Vincent Pellet, présentée en création mondiale. J'avais déjà eu l'occasion d'entendre l'une de ses oeuvres lors du concert de clôture du conservatoire neuchâtelois, si ma mémoire est bonne, et je crois pouvoir affirmer que j'ai du plaisir à ses compositions. Cette nouvelle partition entendue ce soir n'a pas changé mon opinion. Je n'ose pas trop m'aventurer à une présentation de l'oeuvre, car les notes prises dans mon petit carnets s'enchevêtrent d'une telle manière qu'il me paraît impossible de ne pas mélanger les éléments des deux compositions contemporaines de cette soirée. Mais, si je ne m'abuse, c'est bien chez Pellet que le thème ne fait curieusement son apparition qu'à l'extrême fin. Et pour éviter de trop m'embrouiller, voici le court - trop court! - descriptif tiré du programme:

Commande de l’Ensemble Symphonique de Neuchâtel, ESN 253 fait référence au métal radioactif découvert pour la première fois sous la forme de son isotope 253, récupéré dans les débris résultant d’une explosion thermonucléaire (bombe H) : l’einsteinium (Es). En physique nucléaire et en chimie, deux atomes sont dits isotopes s’ils ont le même nombre de protons en leurs noyaux mais un nombre de neutrons différent. On obtient de l’einsteinium (Es) en bombardant les atomes de plutonium avec des neutrons lents (n), ce qui aboutit aux initiales Esn. Dans la pièce « Esn 253 », les différents éléments chimiques de l’einsteinium sont représentés par des sons clefs : H = si, Es = mib, etc… L’oeuvre est construite en une suite de réactions en chaînes. Deux séries de notes distinctes se confrontent, ce qui aboutit à de nombreuses explosions sonores et de flux rythmiques. Les différentes unités rythmiques et harmoniques vont peu à peu s’organiser, fusionner pour se transformer en une ligne homogène puis une seule note, le mib.
Vincent Pellet.

Noam Sheriff expliquait également la symbiose des Juifs allemands de la fin du XIXe siècle, dans leur combination entre culture, intellect, etc. On citera évidemment Einstein, mais également Freud et Schönberg, qui ont changé le monde, volontairement ou involontairement, progrès ou catastrophe.
Une oeuvre que l'orchestre et le chef semblaient avoir à coeur, et qui a été jouée avec beaucoup d'engagement.

Venait le concerto pour clarinette de Weber, lequel nous a permis d'admirer la musicalité et la virtuosité du soliste. Dans cette pièce, on sentait malheureusement également un orchestre quelque peu déstabilisé par la présence d'un soliste et d'un chef invité, et à plusieurs reprises, chacun a du y mettre du sien pour que soliste et orchestre jouent la même musique, avec un conflit évident dans le troisième mouvement, entre l'orchestre qui s'accrochait au tempo pris par leur chef et un Pascal Moraguès qui tentait de prendre de la vitesse à la moindre occasion. (Ce qu'il a d'ailleurs confirmé au moment de donner son bis, qu'il a annoncé comme La même chose, mais plus vite.)(Mais l'orchestre a gardé son tempo avec une précision de métronome.)
Pascal Moaraguès a un son absolument époustouflant dans les sonorité piano, noble et plein, tout ce que la clarinette sait offrir de meilleur, et une virtuosité facile, presqu'en passant, avec une joie quasi enfantine à être sur scène. Par contre, j'aime moins ses forte, mais cela, c'est sans doute plus dû à mon rapport avec l'instrument qu'aux capacités du soliste; la clarinette ne cessera jamais de m'intriguer pour la noblesse de son son dans les faibles puissances d'une part - quel plus beau dolce que celui produit par une clarinette? - et la coleur criarde à la limite du vulgaire dès qu'il faut donner de la puissance.

Prayers de Noam Sheriff, c'est la chaleur écrasante du midi, dans les rues vides et immobiles, avant que tout cela ne s'anime en discussions virulentes, like an disput in a synagogue. Les arguments fusent, le ton monte, la tension également, avant de retrouver ce Es synonyme de paix, comme si tout le monde s'était mis d'accord. Vous pouvez le lire, une oeuvre et une interpretation très imagée, presque un théâtre.

En final, la 8ème de Beethoven, pour laquelle l'acoustique du Temple du Bas ne semble pas adaptée. Elle m'a paru beaucoup trop sèche pour cette pièce chaleureuse et passionnée. C'était bien pour les œuvres contemporaines, et puis Weber, pourquoi pas. Mais pas pour ce Beethoven. Cela manquait également de fusion entre les vents et les cordes, qui sonnaient comme deux clans distincts, les Montagues et les Capulets de l'orchestre (Le chef et le percussionniste étant les neutres, ou Roméo et Juliette). Mais malgré cela, les musiciens se sont jetés sur ce Beethoven comme des affamés, tout à leur affaire, heureux de jouer cette musique grandiose - un peu trop pour les cuivres, excessivement forts et mal accordés (Les cors!!!) - qui fuse de partout, tourbillonne et vous laisse complètement abruti après l'évanouissement de la dernière note.

La Fondation Beyeler vogue à Venise, de Canaletto et Turner à Monet

2009-03-18T14:13:00.007+01:00

Vite, vite, hurry up! Trois jours à peine avant la fin de cette exposition, dont nous parlions déjà en juillet passé, Momo'n et moi sommes retournés à la Fondation Beyeler. Retrouver les grincements du petit train, les wagons allemands à Basel Badischer Banhof, et les maisons coquettes de Riehen.

Mais - enöff, comme dirait la tante dans Der Turm de Tellkamp.

Les expositions de la Fondation Beyeler sont généralement assez petites, en raison de la taille des locaux, ce qui est bien lorsqu'on aime pas trop les toiles présentées (comme ce fut le cas pour Fernand Léger, décidément pas mon peintre), mais qui s'avère vaguement frustrant lorsque l'exposition est plaisante, comme le fut celle-ci, dédiée à Venise.

Parmi les artistes représentés figuraient Monet, Signac, Canaletto, Manet, Turner, Singer Sargent et son copain Whistler, Renoir. Et quelques autres.
C'était surprenant de voir des paysages peints par les grands artistes Whistler et Sargent de la fin du XIXe siècle, que je ne connaissais que sous leur angle de portraitistes. Chez Sargent, on voit une réelle mise en scène du spectateur, qui se trouve dans le décor -j'ai fait de la gondole pour la première fois de ma vie à Bâle, dans une galerie.
Suivaient les toiles colorées comme des dragées de Signac, quelques pièces maîtresses de Monet, complétées par des oeuvres d'Odile Redon, Edouard Manet, Claude Renoir. Une salle dédiée au croquis de Whistler et Sargent, une autre au dramatisme de Turner, avant de terminer avec Canaletto et Guardi, et leur precision minutieuse.
Une exposition extrêmement diversifiée, et qui présente assez bien les différentes visions de Venise au fil de l'histoire de l'art, bien que celle-ci semble s'arrêter aux impressionnistes. Mais mis à part l'absence totale de peinture contemporaines, l'après-midi dans les murs de la Fondation était des plus agréables, comme toujours. Et se termine en admirant, une fois n'est pas coutume, les Nymphéas de Monet, dont la Fondation possède une toile.

___________________
compte rendu ici et ici également.

De cape et de larmes (Nina Berberova)

2009-03-18T13:38:00.004+01:00

Dernière nouvelle de ma série de Nina Berberova avalée en deux jours, début mars. Ici, on retrouve le quotidien de grisaille, d'alcool et d'absence d'espoir de la Russie soviétique du début du siècle, telle qu'on la connait également chez Makine.

Actes Sud, 96 pages

Quatrième de couverture:

Elles étaient deux sœurs, Ariane et Sacha, à Pétersbourg en 1920, et les voici ressuscitées sous nos yeux en quelques traits d'une efficacité incomparable. Leur mère est morte et le nouveau régime les contraint de vivre avec leur père dans une précarité insupportable. Ariane décide donc de suivre Samoïlov, un théâtreux marié, et laisse à Sacha, la narratrice, le soin d'en avertir le père, de lui porter ce coup. Vingt ans plus tard, à Paris, Sacha retrouve Samoïlov qui revient du goulag. Ariane est morte, le père aussi... Leur rencontre est comme une apostille dur le destin.

Mon avis: *****
Je ne sais pourquoi la désolation de la Russie communiste me fascine à ce point. Nina Berberova la peint ici dans une chambre exiguë, le divan partagé par les sœurs qui dorment tête-bêche, Sacha entourant de ses bras les genoux de sa grande sœur adorée, le père au rire nerveux derrière un paravent. La comtesse polonaise qui vient raconter des histoires d'avant, les courses dans la neige pour un quignon de pain.
Tout comme ses compagnons d'infortune, Nina Berberova décrit la vie précaire avec simplicité et humilité, sans pathos ni révolte, faisant sienne la devise Es muss seyn qui ouvre le quatuor op. 135 de Beethoven et que Kundera utilisera comme Leitmotiv dans son Insoutenable légèreté de l'être. Résignation et privation de la petite Sacha à Pétersbourg, résignation et privation de la jeune Sacha à Paris. There's no hope. Il faut se débrouiller pour (sur)vivre jusqu'au lendemain,;les hommes naissent et meurent, dans l'indifférence générale, inlassablement, et chaque jour recommence comme le précédent.

Le roseau révolté (Nina Berberova)

2009-03-17T21:19:00.002+01:00

Suite des critiques de mes dernières lectures, il faut que je me dépêche, sans quoi je vais définitivement prendre trop de retard.

Actes Sud, 68 pages

Quatrième de couverture:

La guerre, en septembre 1939, sépare ces amants. Lui, Einar, part pour Stockholm. Elle reste à Paris, afin de s'occuper d'un vieux savant que les Allemands finiront par arrêter. La paix revenue, elle écrit à Einar, en Suède, des lettres qui reviennent: destinataire inconnu. Jusqu'au jour où, allant là-bas, elle découvre...

Mon avis: *****
Dans cette autre nouvelle de Nina Berberova, on sent un désespoir résigné, le vieux savant sont il faut s'occuper, l'arrestation et la mort de celui-ci, les livres qui lui restent. Puis cet homme, que la jeune émigrée russe aime encore, qu'elle retrouve en Suède. Qu'elle retrouve privé de son no man's land. Et cette femme qui veut la priver elle aussi de cet espace. La nouvelle se termine ici dans une sorte de cri de victoire - moi, je ne me laisserai personne me dicter ma vie; je garde ma liberté. Et ma fierté. Et la jeune femme russe s'en va.
Un appel à garder sa dignité coûte que coûte, au détriment d'un bonheur trompeur et médiocre, et Nina Berberova qui nous offre un moment riche en émotions qu'elle appose comme de petites touches de couleurs d'une toile impressionniste.
Le roseau se révolte et refuse de se plier.

La grande ville (Nina Berberova)

2009-03-16T22:37:00.005+01:00

Après avoir retrouvé Joseph Joffo dans les rayons de la bibliothèque, j'ai eu très envie de retrouver l'univers de Nina Berberova, univers gris et morne de ceux qui vivent en exil. Univers douloureux de la désillusion. Et cette solitude devenue maîtresse des vies. Trois nouvelles, dont voici mon compte rendu pour la première, La grande ville.

Actes Sud, 30 pages

Quatrième de couverture:

J'ai compris que chacun avait apporté dans cette grande ville ce qu'il avait: l'un, l'ombre du prince d'Elseneur, l'autre, la longue silhouette du chevalier espagnol; le troisième, le profil du séminariste de Dublin, cet immortel; la quatrième, un rêve, une idée, une mélodie. La chaleur torride d'une vallée, le souvenir d'une tombe ensevelie sous la neige; une formule mathématique, divine dans sa grandeur, ou le tintement des cordes d'une guitare... Tout cela s'est fondu dans cette ville, sur ce cap, formant cette vie à laquelle je m'apprête à participer.

Mon avis: *****
Vingt-trois pages. Et c'est tout un monde, avec ses sensations, ses senteurs, ses odeurs, ses saveurs et ses émotions qui s'ouvre, comme la mer qui apparaît subitement, au détour de la route. Nina Berberova, c'est ce don extraordinaire de nous peindre un récit en quelques coups de plume, puis de l'animer, comme Dieu qui souffle sur Adam pour lui donner la vie. Nous nous trouvons ici dans une grande ville, probablement aux USA, l'émigré débarque, il n'a presque rien, et le souvenir de cette femme sur les bords cléments de la Méditerranée. Sans doute d'inspiration autobiographique (la nouvelle a été écrite en 1952, deux ans après l'émigration de l'écrivain aux États-Unis), le texte est empreint de mélancolie, et de ce vide sidéral qui caractérise l'œuvre de beaucoup d'émigrés d'une part, et l'œuvre de Nina Berberova d'autre part. Simple, sans pleurs, sans plaintes ni soupirs superflus, Nina Berberova épure sons récit pour n'en garder que l'essence de celui-ci.

____________________
une très bonne critique ici.

La jeune fille au pair (Joseph Joffo)

2009-03-16T21:48:00.006+01:00

Jeudi, je me suis évadée à la bibliothèque après mon cours de piano. Je voulais entre autre retrouver le titre et l'auteur d'un roman sur le Christ que j'avais lu il y a quelques années (La dernière tentation du Christ de Nikos Kazantzaki, qui a apparemment inspiré le film contesté de Scorsese, que je n'ai quant à lui jamais vu - beaucoup trop violent pour moi). Bref. Et je me suis retrouvée face aux romans de Joseph Joffo, l'auteur du grand classique Un sac de billes que j'avais lu dans mon enfance, ainsi que toutes les oeuvres en possessions de la bibliothèque. Toutes? Non! J'ai tiré du rayon un livre intitulé la jeune fille au pair, en me disant, ben tiens, exactement ce que je fais en ce moment! En lisant la quatrième de couverture, j'ai réalisé que c'était même exactement ce que je suis en ce moment:

Hachette, 186 pages

Quatrième de couverture:

Montmartre; à la Libération.
Jeune Allemande arrivée à Paris, Wanda devient fille au pair auprès d'une famille juive, les Finkelstein. Elle espère ainsi pémétrer dans cette communauté et comprendre ces gens que les Nazis avaient voués à l'extermination.
Peu à peu, grâce à Samuel, Hélène et leurs enfants, la jeune fille va dépouiller ses préjugés et commencer d'apprécier et de mieux comprendre ce peuple qui se découvre à elle. Pourtant, malgré l'amitié neuve qui la soutient, il lui arrive de disparaître sans raison ni objet. Qu'est-elle venue chercher là, en fait? La paix? Le pardon, la libération de sa mémoire? Et si oui, de quoi? Quel est le secret qui hante la vie de Wanda?
Ce récit bouleversant, mais tendre et drôle aussi, est l'histoire d'une expiation où le coeur mène l'esprit, où l'apprentissage de la fraternité humaine débouche sur une véritable conversion intérieure.

Mon avis: *****
Ces distribution d'étoiles sont toujours extrêmement subjectifs et imprécis. Il est évident qu'il y a des auteurs que je trouve plus "littéraires", qui ont un usage de la langue beaucoup plus raffiné et percutant. Mais Joseph Joffo a été un des auteurs qui ont bercés ma pré adolescence, et qui m'ont permis d'entrer un peu dans le destin noble et douloureux du peuple Juif. Et ce roman est un très bel acte de réconciliation envers les Allemands de cette génération - sa génération - qui a subit la guerre dans son enfance et qui s'est retrouvée avec le poids immense de la faute de ses parents. Mais le récit touche également la deuxième génération, celle des petits-enfants de ceux qui ont porté les armes. Étant moi-même Allemande de par mon père, je me suis retrouvée dans le personnage de Wanda. Que fais-je d'autre que de tenter, depuis ma prise de conscience du lourd passé de mon pays, de me réconcilier avec l'horreur nazie? Comme Wanda, je me sens coupable - le fait que je n'aie pas moi-même tué n'est pas un argument valable; j'ai eu la chance de naître quarante ans après la guerre, c'est tout. C'est rien. Et, comme Wanda, j'aimerais partir comme jeune fille au pair, officiellement pour apprendre une langue, officieusement pour vivre au sein d'une famille juive, les aimer, chercher le pardon. Joseph Joffo a su se mettre dans la peau de ceux dont les parents ont déporté ses propres parents, tué son père, ses oncles, ses tantes, ses amis, et mettre le doigts sur leurs souffrances d'enfants de bourreaux. Je salue le courage, la sagesse et l'amour de Joseph Joffo.

Schachnovelle (Stefan Zweig)

2009-03-12T20:53:00.005+01:00

Nichts geht mehr: die Literatur hat hier die Musik überholt. Ich muss dringende Massnahmen ergreifen, um dies zu beheben. Also nach diesen Einträgen wird hier weider mehr über Musik geschrieben. Ich hoffe auch, dass ich bald wieder mal ins Konzert gehen kann. Nun aber - Stefan Zweig, die erste Begegnung.

Fischer, 110 Seiten

Meine Meinung: *****
Um halb Zwölf in der Nacht habe ich das Buch aufgeklappt, und nach zehn Seiten spätestens war mir klar dass ich das Licht nicht auslöschen würde, ehe ich diese Novelle zu Ende gelesen hätte. Und so war es dann auch. Um zwei Uhr morgens war ich fertig damit, und zeimlich verwirrt durch diese Atemberaubende Geschichte. Und fands schade, dass ich Schach nie richtig spielen gelernt habe, dabei möchte ich schon seit Jahren spielen. (Am gleichen Abend hatte ich auch noch einen Film gesehen, der sich um Poker dreht, dass ich noch weniger behersche.)(Grosse Frustration also.)
Es fällt mir ziemlich schwer zu sagen, was mir in dieser Novelle so gefallen hat. Es war mir einfach unmöglich, das Buch loszulassen, obwohl ich, wie gesagt, von Schach keine Ahnung habe. Wenn Zweig immer so fesselnd ist, dann freue ich mich sehr auf weitere Lektüren!

monthly issue - March 2009

2009-03-08T20:48:00.008+01:00

photographie.
Tomilym (ici, là, en anglais, en japonais)et ses polas doux comme un matin

poésie
. Karlheinz Barwasser, Passover, pour son rythme:

Nicht weitersagen: was zu sehen ist, bleibt
der Körper. Übend den Schein, gebeugt, der
Arm zum Zwang, doppelt gebeugt: weiter in
Geduld. Wir Tiere unter anderen Tieren, eines
fällt als Laterne, eines als Lüster, strahlend
noch (neben Mazzen, Bitterkraut, Eiern und
Wein) der Knochen und Lehm, und auch die
Hemden gestärkt, gebügelt. Wir finden uns
lebendig, das nützt der Scham: abgeleuchtet,
knietief gebeugt. Abglanz, sieben Tage, ganz
kranke Not. Nur was sich öffnet, bleibt Kontur

source d’inspiration
. les promenades à la tombée du jour
. l’atmosphère des livres de Nina Berberova
. le clavier bien tempéré de Bach

j’aime
. les odeurs intense du jour mourant
. m'oublier dans un livre
. croire que .

trois habitudes de la journée
. une oppression douloureuse sur la poitrine
. les nuits blanches avec un livre
. les quatuors de Beethoven

musique
. Beethoven – Streichquartett op.135, IV – Hagen Quartet

(Le Leitmotiv Muss es seyn? -Es muss seyn dans L'insoutenable légèreté de l'être de Milan Kundera.)

Abendlicht (Stephan Hermlin)

2009-03-07T20:14:00.003+01:00

Da bin ich wieder. Ich lese viel, ich hole nach, so viel ich nur kann - die Tage werden sachte länger.

Salto, 96 Seiten

Klappentext:

Hermlin, einer der grossen Schriftsteller der DDR, erinnert sich an die dreissiger Jahre.
An Beobachtungen und Erfahrungen eines jungen Mannes aus gebildeter bürgerlicher Familie, der auf der Strasse zum Kommunisten wird und so beides aus fremder Nähe wahrnimmt: das Grossbürgertum, das die heraufkommenden Nazis als barbarische Horde abtut, und die Arbeiter, die sich - hilflos und oft schwankend - widersetzen.
Ein Porträt deutscher Irrungen, das uns unsere jüngste Geschichte in absurden, bitteren und aussergewöhnlichen Bildern nacherzählt.

Meine Meinung: ****
Eine sehr kurze, aber reiche Lektüre, die mir sehr gefallen hat; die kapitel sind schon fast Bilder, kontrastreich und farbenfroh. Wie gern habe ich am langen Tische platzgenommen, und dem schönen Vater zugeschaut!
Jetzt möchte ich ein altes Haus mitten in einem grossen Garten, und einem Flügel, und wir der Vater würde ich dann jeden Morgen eine Stunde oder zwei aus dem Wohltemperierten Clavier spielen...

Die Flegeljahre (Jean Paul)

2009-03-03T19:26:00.005+01:00

Une lecture pour la musicologie: j'ai dû rédiger un travail de séminaire sur les caractères Eusebius et Florestan, dans Carnaval op. 9 de Schumann, et comme le compositeur s'inspire grandement de ce roman, hop! la bonne excuse est trouvée - non, je peux pas passer l'aspirateur, je travaille, là.

Ah oui, et puis je dois switcher à l'allemand, puisqu'il s'agit de littérature allemande. *switch!*

Reclam, 752 Seiten

Auszug:

Eigentlich versteht niemand als nur Gott unsere Musik; wir machen sie, wie Taubstumme Schüler von Heinecke Worte, und vernehmen selber die Sprache nicht, die wir reden.

Meine Meinung: ****
Eine für mich nicht ganz einfache Lektüre. die Sätze sind oft lang und komplitziert, man vergisst den Anfang ehe man zu Ende ist. Aber ich habe mich mich schliesslich daran gewöhnt - an den Stil, nicht an das Vergessen. Wult und Valt, Zwillinge, wie Tag und Nacht: der ein blonder träumerischer Dichter, der andere ein schwarzer, neckischer Musiker. Ein tragischer Bildungsroman, in dem der naive Eusebius und der erfahrene Florestan dasselbe Mädchen lieben. Zwei ganz verschiedene Charakterzüge, die möglicherweise die zwei verschiedene Philosophien verkörpern, die Jean Paul geprägt haben: die Gefühlsphilosophie Jacobis und die Erfahrungstheorie von Fichte.
Einige Themen tauchen schon fast wie Leitmotive auf: Schmetterlinge und Masken, die Schumann zu seinen beiden frühen Klavierzyklen Papillons op.2 und Carnaval op.9 inspiriert haben.
Eine bezaubernde Lektüre, mit einer Prise Philosophie.

365 Project - February

2009-03-01T14:04:00.003+01:00

February 2009, originally uploaded by Lavinie Haala.

J'ai tourné les pages de:
Was wäre ich am Fenster ohne Wale - Kunst
Petit traité des grandes vertus - Comte-Sponville
Die Flegeljahre - Jean Paul
Schachnovelle - Zweig
Abendlicht - Hermlin

Mis les pieds à:
Neuchâtel
Fribourg
Bâle
Bern
Murten

Augmenté le volume sur:
Beethoven (Streichquartette)
Bach
Beethoven (Violinkonzert)
Beethoven (Symphonien)

______

Edit: Je reviens bientôt, le creux de février sera comblé, et vite. Et bien. (Quand et où le prochain concert?!)

Maisky père et fille au Temple du Bas

2009-02-21T16:36:00.004+01:00

Une critique de concert que je rédige enfin, après avoir longuement hésité si j'étais bien placée pour faire cela, étant donné que j'étais tourneuse de page, et qu'il me manquait par là le minimum de recul nécessaire pour pleinement apprécier le récital. Je suis quelque de naturellement très nerveux dès qu'il s'agit de l'association musique + public. Séparément, ni l'un ni l'autre ne me tétanise, mais ensemble, c'est l'enfer.
Finalement, j'ai décidé que j'allais écrire une critique un peu spéciale, compte tenu des circonstances.
Je ne veux pas revenir sur mon travail lamentable, il m'a fallu toute une moitié de concert avant de comprendre la pianiste et de pouvoir tourner au moment où elle le souhaitait, et non pas lorsqu'il me semblait vaguement qu'il fallait le faire. Je suis encore très fâchée contre moi-même, et je m'en veux de ne pas avoir contribué à apaiser la jeune musicienne - très nerveuse, ce que le public n'a certainement pas vu, mais moi si.
Il m'est difficile de relater la première partie de ce récital donné par le grand Misha Maisky (violoncelle) et la sans doute bientôt non moins grande Lily Maisky, le 25 janvier dernier, à Neuchâtel, en raison de mon trac et de ma peur de tourner au mauvais moment, de tourner deux pages par inadvertance, de faire tomber la partition...
Dans la seconde partie, nettement plus détendue, autant elle que moi, j'ai pu trouver du plaisir au concert, notamment dans la sonate en ré mineur op. 40 de Chostakovitch. Dans cette pièce que Lily Maisky jouait pratiquement par coeur, je tournais les pages simplement en arrivant en bas, sans qu'elle ne se préoccupe autrement de ce que je faisais, et j'ai donc pu écouter l'oeuvre presque comme si j'avais été assise dans le public.
Je ne veux pas parler de l'interprétation, ni de Misha Maisky - on le connait maintenant assez bien, ce n'est plus un petit nouveau de la scène musicale. Non. J'aimerais partager mon admiration pour sa fille, Lily Maisky, née la même année que moi. On sait à quel point son père déborde d'énérgie et de charisme. On aurait pu craindre un certain déséquilibre entre ce virtuose qui, par son engagement a tendance à se profiler comme un leader, sans doute malgré lui, et sa fille encore si jeune, et qui, au premier regard semble si fragile. Que nenni! Le papa Maisky n'a pas besoin de se faire petit pour laisser une place à sa fille, elle se la prend toute seule, sa "petite" fille. Et comment! J'en suis encore hébétée! Elle est certaine de ce qu'elle veut, et elle tient très bien sa place face à son père. Loin de la fille protégée et chouchoutée par son père que l'on pourrait se faire. Elle ne donnait du moins pas avoir l'impression d'avoir besoin de son père pour percer.
Bref: Lily Maisky, un nom que je vous conseille de retenir, parce qu'il me semble qu'on va l'entendre encore souvent - at least I hope so.

DVD Opera Review: A Village Romeo and Juliet (Delius) - part II

2009-02-10T13:21:00.005+01:00

Field, Davies, Hampson
ORF Symphonieorchester, Arnold-Schönberg-Chor, Mackerras
Decca 1989

Aujourd'hui, ma critique de cet opéra.
J'aime assez, bien que certains détails ne semblent pas forcément jouer. Comme le décors, assurément pas suisse du tout, du moins en ce qui concerne l'architecture. On se trouve face à ce que j'avais pensé être éventuellement des Isbas, puis, après avoir compris que le village s'appelait Seldwyla, j'ai décidé que cela sonnait assez polonais, et que nous devions en l'occurrence nous trouver dans la région montagneuse des Carpates, au sud du pays. Puis j'ai lu sur la pochette que Delius avait adapté son livret du recueil de Gottfried Keller, un compatriote à moi, et se déroulait en Suisse. Soit. Je m'incline, bien que je n'aie encore jamais croisé des maisons de ce type en Suisse (et que Seldwyla sonne encore et toujours exotique à mes oreilles. Seldwyl ou Seldwyler aurait été plus helvétique). Deuxième détail, à la fin, avant que les amants Sali et Vreli ne se suicident, on voit une péniche tirée par un bateau à moteur. Au XIXe siècle, mais bien sûr!
Mais les tableaux sont beaux, de ce côté là, rien à redire.
La musique est très, très lyrique, un peu à la Puccini, ce qui contraste curieusement avec la jeunesse des amants et leur donne un côté grave qui surprend. Du moins qui me surprend moi, parce que Juliette-Vreli, je la conçois généralement gaie, enjouée, comme dans la pièce de Prokofiev qui porte son nom.
Sir Charles Mackerras dirige un orchestre aux sonorités généreuses, et un choeur d'un niveau remarquable, malheureusement peu sollicité par cet opéra. Quant aux chanteurs, ils affichent, à tout le moins en ce qui concerne Helen Fields et Arthur Davies, une belle aisance dans leurs registres. Ce sont des voix relativement claires et fraîches, qui conviennent bien aux caractères qu'elles incarnent, mais peut-être moins au caractère de la musique.
Un opéra agréable, et bien interprété, mais qui ne rejoindra pas mes préférés malgré tout.

DVD Opera Review: A Village Romeo and Juliet (Delius) - part I

2009-02-09T20:24:00.009+01:00

Field, Davies, Hampson ORF Symphonieorchester, Arnold-Schönberg-Chor, Mackerras Decca 1989

Vous connaissez Delius? Moi pas. Et comme j'ai décidé que si moi je ne connaissais pas, vous non plus, vous aurez droit à une brève présentation de Fred'.
Fritz Theodor Albert Delius (1862-1934) était un compositeur anglais d'origine allemande. Il grandit dans une famille bourgeoise cultivée et apprend le piano et le violon, avant de se former auprès de son père, dans les affaires. Très vite dégoûté, il convainc son père de le laisser planter des oranges en Floride (!). Une fois aux Etats-Unis, il achète un piano et suit des leçons auprès de l'organiste Thomas Ward. Il assimilera également les chansons des travailleurs africains. En 1886, Monsieur papa ayant donné son accord pour des études musicales, Fritz revient en Europe et prend pendant deux ans des cours au conservatoire de Leipzig. Il s'installe ensuite à Paris, où il commencera véritablement sa carrière de compositeur. Aux chansons et petites pièces instrumentales et orchestrale succèdent les opéras: Irmelin (1892), The Magic Fountain (1895) et Koanga (1897). Il compose également quelques pièces orchestrales avec voix solo. Sa musique ne sera que très rarement jouée et rencontrera un accueil plutôt mitigé.
En 1903, il épouse la peintre Helene dite Jelka Rosen et donnera à son prénom la forme anglaise de Frederick.
C'est en 1901 que le compositeur écrira A Village Romeo and Juliet, inspirée du roman de Gottfried Keller Romeo und julia auf dem Dorfe tirée de Die Leute von Seldwyla. Il écrit lui-même le livret en anglais.
Jelka et Frederick Delius vivront jusqu'à leur mort respective (1934 pour lui, 1935 pour elle) dans leur propriété près de Fontainebleau.
Delius tirera son inspiration de la littérature scandinave, française et allemande, et également des traditions des noirs américains et des Indiens d'Amérique du Nord.

(La suite demain, je commence à loucher, là.)

__________
image tirée de wikipédia: Delius, par Jelka Delius
informations biographiques trouvées ici.

Monthly issue – january 2009

2009-02-02T22:02:00.006+01:00

I don't want it to fade out, originally uploaded by ‹ Candice Lesage ›.

photographie
. Candice Lesage, (ici ou là, là -bas et ci-devant) avec ses flous surprenants (ici au jardin des Tuileries)

poésie
. Paul Morand, Mort d’un autre Juif, poème sur lequel s’est ouvert mon Anthologie de la poésie française du XXe siècle – j’espère trouver bientôt des explications sur ce poème : ces vers font partie du recueil des Lampes à arc, paru en 1920 pour la première fois, sont donc antérieurs à la Shoah, et j’ai lu que Morand avait été, lors de la seconde guerre mondiale, proche du régime de Vichy… je suis perplexe.
En attendant, il s’agit pour moi d’un portrait aussi poignant et brutal que magnifique du Juif persécuté :

Mort d’un autre Juif

C’est parce que ce régiment de tueurs est strictement gouvernemental,
C’est parce que ce peuple a peur de sa révolution
Comme de tout ce qui pourrait le rendre à lui-même, c’est-à-dire à son néant,
C’est parce qu’il n’imagine pas d’autre bien-être
Que de se sentir tous blottis autours de l’État
Comme autours d’un poêle,
C’est parce que les hommes sont heureux d’obéir
Et de n’avoir pas à être libres,
Qu’il y a du sang gelé
Sur le quai de l’Isaar,
Et qu’un cadavre juif est là,
Mains liées derrière le dos,
Nu jusqu’à la ceinture.
Très vert sur la neige,
Le front haut serré entre des cheveux de laine,
Il a repris une majesté orientale
Calme, comme de savoir que par sa mort
Ce qu’il sentait en lui d’immortel
Est assuré en effet de ne plus mourir.
Ses joues portent l’empreinte de clous de souliers
Et sa bouche brisée
Pend, comme une boîte jadis pleine de cris;
Cris d’une race éternellement rebelle
Suant tant qu’il faudra le sang noir des révoltes
Jamais taries
Sous le pressoir des lois chrétiennes;
Communiquant, sous les fondations même des États,
Entre continents, par de mystérieux égouts,
(laissant les radios aux propagandes nationales et les câbles aux arbitrages de bourse),
Et lui, parmi les plus grands de cette race,
Sans autre patrie que son esprit,
Heureux d’être pauvre et niant toute autre possession que celle des Textes,
Courtier d’idéal touchant à chaque révolte sa commission,
Secrétant une pensée acide qui corrode les doctrines aériennes,
Inépuisablement généreux et fidèle à la vérité,
Sous le masque d’une éternelle trahison,
Mais singulièrement coupable.
C’est pourquoi le cadavre, dépouillé de ses chaussures,
Gît, par ce matin de gel,
Au pied du Maximilianeum.

Les enfants ont mis sous ses ongles
Des aiguilles de grammophone.

source d’inspiration
. la lumière
. mes Sunday baking
. la nappe à carreaux rouge et blanc sur la petite table

j’aime
. mon premier café encore dans la nuit
. rêver de Paris à en avoir mal
. les oiseaux qui viennent manger dans le jardin

trois habitudes de la journée
. chercher l’inspiration sur flickr
. faire des listes
. allumer la lampe de chevet pour lire encore un peu

musique
. abba, pour se souvenir d’Oxford : Does Your Mother Know

Edit du 03.03.09: Donc, comme Candice me l'a gentiment rappelé, il s'agit, pour la photo, des Tuileries, et non pas du Luxembourg.

The Importance Of Being Earnest (Oscar Wilde)

2009-02-02T11:21:00.005+01:00

Il a encore neigé - youpi! youpi! youhouhou! Un temps parfait pour folâtrer dans la neige avec les chiens, boire un chocolat chaud elephant-size et lire des tas de choses (finir enfin Comte-Sponville gnan-gnan, notamment).
En attendant, j'ai terminé janvier sur la dernière page de Wilde, mon premier Wilde.

Norton, 41 pages

Extrait:

JACK: How can you sit there, calmly eating muffins when we are in this horrid trouble, I can't make it out. You seem to me to be perfectly heartless.

ALGERNOON: Well, I can't est muffins in an agitated manner. The butter would probably get on my cuffs. One should always eat muffins quite calmly. It is the only way to eat them.

(....)

GWENDOLEN: The fact that they did not follow us at once into the house, as anyone else would have done, seems to me to show that they have some sense of shame left.

CECILY: They have been eating muffins. That looks like repentance.

Mon avis: *****
Une délicieuse comédie en trois actes, drôle à souhait. Wilde caricature jusqu'à l'extrême ridicule la upper class de Londres à la fin du XIXe siècle. Jeux de mots, nonsense, ironie, situations emberlicotées, tout se réuni dans cette courte pièce pétillante au goût prononcé d'humour anglais.
Une lecture très agréable aussi par le fait que n'ayant jamais lu Wilde auparavant, je n'ai jamais vraiment pu deviner la fin, la chute, et donc j'étais captivée jusqu'à la dernière ligne, pliée de rire bien souvent.
Cela m'a ouvert l'appétit pour d'autres oeuvres du même écrivain.

Project 365 - January

2009-01-31T17:14:00.002+01:00

Project 365 - January, originally uploaded by Lavinie.

Un mois. Déjà.

J'ai tourné les pages de:
Der Turm - Tellkamp
Réthorique - Aristote
Essais livres I et II - Montaigne
Sonnenuntergang am Prater - Altenberg
Lacrimosa - Jauffret
Antigone - Anouilh
Les justes - Camus
The Importance Of Being Earnest - Wilde

J'ai mis les pieds à:
Evolène
Neuchâtel
Oxford
London
Fribourg

Augmenté le volume sur:
Abba
Corelli
Beethoven
Schumann
Elgar
Purcell

Liste de lecture 2008

2009-01-28T16:10:00.003+01:00

Juste par curiosité, j'ai fait une liste (la plus complète possible, mais sans doute quelques lectures auront échappé à ma vigilance) des livres que j'ai lu durant l'année 2008:

Buckower Elegien - Brecht
Candide - Voltaire
Crime et Châtiment - Dostoïevski
Das Stundenbuch - Rilke
Der Process - Kafka
Der Untertan - H. Mann
Die Kommandeuse - Hermlin
Die Leiden des jungen Werthers - Goethe
Die neuen Leiden des jungen W. - Plenzdorf
Die Weber - Hauptmann
Du côté de chez Swann - Proust
En attendant Godot - Beckett
Exercices de style - Queneau
Faust I - Goethe
Fin de partie - Beckett
Horowitz et mon père - Salatko
Huis clos - Sartre
Illuminations - Rimbaud
Im Schlaraffenland - H. Mann
Kafka sur le rivage - Murakami
La cantatrice chauve - Ionesco
La diane française - Aragon
La femme qui attendait - Makine
La fille du capitaine - Pouchkine
La leçon - Ionesco
Le bal - Némirovsky
Le Banquet - Platon
Leben des Galilei - Brecht
Lechaïm - Sebban
L'écume des jours - Vian
Le Juif de savoir - Milner
Le livre du bonheur - Berberova
Le maître et Marguerite - Boulgakov
Les Bienveillantes - Littell
Les mouches - Sartre
Les Provinciales - Pascal
L'Évangile selon Pilate - Schmitt
L'Heptaméron - Marguerite de Navarre
L'insoutenable légèreté de l'être - Kundera
Lorsque j'étais une oeuvre d'art - Schmitt
Lulu - Wedekind
Manifestes du surréalisme - Breton
Maximes - La Rochefouclault
Mutter Courage - Brecht
Nackt unter Wölfe - Apitz
Océan mer - Baricco
Oedipe Roi - Sophocle
Paroles - Prévert
Platon et son ornithorynque entrent dans un bar - Cathcart & Klein
Ruy Blas - Hugo
Soleil de nuit - Prévert
The Brooklyn Follies - Auster
Tod in Venedig - T. Mann
Tonio Kröger - T. Mann
Une journée d'Ivan Denissovitch - Soljenitsyne
Une saison en enfer - Rimbaud
Voyage au bout de la nuit - Céline

Pour la plupart, j'ai publié des critiques, il vous suffit de cliquer sur le nom de l'auteur dans Les mots rangés (colonne de liens). C'est rigolo, certains livres, j'ai été surprise de ne les avoir lu que l'année passée; il me semble qu'il y a des siècles déjà que j'ai lu Vian, Makine, Berberova et Proust!...
Oh my, tout ce qu'on arrive à lire en une année, c'est presque un peu effrayant.

Prière d'un Juif pour les enfants de Gaza

2009-01-28T13:29:00.005+01:00

Hier je parlais des Justes de Camus et je disais que je croyais en la beauté de l'homme. J'ai eu une confirmation des mes espérances ce matin, en tombant par hasard sur cette prière, parue dans un journal israélien:

Picasso, La Colombe de la paix, trouvée ici.

If there has ever been a time for prayer, this is that time.
If there has ever been a place forsaken, Gaza is that place.

Lord who is the creator of all children, hear our prayer this accursed day. God whom we call Blessed, turn your face to these, the children of Gaza, that they may know your blessings, and your shelter, that they may know light and warmth, where there is now only blackness and smoke, and a cold which cuts and clenches the skin.

Almighty who makes exceptions, which we call miracles, make an exception of the children of Gaza. Shield them from us and from their own. Spare them. Heal them. Let them stand in safety. Deliver them from hunger and horror and fury and grief. Deliver them from us, and from their own.

Restore to them their stolen childhoods, their birthright, which is a taste of heaven.

Remind us, O Lord, of the child Ishmael, who is the father of all the children of Gaza. How the child Ishmael was without water and left for dead in the wilderness of Beer-Sheba, so robbed of all hope, that his own mother could not bear to watch his life drain away.

Be that Lord, the God of our kinsman Ishmael, who heard his cry and sent His angel to comfort his mother Hagar.

Be that Lord, who was with Ishmael that day, and all the days after. Be that God, the All-Merciful, who opened Hagar's eyes that day, and showed her the well of water, that she could give the boy Ishmael to drink, and save his life.

Allah, whose name we call Elohim, who gives life, who knows the value and the fragility of every life, send these children your angels. Save them, the children of this place, Gaza the most beautiful, and Gaza the damned.

In this day, when the trepidation and rage and mourning that is called war, seizes our hearts and patches them in scars, we call to you, the Lord whose name is Peace:

Bless these children, and keep them from harm.

Turn Your face toward them, O Lord. Show them, as if for the first time, light and kindness, and overwhelming graciousness.

Look up at them, O Lord. Let them see your face.

And, as if for the first time, grant them peace.

(by Bradley Burston, in Haaretz)

______________
Edit de 20:45: je remplace la traduction française par l'original anglais.

Les justes (Albert Camus)

2009-01-27T21:10:00.004+01:00

Mon bureau croule sous les lettres, recueils de poésie, tasses de thé, carnets Moleskine, partitions et le elephant-sized Norton Anthology of English Literature. J'ai imprimé mon travail d'histoire sur le mouvement anti-nucléaire dans les années 1970 en Suisse - en allemand, cela donne Anti-AKW Bewegungen in den 1970er Jahre in der Schweiz - finalement, ça s'est avéré être intéressant, considéré en regard avec les neue soziale Bewegungen qui ont marqué les années '70. Mais je suis heureuse d'arriver à la fin. En plus je n'aime pas spécialement la chaire d'histoire contemporaine allemande, elle est énorme et de ce fait très impersonnelle. Ainsi, si je n'ai pas de corrections à faire dans ce travail, je vais faire relier jeudi ma dernière contribution à la discipline de l'histoire. Et je croise les doigts pour pouvoir commencer de la littérature allemande en automne - à Wien!
J'écoute Abba - oui, Abba, you heard it. Mes petits clous d'Oxford en étaient fan, ils connaissaient toutes les chansons par cœur, avec chorégraphie. En particulier le petit dernier, qui était à crever de rire lorsqu'il déboulait dans la cuisine en chantant innocemment:

Honey honey, let me feel it, ah-hah, honey honey
Honey honey, don't conceal it, ah-hah, honey honey
The way that you kiss goodnight
The way that you hold me tight
I feel like I wanna sing when you do your... thing!

Et "mes" petits clous me manquent un peu.

Jeudi, je n'irai non solum faire relier mon travail, sed etiam rapporter une partie des livres à la bibliothèque. Dont Les justes.

Folio, 150 pages

Quatrième de couverture:

Ne pleurez pas. Non, non, ne pleurez pas! Vous voyez bien que c'est le jour de la justification. Quelque chose s'élève à cette heure qui est notre témoignage à nous autres révoltés: Yanek n'est plus un meurtrier. Un bruit terrible! Il a suffit d'un bruit terrible et le voilà retourné à la joie de l'enfance.

Mon avis: *****
Ah, j'aime Camus! J'ai eu une période, en fin de lycée, où je lisais beaucoup de Camus. J'aime son portrait de l'humanité.
Une pièce très courte, mais d'autant plus intense. Il faudra l'acheter, relire, souligner, noter.
Camus nous présente des révolutionnaires malheureusement sans doute idéalisés, pourtant j'ose croire qu'il y en a eu de semblables, hors de la fiction romanesque. De ces hommes intègres, servant leurs frères avec un renoncement total à eux-même. Jusqu'où peut-on aller avant de passer la barrière et du révolutionnaire devenir un assassin? Alors que Dora, Kaliayev et Annenkov sont modérés dans leurs opinions et placent cette barrière très bas, du moins pour des révolutionnaires dans nos "normes", celle-ci n'existe pour ainsi dire pas pour Stepan. Il irait jusqu'à forcer le peuple par la terreur d'adhérer à ses idées, à l'amener par la violence à accepter ce qui est bon pour lui.
La question de la culpabilité surgit également. Yanek a tué, il pourrait être gracie, mais refuse: il doit expier son crime, sans quoi il serait un meurtrier, non pas un révolutionnaire.
Je me sens très proche de cette vision. Un homme qui meurt, c'est toujours un homme qui meurt, qu'il soit bon ou mauvais. Et la main qui s'est levée sur lui doit être punie, quel que soit les circonstances. Faire de celui qui a tué un héros, c'est faire un meurtrier. Il faut d'abord laver le linge.
J'avais déjà présenté mes vues sur ce sujet ici.

Antigone (Jean Anouilh)

2009-01-26T11:35:00.004+01:00

Jean Anouilh, c'est les souvenirs d'après-midi théâtre en cours de français, lorsque j'étais en 9ème (pour les amis Français, c'est l'année qui précède l'entrée au lycée). Nous avions lu Le bal des voleurs et notre professeur voulait nous faire jouer la pièce. J'étais la vieille dame riche, une bague à chaque doigt, un parfum de grand-mère et des crises de nerfs à tout bout de champ. Je tenais les trois-quart des répliques (la quantité de texte à mémoriser avait été d'ailleurs, si je me connais bien, le motif de mon choix pour ce personnage. C'était l'époque bénie de mes excès de zèle) et j'étais fière de mon travail, de ces longues tirades que je connaissais sur le bout des doigts.
Une pièce drôle, avec sa petite morale et quelques penchants vers l'absurde.
Le professeur m'avait dit qu'il fallait lire l'Antigone d'Anouilh, puisque j'aimais bien cet auteur. Au lycée on m'en a parlé. A l'université, on m'en a parlé. Et voici, jeudi dernier, qu'en rapportant les livres pour mon travail d'histoire, je me trouve face au rayon poésie. Juste dessous, le théâtre. D'abord Les justes qui me font coucou, puis Antigone. Samedi matin, je terminais la pièce, Hémon enlaçait Antigone dans une étreinte ultime et éternelle.

La table ronde, 122 pages

Quatrième de couverture:
Il n'y en a pas - en même temps, on peut espérer que vous connaissez l'intrigue de cette tragédie grecque!
Mais je copie un extrait:

ANTIGONE: Pourquoi le faites-vous?

CRÉON: Un matin, je me suis réveillé roi de Thèbes. Et Dieu sait si j'aimais autre chose dans la vie que d'être puissant...

ANTIGONE: Il fallait dire non, alors!

CRÉON: Je le pouvais. Seulement, je me suis senti tout d'un coup comme un ouvrier qui refusait un ouvrage. Cela ne m'a pas paru honnête. J'ai dit oui.

ANTIGONE: Eh bien, tant pis pour vous. Moi, je n'ai pas dit "oui"! Qu'est-ce que vous voulez que cela me fasse, à moi, votre politique, votre nécessité, vos pauvres histoires? Moi, je peux dire "non" encore à tout ce que je n'aime pas et je suis seul juge. Et vous, avec votre couronne, avec vos gardes, avec votre attirail, vous pouvez seulement me faire mourir parce que vous avez dit "oui".

Mon avis: *****
J'ai un faible certain pour les tragédies grecques. Leurs protagonistes sont les plus beaux - y a-t-il femme plus belle que la petite Antigone, maigre et mal peignée, mais sincère, fidèle à elle-même jusqu'au bout, entière, radicale dans sa quête de liberté et d'absolu?
La pièce a été écrite pendant la Seconde guerre mondiale, et sans doute elle traite du tyran, de son pouvoir, et surtout des limites de sa force, face aux Justes (j'y reviendrai tout à l'heure dans ma critique des Justes de Camus). Que peut Créon face à Antigone? Il est obligé de mettre sa sentence à exécution, il a le pouvoir et la faiblesse, elle a la force et la vérité. Qu'est-ce que l'autorité, s'il faut user de violence pour la maintenir? Une coquille vide, une erreur. Loin de la justice et de la vérité.
une belle leçon de vie, sur la fidélité à sa propre vérité, celle du coeur, pas celle du pouvoir.

Lacrimosa (Régis Jauffret)

2009-01-23T19:36:00.003+01:00

Fin décembre, j'étais sélectionnée pour participer à l'opération masse critique. Le livre qui m'a été attribué est le dernier-né de Régis Jauffret, paru chez Gallimard. Cela veut dire que je reçois le livre pour autant que je veuille bien en publier une critique, ce que je fais de toute manière pour chacune de mes lectures. Donc en gros, j'ai gagné un livre, et c'est chouette.
Je vais essayer de rédiger quelque chose de pertinent, ce qui n'est pas donné ce soir, puisque je viens d'apprendre que j'allais devoir tourner les pages à Lily Maisky (piano) lors d'un récital dans lequel elle accompagnera son papa Misha Maisky (violoncelle, fallait-il le préciser?). Beethoven, Rachmaninov, de Falla et Shostakovich, heureusement pour moi, le programme est des plus classique - il n'y aura pas de générale pour moi. Et puis je déteste tourner les pages, il y a toujours deux pages qui se collent, le pianiste furieux et/ou stressé qui tourne en arrière, et moi qui voudrais me liquéfier sur place. Bref.

Gallimard, 217 pages

Quatrième de couverture:

Vous étiez dans les bras de votre mère. Vierge à l'Enfant, Pietà, mais en guise de crucifié c'était seulement une jeune femme qui s'était pendue. Quand leurs filles meurent, les femmes en redeviennent grosses jusqu'à la fin de leur vie. Leur ventre est beaucoup plus lourd que la première fois.

Mon avis: ***
Je ne suis pas nécessairement subjuguée. Du moins pas par le style, car l'idée de départ est intéressante: un dialogue de sourd entre un écrivaillon et sa défunte maîtresse. Jauffret pose la question de la limite entre fiction et réalité, soulève le problème de la déformation de ce qui est par les yeux de celui qui voit. Charlotte n'est plus, son pauvre amour comme elle l'appelle, la décrit telle qu'il la voit, et non pas telle qu'elle est, telle qu'elle-même se voit. La problématique rejoint le sujet d'un cours de littérature russe que j'ai suivi le semestre dernier: comment la postérité voit-elle le poète? Comment est-il transmis aux générations futures? Entre Pouchkine qui avait peur qu'on le considère tout entier, jusque dans les plus viles bassesses humaines, alors qu'il aurait préféré qu'on ne garde que le poète sublime, le personnage que lui-même avait créé, et Nabokov qui n'a laissé aucun brouillon, l'on voit bien à quel point cette question occupait - et occupe toujours - les hommes. Comment parlera-t-on de moi après ma mort? est le fil rouge de ce roman.
L'idée en soi est bonne, seulement le style se veut facile et spontané, ce qui lui donne à mon sens une certaine platitude au récit. Quelques belles métaphores, mais elles sont cachées par de longues tirades ennuyeuse, qui exaspèrent le lecteur plus qu'elles ne le font rire. J'ai l'impression de me trouver face à l'une de ces corrections de dissertations, lorsque le professeur a souligné des mots en notant dans la marge répétitions et qu'il a fallu chercher tous les synonymes possibles et imaginables. C'est tiré par les cheveux et fade. Dommage, car je suis certaine que l'auteur aurait pu en faire quelque chose de bien pourtant.

Der Turm (Uwe Tellkamp)

2009-01-20T19:09:00.004+01:00

Suhrkamp, 976 Seiten

Deutscher Buchpreis 2008

Klappentext:

Hausmusik, Lektüre, intellektueller Austausch: Das Dresdner Villenviertel, vom real existieren Sozialismus längst mit Verfallsgrau überzogen, schottet sich ab. Resigniert, aber humorvoll kommentiert man den Niedergang eines Gesellschaftssystems, in dem Bildungsbürger eigentlich nicht vorgesehen sind. Anne und Richard Hoffmann, sie Krankenschwester, er Chirurg, stehen im Konflikt zwischen Anpassung und Aufbegehren: Kann man den Zumutungen des Systems in der Nische, der "süßen Krankheit Gestern" der Dresdner Nostalgie entfliehen wie Richards Cousin Niklas Tietze - oder ist der Zeitpunkt gekommen, die Ausreise zu wählen? Christian, ihr ältester Sohn, der Medizin studieren will, bekommt die Härte des Systems in der NVA zu spüren. Sein Weg scheint als Strafgefangener am Ofen eines Chemiewerks zu en. Sein Onkel Meno Rohde steht zwischen den Welten: Als Kind der "roten Aristokratie" im Moskauer Exil hat er Zugang zum seltsamen Bezirk "Ostrom", wo die Nomenklatura residiert, die Lebensläufe der Menschen verwaltet werden und deutsches demokratisches Recht gesprochen wird. In epischer Sprache, in eingeh-liebevollen wie dramatischen Szenen entwirft Uwe Tellkamp ein monumentales Panorama der untergehen DDR, in der Angehörige dreier Generationen teils gestalt, teils ohnmächtig auf den Mahlstrom der Revolution von 1989 zutreiben, der den Turm mit sich reißen wird.

Meine Meinung:*****
Wenn Thomas Mann auch nur fünf Sternchen haben kann, sollte Uwe Tellkamp eigentlich viereinhalb Sternchen kriegen. Aber das kann ich nicht machen.
Tellkamp schreibt einen Roman der sich dem grossen Werk Thomas Manns nähert - ein Familien-Roman, ein Epochen-Roman. (Doch bleibt "mein Mann" mein Favorit.) Da ich solche Romane überalles liebe, habe ich auch grosse Freude am Turm gehabt. Ich mag grosse, dicke Bücher, die schnell eine vertraute Welt werden, in der man sich flüchten kann. So war ich eigentlich nicht zwei Wochen in Oxford, sondern zwei Wochen in Dresden, in einer intellektuell-musischen Umgebung, die mir sehr gefällt. Von daher passte Tellkamps Werk gut zu mir. Was den Styl anbelangt... Tja. Ich habe ja nichts gegen komplizierte Sätze und recherchiertem Vokabular, aber manchmal, so schien es mir zumindest, war es kompliziert um zu imponieren - muss das sein? Manche Stellen waren für mich schlecht unverständlich, ich wusste nicht mehr, wer was sagte, was passierte, und warum.
Was die Geschichte angeht, die ja so scharf vom Dichter Thomas Kunst kritisiert worden war, so kann ich nichts dazu sagen, ich kenne die Verhältnisse von damals zu wenig. Was mir komisch schien, ist dass Christian sich anscheinend nichts daraus macht, dass sein Vater fremd gegangen ist, eine uneheliche Tochter hat, und später dann sogar mit Christians Freundinn eine Affäre gehabt hat. Mich würde so was doch ein wenig beschäftigen! Im Turm wird es nur so beiläufig erwähnt.
Fazit: ein dickes Buch, in das man hineintauchen kann, in eine fremde Stadt einer fremden Zeit. Ich war traurig wo ich die letzte Seite gedreht habe... Durchaus lesenswert, meiner Meinung nach. Wor allem jetzt, um lange Winterabende zu vergessen!

Alle Jahre wieder...

2009-01-03T16:09:00.001+01:00

02.01.09 ~bouquet of light flowers, originally uploaded by Lavinie.

Je vous souhaite à toutes et à tous une bonne année 2009, pleine de beauté, de poésie et de passion.
Que cette nouvelle année soit remplie de joie et de vérité, de constance, d'amour et d'intégrité.

Tous mes meilleurs vœux,
~Lavinie

* 24 * Kommet, ihr Hirten, ihr Männer und Fraun! (Deutsches Weihnachtslied)

2008-12-24T16:00:00.003+01:00

Kommet ihr Hirten, ihr Männer und Fraun!, originally uploaded by Lavinie.Kommet ihr Hirten, ihr Männer und Fraun!, originally uploaded by Lavinie.

Kommet, ihr Hirten,
Ihr Männer und Fraun!
Kommet, das liebliche
Kindlein zu schaun!
Christus, der Herr,
Ist heute geboren,
Den Gott zum Heiland
Euch hat erkoren.
|: Fürchtet euch nicht! :|

Lasset uns sehen
In Bethlehems Stall,
Was uns verheißen
Der himmlische Schall!
Was wir dort finden,
Lasset uns künden,
Lasset uns preisen
In frommen Weisen.
|: Allelujah! :|

Wahrlich, die Engel
Verkündigen heut
Bethlehems Hirtenvolk
Gar große Freud:
Nun soll es werden
Frieden auf Erden,
Den Menschen allen
Ein Wohlgefallen.
|: Ehre sei Gott! :|

Kommet ihr Hirten - Dresdner Kreuzchor

Baude Cordier, Belle, bonne, sage: un rondeau au XVe siècle - VII

2008-12-24T11:39:00.004+01:00

Conclusion

Le rondeau Belle, bonne, sage de Baude Cordier fait partie des pages les plus représentatives de l’ars subtilior, puisqu’elle regroupe a elle seule les principales caractéristiques de la notation maniérée :

1. L’importance primordiale de la dimension visuelle de l’œuvre, que Cordier exprime en formant un cœur sensé refléter le thème de son rondeau
2. La virtuosité rythmique qu’offrent les nouvelles possibilités des notations blanches, noires et rouges, dont le compositeur use de façon experte

Belle, bonne, sage est aussi un parfait exemple du rondeau du haut Moyen-âge, ralliant à la fois le sujet amoureux et la forme A-B-A-A-A-B-A-B propre au genre et présenté ici de manière on ne peut plus claire, les fin de phrases marqués par des mélismes et les fins de sections appuyées par des consonances parfaites. Les rimes A se caractérisent par leur écriture en mode de ré alors que les rimes B trouvent leur pendant musical en mode de la.

The Gladness of Nature (Wiliam Cullen Bryant)

2008-12-23T20:40:00.001+01:00

Is this a time to be cloudy and sad,
When our mother Nature laughs around;
When even the deep blue heavens look glad,
And gladness breathes from the blossoming ground?

There are notes of joy from the hang-bird and wren,
And the gossip of swallows through all the sky;
The ground-squirrel gaily chirps by his den,
And the wilding bee hums merrily by.

The clouds are at play in the azure space,
And their shadows at play on the bright green vale,
And here they stretch to the frolic chase,
And there they roll on the easy gale.

There's a dance of leaves in that aspen bower,
There's a titter of winds in that beechen tree,
There's a smile on the fruit, and a smile on the flower,
And a laugh from the brook that runs to the sea.

And look at the broad-faced sun, how he smiles
On the dewy earth that smiles in his ray,
On the leaping waters and gay young isles;
Ay, look, and he'll smile thy gloom away.

Baude Cordier, Belle, bonne, sage: un rondeau au XVe siècle - VI

2008-12-23T11:32:00.002+01:00

Analyse de l'œuvre - fin

Jetons un bref regard sur la segmentation des deux parties A et B. Nous constatons que A est structurée en deux sections: quatorze mesures puis sept mesures ; alors que B se divise en neuf mesures puis quatorze mesures. La partie A est donc formée d’un segment long et auquel fait écho une partie plus courte, alors que c’est l’inverse qui se passe dans la partie B, avec une section courte d’abord, longue ensuite.

Exception faite des mélismes qui accentuent la fin des rimes, on ne constate pas réellement de relation sémantique entre le texte et la musique, bien que le rondeau, pièce de divertissement, favorise généralement des liens forts entre texte et musique.

Un passage mérite, me semble-t-il, une attention toute particulière. Il s’agit de la fin de la partie A, plus précisément de la mesure 19. Le dièse qui altère le fa surprend l’oreille de l’auditeur que nous sommes, qui a subitement l’impression de passer du mode de ré à un ré majeur moderne. Pourquoi ce fa dièse ? Dans la partie A, on trouve bien deux altérations, mais il s’agit de do dièse, soit la sensible. Dans la partie B figurent également quelques do diésés et bien sûr le sol dièse, pour la cadence à double sensible. Le fa dièse que l’on voit à la mesure 37 semble là avant tout pour éviter un intervalle de quarte diminuée avec le do dièse du contratenor. Mais à la mesure 19, les deux voix inférieures tiennent un ré à l’octave, ce n’est donc pas pour éviter un triton que Cordier veut un fa dièse. Si les explications manquent, on peut toutefois affirmer que ce fa dièse agit comme une tache lumineuse inattendue sur cette fin de partie A.

Intéressons-nous maintenant au facsimilé, qui, à notre grand bonheur, nous est parvenu intacte de son voyage au fil des siècles. La partition écrite par Corder représente un grand cœur. Elle est typique des facsimilés que nous conservons de cette époque et montre très bien jusqu’où la notation maniérée pouvait aller, poussant le souci du beau très loin. La relation entre la dimension visuelle de la partition et son contenu, est évidente et répond aussi à la tendance générale du maniérisme de l’époque, et que l’on peut, sous divers aspect, retrouver dans certaines pages de la musique, à partir de la seconde moitié du XXe siècle. A titre d’exemple, les piécettes du Jatékók de Kurtág.

On notera que les triolets de la mesure 9 représentent les notes rouges. On peut aussi aisément distinguer le signe de changement de mesure là où, à la mesure 11, on passe à un tempus imperfectum cum prolatione imperfecta. Ce qui était traduit par des triolets à la mesure 19, Cordier l’a marqué avec un grand « 3 » au-dessus de la portée. Le O marque le retour à la mesure initiale de [3 ; 2]. Nous distinguons un autre « 3 » et enfin un [9 ; 8], qui correspond à la mesure 44 indique une proportion augmentative assez rare[1], dans laquelle les huit doubles croches de la mesure 44 équivalent les neuf croches de la mesure 43. Petite touche d’humour avec un dessin de cœur à la place du mot « cuer » de la mesure 34, qui rappelle également la partition elle-même, dont les portées forment le dessin d’un cœur, Baude Cordier prouve que le sérieux des paroles et les fastes de l’écriture de l’ars subtilior ne l’empêchent pas de glisser une blague dans sa composition.

[1] Willi Apel, Notation de la musique polyphonique 900-1600, Sprimont : Mardaga, 1998, p. 369.

* 22 * Christmas (John Betjeman)

2008-12-22T23:27:00.000+01:00

The bells of waiting Advent ring,
The Tortoise stove is lit again
And lamp-oil light across the night
Has caught the streaks of winter rain
In many a stained-glass window sheen
From Crimson Lake to Hookers Green.

The holly in the windy hedge
And round the Manor House the yew
Will soon be stripped to deck the ledge,
The altar, font and arch and pew,
So that the villagers can say
'The church looks nice' on Christmas Day.

Provincial Public Houses blaze,
Corporation tramcars clang,
On lighted tenements I gaze,
Where paper decorations hang,
And bunting in the red Town Hall
Says 'Merry Christmas to you all'.

And London shops on Christmas Eve
Are strung with silver bells and flowers
As hurrying clerks the City leave
To pigeon-haunted classic towers,
And marbled clouds go scudding by
The many-steepled London sky.

And girls in slacks remember Dad,
And oafish louts remember Mum,
And sleepless children's hearts are glad.
And Christmas-morning bells say 'Come!'
Even to shining ones who dwell
Safe in the Dorchester Hotel.

And is it true,
This most tremendous tale of all,
Seen in a stained-glass window's hue,
A Baby in an ox's stall ?
The Maker of the stars and sea
Become a Child on earth for me ?

And is it true ? For if it is,
No loving fingers tying strings
Around those tissued fripperies,
The sweet and silly Christmas things,
Bath salts and inexpensive scent
And hideous tie so kindly meant,

No love that in a family dwells,
No carolling in frosty air,
Nor all the steeple-shaking bells
Can with this single Truth compare -
That God was man in Palestine
And lives today in Bread and Wine.

Baude Cordier, Belle, bonne, sage: un rondeau au XVe siècle - V

2008-12-22T17:28:00.003+01:00

Analyse de l'œuvre - suite

La partition est écrite en mode de ré, avec un rythme relativement simple en [3 ; 2], appelé tempus perfectum cum prolatione imperfecta, puisque qu’on y trouve une brevis qui équivaut à trois semibrevis, alors que les semibrevis valent seulement deux minima, et sont donc imparfaites. Le rythme simple est caractéristique de la période tardive dans laquelle le rondeau a été écrit, et porte par là préjudice à l’hypothèse selon laquelle Baude Cordier et Baude Fresnel ne seraient qu’une seule et même personne.

Il s’agit d’un rondeau à trois voix, soit un cantor, un contratenor et tenor. On ignore toutefois jusqu’à aujourd’hui si le contratenor et le tenor étaient chantés, ou si au contraire seul le cantor était chanté – il est habituellement la seule voix à être texté - tandis que les deux autres voix étaient exécutées par des instruments. On admet communément l’hypothèse que toutes les voix n’étaient pas forcément chantées.[1]

D’un point de vue modal, on notera que le premier vers de la rime A commence en mode de ré, pour se terminer toujours en mode de ré, alors que le second vers se déroule à la quinte. Pour la rime B, nous observons le phénomène inverse : la première strophe est en la (la quinte) tandis que la deuxième revient sur ré..

La fin de chaque rime est accentuée par des mélismes (mesures 10-14, 20-22, 28-31, 37-45).

On remarque une assez grande quantité de consonances imparfaites de tierces ou de sixtes, dont le nombre est presque égal à celui des consonances dites parfaites, soit les intervalles de quarte et de quinte. Ces consonances imparfaites, venues d’Angleterre « grâce » à la guerre entre la France et la Grande-Bretagne, confèrent à la pièce un côté très chaleureux. Toutefois, bien qu’employées ici très fréquemment, le compositeur n’y a jamais recours pour des accords importants, notamment les fin de phrases, les consonances de quarte ou quinte restant réservées à cet usage, comme on peut le voir dans notre rondeau (mesures 14, 21, 31 et 45).

La pièce se termine par une cadence dite de Landini, qui a la particularité d’être à double sensible.

Après ces quelques considérations des grandes lignes « harmoniques » du rondeau, procédons maintenant plus en détail.

La pièce commence en imitation, avec tout d’abord le motif présenté à la quarte par le contratenor, avant d’être repris sur les mêmes notes par le tenor, pour finalement être chanté sur le mode de ré par le cantor. Cette forme d’anticipation des voix graves sur la voix principale du cantor est tout à fait inhabituelle, puisqu’en règle générale, l’exposition de la mélodie revient toujours au cantor. Suivent au contratenor une série de syncopes descendantes, identifiables grâce à la notation rouge, qui s’achève avec la fin de la première rime [mes.14]. Pendant ce temps, le tenor développe de longues tenues à la manière d’un cantus firmus [mes. 5 à 11] pour terminer la rime avec une imitation des syncopes – toujours notées en rouge - du contratenor. Le cantor pour sa part, après avoir repris le motif exposé successivement par le contratenor et par le tenor continue avec trois fois de suite une levée de deux croches qui donnent une sorte d’élan pour la suite, de part l’impression d’impulsion cyclique qu’elles génèrent. Il passe par deux changements de mesure. A la mesure 9 les triolets inscrits sur la partition nous indiquent que nous passons du tempus perfectum cum prolatione imperfecta à un tempus perfectum cum prolatione perfecta, reconnaissable une fois de plus à la coloration rouge, et que la semibrevis équivaut dès lors à trois minima et non plus à deux comme dans le reste de la pièce. Le second changement, deux mesures plus loin, exprimé par deux mesures de duolets nous informe que Cordier souhaitait ici non seulement une semibrevis imparfaite, mais que la brevis ne vaut ici aussi que deux semibrevis, nous avons donc aux mesures 11 et 12 un tempus imperfectum cum prolatione imperfecta, soit une diminution par rapport au tempus perfectum cum prolatione imperfecta.. Ces deux modifications de mesures ne semblent pas avoir de lien avec le texte, puisque le premier de ces changements en tout cas ne s’opère pas sur des mots importants.

Le début de la partie B est une imitation du motif de A, avec un changement de note, cette fois sans imitations des deux voix inférieures. Le tenor reprend ses valeurs longues, avec seulement deux syncopes [mes. 26-27 et mes. 43-44]. Le contratenor évolue en une suite de figurations descendantes jusqu’à la fin de la première rime à la mesure 31. A la deuxième rime, le contratenor débute en soliste pour laisser la place au cantor sur une syncope. Il termine ensuite par une seconde syncope, imitée au tenor avant de terminer sur un la, en passant par la sensible sol dièse. Le cantor se tait à nouveau sur deux soupirs, tout comme lors du début de la seconde rime de la partie A [mes. 32 + mes. 15]. Il passe ensuite par deux nouveaux changements de mesure, tout d’abord à nouveau comme à la mesure 9 en [6 ; 8], soit un tempus perfectum cum prolatione perfecta, et directement après par une mesure traduite par un duolet, équivalent à un [8 ; 9], où nous trouvons la seconde des deux sensibles, do dièse, qui en font une cadence de Landini.

Dans l’ensemble, cette section B reste très proche de la partie A, du moins d’un point de vue rythmique.

[1] Luca Zoppelli, Cours d’histoire générale de la musique II, donné à l’université de Fribourg en 2006.